The Whitest Boy Alive - Rules

Demás decir que un proyecto del cual forme parte el más que conocido Erlend Øye, no debe mover a planteamientos de si valdrá la pena o no; de si sonará tan bien como otras empresas suyas y…, en suma, no debe generar dudas de ninguna índole. Tanto por sus producciones como solista o en colaboración con otros artistas, como por ejemplo completando el dúo Kings Of Convenience y el trío Peachfuzz, el hombre se ha ganado una posición privilegiada que nos lleva a recibir su música como de quien viene; esto es, pues, con el mejor de los ánimos. Y si hablamos de The Whitest Boy Alive, el cuarteto liderado por este artista incondicional, nos debemos mantener aferrados dogmáticamente a nuestra fe.
La referida agrupación se formó en el 2003, por unión de Øye y dj Marcin Öz, y poco después se ultimó con la integración de Daniel Nentwig y Sebastian Maschat. Iniciados bajo la consigna de elaborar música electrónica, gradualmente fueron renegando de tal propósito, de forma que actualmente sus sonidos se han derivado en orgánicos casi al ciento por ciento. En el 2006 llegó su álbum debut, Dreams, un trabajo en el cual aún se divisaba algo del plan primero; pero de aquél disco a esta parte, el cuarteto ha franqueado un trayecto que lo terminó por conducir a Rules, un segundo larga duración que bien nos puede revelar qué sucedió durante el recorrido.
Luego de unas exitosas presentaciones llevadas a cabo en Méjico a lo largo del 2007, la agrupación decidió estancarse allí por un tiempo, con la intención de trabajar en algunas ideas florecidas en ese mismo país. De este modo, Méjico fue sede de la grabación del nuevo álbum de The Whitest Boy Alive, confiriéndole un sonido que se podría abreviar como una conjunción de jazz, funk y música latina, principalmente de bossa nova, que converge hacia un pop cálido y encantador… Batería, guitarra y bajo tracción sangre, en perfecta concordancia con sintetizadores y la voz de Øye, se hizo simplemente la formula perfecta..., y ya que así fue, se desarrolló a lo largo de once espléndidas canciones… Y para que no haya vacilaciones, recordemos que todo cuanto toca Erlend Øye se vuelve irrechazable...
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Kieran Hebden & Steve Reid - NYC

Nyc es el segundo y último álbum del excéntrico dúo formado por el británico Kieran Hebden, quien suele producir tras el alias Four Tet, y el norteamericano Steve Reid, legendario baterista que supo compartir, en otros tiempos, su talento con grandes como Fela Kuti, James Brown o Miles Davis. El proyecto en conjunto de estos artistas surgió en el 2006, cuando ambos tomaron la decisión de enlazarse con el único fin de experimentar libremente, y ver qué obtenían por todo resultado. Juntos lanzaron su The Exchange Session en dos volúmenes y, poco más tarde, Hebden colaboró, entre otros músicos, en el álbum Daxaar, grabado en Africa por el Steve Reid Ensemble. A mediados del 2007 la dupla debutó con el trabajo titulado Tongues, y, a finales del año que se nos escapó, publicó el disco que les presento.
En la entrega en cuestión, el dúo volvió, una vez más, a sucumbir a su insaciable afán de experimentación. Tal vez anteriormente, y según han señalado algunos críticos, los artistas no se liberaban lo suficiente de cara a sus producciones, mella que bien supieron solventar en Nyc. Y es por esto que Kieran Hebden y Steve Reid fueron, incluso, por encima de sí mismos, logrando dar con un álbum que rinde honor, a todas luces, al término free-jazz, usando al máximo las libertades que éste supone. Sin atavismos de ninguna naturaleza, ambos consiguieron construir, con la infalible ayuda de las nuevas tecnologías, seis piezas únicas, enérgicas en exceso, totalmente vertiginosas. Ya con la apertura del disco asistimos a una suerte de despegue que parece nunca concluir, y luego de semejante inicio, una vez en lo alto, la ascensión se vuelve indefinida, lo mismo que si la fuerza de gravedad importara poco a estos músicos de laboratorio. Y durante todo el presuroso vuelo, no sólo prima el jazz-espacial, sino que también el funk-cósmico, los sonidos afrobeat-siderales y más…; una travesía imposible, de la cual no habrá ancla lo adecuadamente grande como para atascarnos…, mas… ¿quién quisiera dejar de avanzar?
En Nyc se entrevé un carácter inusual, que nada tiene que ver con propuestas de otros músicos, sino que, más bien, exalta el prurito de sus creadores, como si éstos no quisieran realmente enterarse de que por ahí se los anda comparando con otros… Decididamente todo se reduce a una oferta fantástica, pero no apta para todo público…

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Irmin Schmidt And Kumo - Axolotl Eyes

“La música actual es muy rica, y tan contemporáneo me parece Aphex Twin como Sonic Youth. Lo que pasa es que a veces los compositores nos obsesionamos tanto con el lenguaje que la manera de expresarse se vuelve incomprensible. Olvidamos que Dante, por ejemplo, utilizando el italiano vulgar creó una obra de arte suprema. La música contemporánea es un mundo exclusivo y excluyente. Yo intento no excluir nada, ni el jazz ni la música popular. Se trata de tomar y experimentar con ello, como hacía Duchamp”.*

Quien en otro tiempo supo ser el fundador de la legendaria y mítica agrupación alemana Can, Irmin Schmidt, en 1997 requirió la asistencia de su yerno, el programador inglés Jono Podmore (alias Kumo), para la confección de la banda sonora de una obra de teatro llamada Gormenghast. Debido al éxito del trabajo, los dos artistas decidieron seguir produciendo juntos, y en el 2001 liberaron su grandilocuente álbum debut llamado Masters of Confusion. Continuaron creando y a finales del año pasado nos otorgaron esta maravilla que dieron en bautizar, Axolotl Eyes.
Con los aportes de los vocales de Paul J. Fredericks en tres temas y el encantamiento de Ian Dixon y su trompeta, para completar el virtuosismo de Jono Podmore al violín, theremin y algún aparato electrónico más la frialdad de Schmidt al mando de la guitarra, piano y otros teclados, se fabricó esta pomposa infraestructura sonora llamada Axolotl Eyes. Siete temas improvisados, acaso, en alguna especie de recóndito universo paralelo, oscuro y bizarro; siete temas turbios y enigmáticos, como impregnados de sombríos secretos… Sin dudas que el dúo no suele despreciar sonido alguno cuando se propone experimentar, y así es como logró concebir este divagador álbum, embriagado de “oscurantismo” y vagabundeos de toda idiosincrasia; una obra que nos apresará desde el principio con un sonido sin favoritismos por ningún género, que más bien vacila deslizándose entre todos y cada uno, hasta encontrarse a sí mismo…

* Fragmento extraído de una disertación que Irmin Schmidt llevó a cabo en el festival Sónar de Barcelona, en el año 2001.

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Heartsrevolution - Switchblade EP

Empresa más que curiosa, no sólo por su música, sino también por su modo de propagarla, el otrora dúo formado por los norteamericanos Ben Pollock y Leyla Safai, Heartsrevolution, en el 2008 se derivó en trío con el acople de Prince Terrence, y juntos los tres, lanzaron a finales del año su EP Switchblade. Anteriormente sólo habían puesto en circulación unos cuantos singles, que dicho y sea de paso, hacían gala de un sonido un tanto diferente, actualmente trocado cien por ciento en electrónico. Electro por momentos pesado y ruidoso, portador también de tintes punk, más como si tratara del trabajo de artistas alemanes y no yanquis, es lo que elaboran los integrantes de Heartsrevolution, un sonido que, de cualquier modo, les ha brindado una buena reputación en el círculo indie.
Desde el 2005 que Ben y Leyla vienen promocionando sus presentaciones de una forma bastante peculiar, con previas de una inventiva única. Encarando las calles aledañas al ulterior evento en un colorido carrito de helados, potenciado con beats electro de volumen en alto, los artistas de Heartsrevolution saben ganarse a la gente atrayéndola no sólo con la música, sino también con golosinas, juguetes, camisetas, cd-mixes y una amplia gama de bagatelas de propia línea. Con tan llamativo modo de hacer, definido por ellos mismo como HeartsChallenger, que es el nombre del camioncito pero el término trasciende a éste, ya que, en cierta forma, hasta lo consideran un estilo de vida, los norteamericanos se han hecho poco más que célebres. Con semejante carroza de la alegría, una totalmente vanguardista por supuesto, se han presentado no sólo en Estados Unidos, sino que también lo hicieron en París, Londres y Japón, logrando en todos lados, siempre, un acogimiento algo más que benévolo...
Y volviendo al EP que les ofrezco, espero que les sea válido al menos hasta la llegada del álbum debut de Heartsrevolution. Switchblade cuenta con cinco excelentes pistas, casi todas dinámicas, dotadas de sumo groove…, pero la que se gana mi mayor estima, es sin dudas la última, una simple pieza rayana en lo pueril, pero que no de manera fortuita fue elegida para cerrar este gran EP.

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Paavoharju - Laulu Laakson Kukista

Desde Finlandia nos llega esta agrupación extraña, creadora de los más diversos estilos, de la música Electrónica al Country, pasando por el Folk y el Rock. Su último disco, el cual nos atañe en esta ocasión, podría definirse dentro del Modern Clasical y el Ambient, quizás la banda sonora de una de esas películas que jamás serán filmadas. Paavoharju es eso, es todo lo concebible como música, sin ningún límite que los detenga; Ragnar Rock, Olli Ainala y Lauri Ainala son el trío que forman esta rareza que no por raro nos cautivan en lo más profundo. Editado por Fonal Records de Finlandia, más música por descubrir para quienes no lo conocen y creen que todavia la música puede sorprenderlos.

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Sawako + Daisuke Miyatani - Hi bi no ne

Sawako Kato es una artista japonesa, que se une en esta presentación a Daisuke Miyatani, otro japonés, para grabar juntos en el sello Schole. Actualmente Sawako vive parte del año en Tokio y otra parte en New York. Como todos los artistas de Schole su música deambula en la experimentación de pequeños sonidos de carácter infantil, orgánicos y muy dulces. Daisuke por su lado produce música más tecno y minimalista; otro de esos eclécticos y generosos músicos de la vanguardia nipona, música de la que nos gusta presentar en La Suite para beneplácito de muchos.

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Popnoname - Surrounded by weather

Popnoname es el seudónimo con el que trabaja Jens Uwe Beyer, también conocido como PNN.
Jens nació en Düsseldorf y construye su sonido al estilo de la ciudad, una mezcla entre Pop clásico y bases Electro Sinth muy ochentosas, pero para nada alejadas de la modernidad. Sin dudas un músico de escuela, que sabe y siente lo que hace. Si a su elaborado y cuidado trabajo le sumamos su voz, dulce y armoniosa, nos da por resultado este excelente disco sin desperdicios que hará las delicias de quienes lo escuchen.

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Animal Collective - Merriweather Post Pavilion

Animal Collective acaba de liberar su octavo álbum de estudio, un trabajo llamado Merriweather Post Pavilion. Este disco, conduce a la simple deducción de que la productiva agrupación norteamericana se viene manifestando a razón de un álbum por año, comenzando en el 2000. Mientras que Brian Weitz y David Portner se encuentran de excursión en miras de promocionar su nueva faena, Noah Lennox se halla en Lisboa y Josh Dibb desistió de acudir a la gira, simplemente porque no le vino en gana; no obstante, lo dicho no significa que existan inconvenientes internos entre los cuatro miembros de Animal Collective, sino que desde sus principios vienen trabajando de este modo tan poco ortodoxo, cosa que de todas formas, no ha contravenido su incuestionable productividad.
En una vieja entrevista David Portner había hablado así: “Sería bueno que nuestros discos pudieran ser apreciados desde todos los ángulos: drogas, punks, intelectuales, espiritualistas”. Y es que, en cierta forma, recorriendo la discografía de estos norteamericanos reparamos en que, tal vez sin conseguirlo las veces todas, siempre intentaron captar la atención de un público bastante heterogéneo. En algunos casos obteniendo más éxito y en otros menos, han abordado todos los géneros según su enfoque, concibiendo una seguidilla de álbumes totalmente dispares, lejos de encontrar correspondencia uno con otro; dicho lo cual, podemos figurarnos su octava entrega como una nueva tentativa en ese mismo sentido.
Merriweather Post Pavilion es el mejor álbum del colectivo, o al menos tal afirmó Noah Lennox. Liberador, aunque también espesado de climas inquietantes que presagian amenazadoramente el inminente quiebre que de un momento a otro puede dar la música, desde el principio nos viene en conocimiento el que estamos ante algo grande. Si bien la psicodelia se advierte viendo esa “sinestética” carátula, dando oídos a esta obra maestra nos hundimos cada vez más en un mar cargado de múltiples formas, derivadas todas de las transformaciones mismas del sonido, y nos corroemos voluptuosamente en una miscelánea tardía de los sentidos. Enrarecido pero fascinante en su extravagancia, el aire dominante en estas once piezas es psicodélico, pero con placer nos ventilamos con él, en un perfecto acto de auto-indulgencia. El trabajo más pop de Animal Collective, y para mí, su obra cumbre hasta el momento.
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Strange Attractor - Mettle

Strange Attractor es una agrupación holandesa actualmente conformada por Niels Van Hoorn, Richard van Kruysdijk y Marie-Claudine Vanvlemen, aunque suele recibir de buena gana la colaboración de tantos otros artistas. Se revelaron en el año 2004 con algunas reseñas más que interesantes, y dos años después liberaron su álbum debut llamado Everything Is Closer, un agraciado trabajo de trip hop jazzero. A finales del año pasado se despacharon con su segundo disco, el mismísimo Mettle.
Con ecos que nos llevan a pensar indefectiblemente en Portishead, Mettle suena mohíno, radicalmente abatido. Pero la pesadumbre que franqueamos a través de las diez crudas piezas, es subsanada con la gélida belleza que éstas rezuman, como si la melancolía nos quisiera estrangular con calidez. Por momentos avasallante, el trip hop ahogado en jazz de estos holandeses es toda una oda al auténtico sonido bristol, aquel nacido en la ciudad inglesa; un retorno a la angustia como dogma mismo, en todo momento preconizando la grandeza que puede coexistir en el desasosiego más rotundo. No importa si escuchamos los lamentos de un traductor de Charles Baudelaire, o cualquier letra misteriosa cargada de enigmas, pues la hipocondría nunca es suficiente para estos holandeses; después de todo…, la vida no es perpetua bienaventuranza, y puede ser próspera incluso la tristeza.
Mettle es maravilloso por los cuatro costados, y sería un acto desatinado que lo dejen escapar…


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Telefon Tel Aviv - Immolate Yourself

Aproximadamente un año llevó al dúo conformado por los norteamericanos Charles Cooper y Joshua Eustis, Telefon Tel Aviv, concluir su tercer álbum de estudio. Luego de que la firma de Chicago Hefty Records presentara Fahrenheit fair enough (2001), Map of what is effortless (2004) y el compilado de remezclas Remixes compiled (2007), de la mano del sello alemán BPitch Control, la dupla vuelve proponiendo un giro hacia nuevos sonidos con su Immolate Yourself…
El hondo IDM que se completaba con ciertas proporciones de soul, sonidos cinematográficos, intelectualidad y un poco de pasión también, ahora se armoniza afinadamente con música electro. Manteniendo de manera omnipresente la sobrecarga de perfectos colchones ambientales, ruidos, clicks y cortes tan representativos del dúo, su sonido tomó nuevas sendas que lo conducen, sin desvío alguno, a ensamblarse de una sola vez con el pop. Y es que no hemos tenido registros de que Telefon Tel Aviv pretendiera dar semejante vuelco a su música, dado que oyendo las anteriores reseñas no se presagiaba nada por el estilo. Con todo, es un hecho que la virada figurada en este nuevo trabajo, le sienta más que bien a nuestros sentidos…
No hay dudas de que siguen siendo Telefon Tel Aviv, y eso se advierte en la maestría de las nuevas diez piezas que han dado en firmar; las que en ocasiones nos recordarán a las producciones de Junior Boys… La profundidad sigue latente, si bien disfrazada por momentos, aún está presente en las admirables melodías y en los atrapantes ambientes que generan; las voces que en tiempos pasados beneficiaban dando gran parte del toque emotivo, ahora se asientan inesperadamente en clave pop, haciendo evidente el cambio. Immolate Yourself irrumpe audazmente en la arena electro-pop; empuñando sus mejores armas, Telefon Tel Aviv se juega por un disco por momentos surrealista y dinámico, y en otros sensible y lánguido…, pero siempre dotado de hermosura…
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Terry Lee Brown Jr feat Robert Manos - Wait Remixes

Entre tanta reseña que pone en circulación este alemán, Norman Feller alias Terry Lee Brown Junior, difícil es decidirse sólo por una. Luego de su quinto álbum de estudio, el encomiado Softpack, Terry ha resuelto largar la primera tanda de remixes de dicho trabajo, según acostumbra desde tiempo atrás. De tal modo, favoreció para el caso, a esa maravillosa pista llamada Wait, la cual recientemente apareció versionada en apreciables formas por cinco reconocidos artistas de la escena tech.
El tema en cuestión, goza de los excelentes vocales de Robert Manos, un cantante oriundo de Tanzania de cuyas virtudes ya nos habíamos percatado recorriendo la escena drum and bass, por ejemplo mediante sus colaboraciones varias con Seba. Si bien la voz del africano se ajusta de buena manera con aquellas producciones, tanto mejor conviene al encantador tech house colmado de soul y refinamiento tan característico de Terry Lee Brown Junior, y esto es algo que no van a pasar por alto en este EP. Bella impresión nos llevamos al notar que un tema creado originalmente por estos dos artistas, se puede volver a versionar unas cuantas veces sin perder su encanto, sino que ganando puntos en ése mismo sentido, como si la esencia del original fuese en verdad rica e inagotable.


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Jonny Loves House - Open Windows

Hacemos una pequeña inflexión en este perpetuo ir y venir dentro de nuestra Suite, a fin de desviarnos un tanto hacia sonidos propios para el dance floor. En definitiva, todo se establece de manera perfecta en las etiquetas, a modo de que nadie se pierda en las sinuosidades de esta rebuscada morada. Y volviendo al vaivén que propongo, espero que baste para contentar a uno que anda dando vueltas por ahí, zumbando como una mosca; dicho con el mejor de los ánimos, por supuesto.
Jonny Loves House, es el alias del artista inglés del que sólo creo saber su nombre: Jonny. El seudónimo es válido tanto para quien se ampara tras él, como así también para su propio sello discográfico; ambos con sede en Brighton. El hombre-artista en cuestión, viene produciendo música house desde hace más de diez años, liberándola en todos los formatos mediante los recursos más viables que ha encontrado a su disposición. Asimismo, se jacta, al igual que tantos otros artistas, de crear su música en vivo, desplegando sus performances en infinidad de eventos que van de un punto a otro del globo, aparentemente con no poco éxito.
Open Windows es lo más reciente de este inglés, una propuesta perfecta para introducirse en su creación. Su faena es concebida, según afirma en su myspace, por medio de: “Roland TR-505, D-20, SP-808 , Kawai K11, Q-80, Akai S20, Freebass 383, Boss DR-202, DR-770, Digitech RP6, Novation Bass Station Keyboard, Korg MS2000r, Lexicon Reflex, bajo Fretless más dos guitarras eléctricas y Jonny”; todo un deleite para los entendidos... De esta manera, un perfecto cóctel de música funky y disco en buena sincronía con el house más actual, se esgrimen por mano de Jonny Loves House con la simple intención de hacer bailar a la gente, sin pasar a ser una oferta de tintes comerciales en ningún momento. Un álbum parejo que logra con creces su cometido, ya que su sonido se percibe alegre, entretenido y altamente recomendable para pasar un buen rato…


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Yann Tiersen - Tabarly

Guillaume Yann Tiersen es un excelso artista francés nacido en Brest. donde tempranamente sus padres habían evidenciado su buena inclinación por la música, de modo que resolvieron enviarlo a una serie interminable de conservatorios que, poco a poco, fueron intensificando su llama natural convirtiéndolo en un gran músico, diestro en el dominio del piano, violín y algún que otro instrumento de la misma índole. Pero la escuela no fue su única influencia, ya que, una vez pisada su adolescencia, Tiersen abrazó, como contraposición de su formación clásica, la causa del rock, formando su propia banda; de ahí el antagonismo patente en este artista, pues fue perfilado por una y otra rama musical…
No cabe estudiar cuál de sus primordiales influjos surtió mayor efecto en su carrera, ni tanto menos, cuál fue más conducente al éxito; de lo último bien sabemos que fue su vertiente clásica, con su triunfo señalado en la banda sonora correspondiente a Le fabuleux destin d'Amelie Poulain, mientras que su post-rock tuvo siempre una cálida acogida principalmente de la mano de sus presentaciones en vivo. Remarcable es, de cualquier modo, su perseverancia; siempre hacia lo alto, en miras de algo mejor. Desde 1995 a la fecha, Yann Tiersen se adjudica numerosos álbumes en circulación; algunos celebrados, otros un tanto vapuleados, pero en conjunto, todos nos hablan bien de su hacedor.
¿Quién no escuchó alguna vez algo de este artista? ¿Acaso…, les es extraño su nombre? Discutido por la crítica, por sus seguidores y hasta por cinéfilos, las notas mágicas del maestro francés Guillaume Yann Tiersen, eran echadas de menos por nuestros oídos, y por esta Suite. Su vuelta de hace unos meses atrás, con la banda sonora de Tabarly, fue, al fin y al cabo, más que bien recibida por todos; ¡y qué regreso!
Por mi parte lamento haberme retrasado con este posteo, y es que primero quería ver el film al cual está destinado el disco; pero aún no he podido. Que la película-documental de Jacques Perrin es una maravilla y demás…, se puede leer en cualquier parte, como si uno o unos cuantos hubiesen dejado caer la semilla por ahí… Ahora bien…, a todo…, yo digo: primero den oídos a su música…, que después les preguntaré… ¿quién dudaría de las excelencias, de lo que se intuye como excelente?


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Antony & The Johnsons - The Crying Light

La agrupación experimental liderada por el inglés Antony Hegarty, Antony and the Johnsons, acaba de lanzar un nuevo trabajo titulado The crying light. En octubre del año pasado habíamos tenido un pequeño preludio con el EP Another World, el cual anticipó lo por venir. Recordemos que Hegarty se hizo conocer sembrando críticas varias, principalmente debido a su condición de transexual, cosa que no ocultó, sino que por el contrario, su sexualidad siempre conformó gran parte de sus canciones, convirtiéndose en el mayor de los casos, en el eje principal de toda su obra, incluyendo el reciente disco. Igualmente, el renombre se lo ganó de buen grado, a fuerza de brillar con su propia voz y por sus virtudes como pianista, lo cual lo llevó a ser la estrella principal de la banda, quedando ésta confinada al acompañamiento del artista...
The crying light nos vuelve a envolver en el abatimiento más imperativo, ahogándonos en el trasfondo trágico que suelen exaltar las emociones intrínsecas de Antony Hegarty. Diez lánguidas canciones, que si bien no nos sorprenden en lo absoluto, vuelven a surtir el mismo efecto que el resto, generando desconsuelo, cuando no pena, con su pesadumbre tan especial. Antony and the Johnsons se sigue empeñando en hacer sufrir a la gente con su nuevo y tan esperado álbum, aunque bien lo hace con refinamiento y exquisitez..., como ya nos tiene acustumbrados...
Les dejo este The crying light, para todos los que lo esperaban y para los que no; y en cualquier caso, si el 2009 se les antoja un año más, como cualquier otro sino peor, pueden comenzar a llorarlo con lo último de Antony and the Johnsons.
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Eddie Vedder - Into The Wild

El norteamericano Edward Louis Severson, conocido por todos por liderar la reprendida banda Pearl Jam, a finales del 2007 lanzó su álbum debut como solista, una obra de la cual se habló mucho durante el año que se nos fue. Into The Wild fue un trabajo fraguado con el fin de convertirse en banda de sonido de la película del mismo nombre, una realización del "ignorado" cineasta Sean Penn. Por encargo del director, Eddie Vedder tomó el guión mismo del film, y se volcó de lleno a la composición de un álbum que dejó sin habla a muchos, ya que el artista hizo a un lado el rock y confeccionó música folk profunda, preñada de madurez y sabiduría.
Eddie escolta con su voz al protagonista mismo, atravesando a la par, todas las peripecias de éste. El cantante raya en el desconsuelo más hondo o en la emoción más luminosa según el caso, dejando en el fondo un mensaje auténtico, y, en cierto modo, altruista. Y es que un buen tiempo atrás decidió comenzar a decir todas aquellas cosas que le molestan a como dé lugar, cargando en contra del gobierno de su país, así como también en contra de ideales de poca monta; y no olvidemos que Eddie Vedder es amigo inseparable de ese gran cineasta llamado Michael Moore, así que háganse la idea… Por lo demás, Into The Wild se debe aprender a escuchar viendo el largometraje en cuestión, pues sólo así entenderemos en rigor, la magia que su música plantea; canciones maravillosas que no pueden menos que enseñarnos a ver las cosas con más agudeza, y sobre todo, más humanidad…
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Kevin Yost And Guy Monk - Solid

Los estadounidenses Kevin Yost y Guy Monk, ambos maestros incontestables del jazz electrónico, recientemente se han vuelto a juntar con el objetivo de reunir temas propios en un excelente compilado llamado Solid. Uno y otro artista ya habían trabajado en conjunto anteriormente, articulando sus talentos ya para crear juntos, ya para que cada quien remixe las piezas del otro, o en cualquier sentido... Recordemos por ejemplo, la reputada saga compilada por Yost, The Jazz Influence, en la que acostumbrado era dar con los mejores trabajos de Monk, y demás decir que sus producciones como dúo han sido más difundidas en formato 12", siendo éstas, más accesible para los djs que para el resto del público en general.
De esta manera, Solid se convierte en una propuesta poco más que interesante para todos los que no hemos podido obtener vinilos firmados por ambos artistas; una reconciliación en la que Kevin Yost y Guy Monk nos brindan tanto nuevos tracks, como así también otros que apenas si habían aparecido en reseñas de tiradas limitadas. Temas “versus”, a dúo e incluso inéditos son dispuestos en esta entrega, la cual se puede simplificar como un perfecto alarde de belleza. Un compendio que sin dudas, recoge lo mejor de estos norteamericanos…, quienes pueden ser considerados, sin vacilaciones, como los padrinos del jazz electrónico, junto con algún que otro respetable artista…

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T Bone Burnett - Tooth Of Crime

Joseph Henry Burnett, quien gusta de hacerse llamar T Bone Burnett, es un productor y músico norteamericano nacido a finales de la década del cuarenta, en St. Louis, Missouri. Su música ha dado la vuelta a la esfera…, y tanto así, que en 1992 decidió tomarse unas vacaciones de poco más de una decena de años; un retiro que destinó a la producción de unos cuantos artistas, además de trabajar en bandas sonoras para el cine, de las que cabe destacar la de O Brother, Where Art Thou? (Coen) o su participación en la correspondiente a The Big Lebowski (Coen). Luego de revelar unos cuantos talentos y recibir algún que otro premio por su trabajo para el cine, reanudó su labor como solista dos años atrás, con un álbum titulado The True False Identity y un compendio con sus grandes clásicos, luego de los cuales hizo sufrir a sus seguidores con un nuevo entreacto que concluyó hace unos pocos meses, con la llegada de Tooth Of Crime.
El musical que había concebido el escritor, guionista, dramaturgo, director y actor Sam Shepard en 1972, es el que inspiró a T Bone Burnett para crear su álbum de igual nombre que la obra de teatro; estamos hablando de un trabajo que contó con la total aprobación y colaboración de Shepard, aparte de que fue grabado con la asistencia que brindaron Marc Ribot y Jim Keltner, entre otros conocidos músicos. Así, podemos hacernos a la idea de que el Tooth Of Crime por nuestro Burnett da una reinterpretación en clave rock psicodélico del viejo musical, transmitiendo un mundo de sensaciones que nos transportan desde el principio a las butacas mismas del teatro. Por momentos encontrando abrigo en la más infecunda tristeza, que bien la percibimos una con la oscuridad, y marchando ésta derechito a los ditirambos apocalípticos a fin de dejarnos una buena impresión de desolación, el autor recrea el derrumbamiento de un coloso del rock que es abatido por el fastidioso peso de los años y un pequeño empujón propiciado por otro músico; al igual que en la obra teatral.
Como bien se sabe, estamos ante una propuesta de rock bien consolidado con blues y un poco jazz; propuesta que hará de puente a un mundo inquietante, enigmático y en ocasiones, espeluznante... En fin…, una gran Odisea de T Bone Burnett dejo aquí, propia para todo el que se anime con ella…

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Titiyo - Hidden

Titiyo Jah es una artista sueca que emprendió su carrera en la música por persuasión de su media-hermana mayor, la diva Neneh Cherry, quien a finales de los ochenta la había arrastrado hasta un estudio en Londres, a modo de hacerla descubrir su vocación natural. El talento de Titiyo no pasaba desapercibido por miembro alguno de su familia, pero cayó en cuenta sólo después del experimento del cual la hizo objeto Cherry. De tal manera, nuestra artista inició su propio proyecto, para el cual contó con la ayuda de unos cuantos artífices. En 1989 su música formó parte de unas cuantas reseñas, y finalmente completó su álbum primero en 1990, el cual se llamó, obviamente, Titiyo.
A fuerza de importantes colaboraciones con artistas varios, lo mismo que por gracia de otros tantos que han sabido brindarle apoyo a lo largo de toda su trayectoria en la música, se explica cómo es que Titiyo aún, luego de casi una veintena de años, continúa registrando su nombre en diversas reseñas. Para el 2001 tenía editados cuatro álbumes que cargaban sobre sí el peso de tres premios grammys, por lo que la artista se permitió el excusado lujo de desaparecer por completo algunos años; igualmente, aunque supo perderse por un tiempo, procuró volver con un comprensible "Grande éxitos" en el 2006, disco que se convirtió en un largo interludio válido hasta la llegada de su quinto trabajo.
Hidden es lo nuevo y tan esperado de Titiyo, un álbum que pone bien en claro que su autora sigue tan habilidosa y diestra como siempre. Sin lugar a dudas, hasta se puede decir que la sueca va un poco más lejos en su carrera, siendo que además de cantar, por vez primera se adentra en la elaboración de su propia música, tomando el control de sintetizadores y demás artilugios de producción, de modo que su sonido se ve inflado de nuevos aires, irrumpiendo de forma más decidida en aquellos géneros antes explorados. El pop que anteriormente se había visto arreglado con música negra o rock (esto según de qué trabajo se hable puntualmente), ahora se vincula mejor con el sonido electro; por momentos oscuro y en otros más luminoso, Hidden fue fruto inspirado por trabajos de artistas como Thom Yorke o Marit Bergman, dado que si bien exhibe pistas pop en clave trip hop o downtempo, las más de las veces prima el electro cargado de ecos que nos recuerdan a dichos artífices. La sueca realmente ha decidido poner manos a la obra, y se puede afirmar que tanta revolución tiene un desenlace consecuente, pues seguramente este nuevo álbum movilizará a más de uno…

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Shayan Music - According To Quality 2003-2008

Babak Shayan nació en la capital iraní, Teherán, pero con el inicio de los conflictos entre su tierra e Iraq, se trasladó y reinstaló en Alemania. La guerra no logró quebrantar su amor por la música, y tanto menos cuando se vio ubicado en un país que le ofrecía un abanico de nuevos sonidos ignorados por él hasta ese momento. Babak no tardó demasiado en unirse a las vanguardias, de modo que a los trece años ya vagaba por diferentes clubes enseñando sus mixes grabados en casetes, y a poco consiguió una residencia en uno que de no ser porque asistía todas las noches en calidad de dj, no podía ingresar debido a su edad. Pasó toda su adolescencia tocando en uno y otro lado, hasta que a mediados de los noventa comenzó a crear su propia música, la cual encontró buena acogida en Platic City, por primera vez en 1998.
Es deducible que el sello alemán impulsó la carrera musical de Babak, llevándolo a que algunos años más tarde, luego de trabajar de manera incansable, pudiera abrir las puertas de su propia firma: Shayan Music. Actualmente, su empresa con sede en Colonia, nacida exactamente en el 2003, no se reduce solamente a editar discos de eleveda calidad, sino que además brinda otras prestaciones, como por ejemplo ofreciendo recomendaciones acerca de moda, música, cine e incluso gastronomía. De esta forma, el sello de Babak en poco tiempo se transformó en uno de los más prestigiosos de Alemania, y es que ofreciendo tantos servicios además de editar música de artistas como Innocent Lovers, Morgan Page, Jussi Pekka, Frankman, Cooccer o Budai and Vic, las cosas no se le podían dar de otra manera.
En el sitio del sello se explica que Shayan se deriva de la lengua persa, y significa noble y valioso. Es bien claro que Shayan Music desde sus principios viene haciendo honor al significado del referido término, editando música distinguida y para muchos, inestimable. Y si ustedes jamás oyeron hablar de Babak Shayan y su sello, así como tampoco escucharon reseñas suyas, les traigo According To Quality 2003-2008, un pequeño resumen de lo que lleva de vida Shayan Music.

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Andrew Bird - Noble Beast

El compositor y cantautor norteamericano Andrew Bird acaba de liberar su séptimo álbum de estudio de la mano de Fat Possum Records. Noble Beast ya está circulando mediante pre-venta en un paquete de lujo limitado, el cual cuenta con un bonus cd de temas instrumentales grabados en vivo durante diversas giras del artista, pósteres, fotos y un libro; a mediados de enero del próximo año será puesto en comercialización el disco en formato simple.
Para quienes desconocen a este artista, les contaré que Andrew Bird es un multiinstrumentista de formación jazzística que se dio a conocer en los noventa, tocando el violín en la agrupación de jazz Squirrel Nut Zippers. Luego de abandonar la banda, en 1996 se presentó como solista con su Music of hair, un álbum en el que Andrew fusionó música negra con rock y folk. Un tiempo después formó su propia banda, Andrew Bird's Bowls of Fire, con la cual grabó dos álbumes antes de su desintegración. Así, Andrew Bird continuó en solitario con su bien recibido The Weather Systems, trabajo que marcó un nuevo rumbo para su música, alejándola un tanto de la experimentación en beneficio de una manera más tradicional de componer.
El sonido de Noble Beast, así como el de toda la discografía de este artista, se encuentra a medio camino entre el folk y el rock indie, por momentos incorporando resonancias de jazz. Afinados sonidos de guitarras, violines e incluso glockenspiel, se enlazan de manera perfecta a la buena voz de Andrew Bird, generando así un álbum magnífico. De una delicada lírica, las canciones escritas por el norteamericano son cantadas también por él con toda la gracia y sutileza que demandan, sucediéndose una tras otra como si del pasar las hojas de un libro maravilloso se tratara; un paseo durante el cual, en algunos casos, Andrew no necesita siquiera cantar para volverlo grato, sino que sólo le basta con silbar o tararear bellas melodías. Resumidamente, un disco encantador por donde se lo mire…
Recomendadas de manera especial, al menos por mi parte, esas maravillas que son los tracks 2, 5, 10 y 13.
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The Bird and the Bee - Ray Guns Are Not Just The Future

La dupla norteamericana formada por el productor y músico Greg Kurstin, más la vocalista y multiinstrumentista Inara George, proyecto conocido como The Bird and the Bee, lanzará a principios del próximo año su segundo álbum de estudio. Luego de unas cuantas reseñas, de entre las cuales destaca su debut homónimo aparecido en el 2007, el dúo ya tiene a punto su segundo trabajo..., el cual, si bien falta un tanto para su lanzamiento oficial, ya mismo y desde hace unos días circula por la red…
Teniendo en cuenta que Greg anteriormente había trabajado con artistas de talante más comercial como Sophie Ellis-Bextor, Lily Allen, Kylie Minogue, Red Hot Chili Peppers o Beck, su unión con Inara en el 2006 le ha servido para explorar nuevas sendas musicales, y dar un paso más en su carrera, aunque, sin dudas, uno considerablemente más firme y consistente. En Ray Guns Are Not Just The Future la música de The Bird and the Bee se nutre de sonidos psicodelia propios del período Tropicalia (el cual nació en Brasil siendo generado por Caetano Veloso a finales de los sesenta; una combinación de rock y géneros característicos del país carioca), jazz y hip hop, completándose con sonidos actuales, como por ejemplo electro-pop. Por otra parte, para las letras de las canciones los artistas decidieron hacer especial uso de su ingeniosidad, ya que, como si del guión de una comedia se tratara, abordan diversas temáticas en plan humorista, de la misma manera en que lo hicieron en su obra primera y más aún.
En suma, haciendo una vista general, se puede terminar por reducir su música como indie. Ciertamente, se trata de una propuesta agradable, aunque no creo, claro está, que se convierta en lo mejor del 2009… Greg Kurstin, a la par de llevar a cabo otros proyectos, ha jugado muchas fichas a esta empresa en particular, puesto que ésta es la que le ha dado mayores satisfacciones en los últimos años. Por lo demás, está en ustedes tantear el disco y ultimar la cuestión…
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Seba - Return To Forever

Si bien el músico y dj sueco Sebastian Ahrenberg, hombre que conocemos mediante sus producciones bajo el alias Seba, viene velando por el drum and bass casi desde mediados de los noventa, recién en estos días acaba de lanzar su debut como solista. Fechadas a partir de 1998 a esta parte, fácil es dar con innumerables reseñas certificadas por él mismo, y sin embargo, la cosa sólo va de singles y EPS; y júzguese que con lo que asiento, no pretendo sonar despectivo en forma alguna... Por el contrario, es que parece simplemente inverosímil que así sea, pues de la mano de Seba hemos disfrutado tantas veces de la escena breakbeat, que cuesta creer…
A principios de los noventa comenzó desplegándose un buen tiempo como dj dentro del circuito drum and bass de Estocolmo, y a poco se inició en la producción musical colaborando con el conocido inglés apodado LTJ Bukem. Algunos años antes de que el siglo XXI diera apertura, Sebastian inauguraba su propio club nocturno en la capital sueca, tiempo en el cual, también arrancaba a crear en solitario. De esta manera, para 1999 ya contaba con su propio sello, llamado Secret Operations, el cual estaba destinado a editar tanto trabajos propios como así también los de otros artistas. El drum and bass se le daba bien, cosa que no le era ajena a Seba.
Luego de combinar talento certeramente con artífices como Jesper Dahlbäck (formando el dúo Sunday Brunch) o Dev Pandya (hombre difundido bajo el alias Paradox), actualmente Sebastian trabaja a solas, y de esta forma finalmente se despachó con un álbum full, llamado Return To Forever. Con la colaboración de los vocalistas Robert Manos y Krister Linder, el sueco “retorna” con un sonido que podríamos definir como deep-drum and bass…, ya que, se percibe profundo, cargado de atmósferas inquietantes y envolventes, a la par de siempre dinámico y presto al baile. Así, el regreso de Seba se hace más que interesante, por lo que merece la pena escuchar su Return To Forever; y esperemos que su vuelta sea para quedarse, como indica el título del álbum…


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Apse - Eras

Fue a finales de los noventa cuando el grupo de amigos formado por Ezer Lichtenstein, Robert Toher y Ryan Todd, decidió, por conformidad de todos sus integrantes, convertirse en una banda de rock experimental, confiriéndole un poco de musicalidad a su amistad. Los tres estadounidenses dieron en denominar su proyecto como Apse, y comenzaron a producir música de manera independiente sin tener siquiera una mera noción de lo que buscaban. De este modo, su sonido hubo de transitar un confuso camino, recorriendo el heavy metal, industrial, gothic rock, shoegaze, prog-rock, post-punk y post-rock, entre otros estilos, primando en toda su persecución la experimentación más surrealista. Asimismo, los tres amigos también sumaron tanto como restaron artistas a su empresa, y al día de hoy son seis los músicos que sellan la agrupación Apse.
Unos cuantos singles y EPS sirvieron para ganarse la buena estima de la crítica, pero en el 2006 finalmente llegó Spirit, su álbum debut, el cual los terminó de afianzar de forma rotunda. No obstante, como si la banda no se hubiese sentido del todo conforme con el sonido de su primer trabajo, recientemente acaba de poner en circulación un LP versión limitada, destinado a distribuirse sólo en Estados Unidos hasta las cien copias. Hablo, obviamente, de Eras…, un trabajo que, y según sus mismos artífices aseguran, explota todos los recursos del grupo, llevando su sonido a un plano desconocido incluso para ellos mismos. Y es que, si bien retoman temáticas ya tratadas, como por ejemplo todo lo que tiene que ver con el desquiciamiento humano, asientan para el caso, de mejor manera la música propiamente dicha; y háganse ustedes la idea…
Aunque en la carátula hallamos un bonito paisaje en el que se observa al sol en pleno albor, ganando altura lentamente entre altas montañas cuyas cimas se encuentran cubiertas por nieve y nubes…, podemos imaginar semejante postal más como una antítesis, que como un preludio de la música de Eras. Primeramente deberíamos quitar al sol del cuadro, supliéndolo por una luna ceñida casi en su totalidad por espesas nubes, de modo que la luz del astro apenas surta mínimo efecto sobre el terreno montañoso, dejándolo en cerrada oscuridad a manera de acentuar la escabrosidad que es capaz de revelar la naturaleza… Y sin embrago, todo se resume a cómo se quiera enfocar la cuestión; pero tengan por seguro que la visión de estos norteamericanos es perpetua noche negra.

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Sin Fang Bous - Clangour

Sindri Már Sigfússon es un joven islandés que se dio a conocer en el año 2007 cuando fundó la banda Seabear, un proyecto que si bien surgió de él, al poco tiempo se convirtió en un grupo de siete personas. En agosto del año pasado lanzaron por medio de Morr Music su debut, The ghost that carried us Hawai, y este año, según todo así lo indica, Sigfússon decidió abandonar temporalmente Seabear para volcarse plenamente a la producción como solista, empresa que escogió llamar Sin Fang Bous.
De este modo, el siempre omnipresente en nuestra Suite…, Morr Music, nos acaba de presentar la obra prima de Sin Fang Bous, llamada Clangour: “Un regalo que nos hizo, y sobre todo a sí mismo”, se pude leer en el sitio oficial del sello alemán. Y es que, con tan sólo veintiséis años, concebir un álbum tan agraciado, no deja de ser, en ningún momento, motivo de satisfacción personal, cuando no de merecido orgullo.
“Quería tratar de hacer cosas con mi voz…”, afirmó Sigfússon, quien comenzó tan sólo con guitarra en mano, improvisando canciones con propia voz, y poco después aumentó, progresivamente, la instrumentación, agregando suaves percusiones, bellas melodías de piano y cuerdas acústicas además de, por supuesto, algunas estridencias discordantes. Absorbiendo también de Seabear, la propuesta de Sigfússon parte de la música folk, aunque no acaba en ésta, sino que se convierte en un pop preciosista, bello y delicado, tal y como si hubiese sido hecho a la medida de Morr.
Una huida al precioso mundo que bosquejan las doce bellas canciones de Clangour, es algo que, quiera o no, no se lo puedo dejar de recomendar a nadie.

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Metaform - Standing On the Shoulders of Giants

Metaform es el nombre del emprendimiento del norteamericano Aaron Justice, un hombre que hasta hace poco había decidido permanecer casi en el anonimato, permitiendo que muchos tiren los laureles correspondientes a Standing on The Shoulders of Giants en cualquier parte... Sin embargo, su relación con la música era su sentencia, pues antes de nacer el fallo ya había sido impuesto; y es que seguramente, el karma fue legado de sus padres, puesto que éstos eran amantes de la buena música…
Desde niño ya tocaba el piano, y no a mucho también la guitarra. Durante su adolescencia incursionó por alguna que otra agrupación de heavy metal y punk rock, hasta que un poco más tarde, finalmente, comenzó a trabajar como ingeniero de sonido y, junto con un amigo, se consagró de lleno a la experimentación electrónica. Y fue de este último proyecto, del que Aaron absorbió lo necesario para confeccionar su adulado álbum debut como solista.
Hip hop, funk, soul, trip hop, downtempo, electro, drum and bass y vaya uno a saber que más…, es lo que fusiona magistralmente este norteamericano, logrando crear un álbum desigual al tiempo que uniforme, aunque en cualquier caso, totalmente personal. Una vez escuchadas las primeras pistas, ya registramos su sonido como único, tal vez sólo comparable, en algunos casos, al de Dj Shadow, según se deja notar y todo el mundo así lo afirma. Un repertorio de 19 pistas insuperablemente trabajadas y plenamente equilibradas entre sí hacen a Standing on The Shoulders of Giants, las que se nos pueden antojar pequeñas y agraciadas pinceladas de colores varios; y lo de “pequeñas”, lamentablemente, porque todas rondan entre los 2 y 4 minutos. Incluso hasta los interludios se podrían haber convertido en grandes temas, lo que al escuchar el disco siempre nos deja haciendo ademanes fallidos, como quien piensa y espera que la cosa siga. Igualmente, estamos ante una reseña admirable, y debemos tener en cuenta que un buen tiempo de auto-confinamiento, por no decir cinco años de aislamiento absoluto en su estudio casero, fue necesario para que el artista consumara su Standing on The Shoulders of Giants; y claro está que semejante clausura bien valió la pena… Es de entender…, que en algunas personas, el… llamémoslo proceso de creación, así lo requiere; y aunque pueda sonar duro, la medida de la recompensa obtenida más tarde no se calcula a ojo, sino que sólo el gratificado puede llegar a tener una verdadera noción del valor…


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Animat - Earplay

Animat es el proyecto de música electrónica concebido a principios del siglo XX por los ingleses Mark Daly, más conocido como Soyo, y Michael Harding, alias The Only Michael. Estos dos hombres se unieron con ánimos de fabricar sonidos no sólo reservados a formar parte de reseñas de escucha ordinaria, sino que pretendían bastante más para sus creaciones... Se inspiraron en la labor de eminentes músicos como así también en la de artistas de otra índole, como por ejemplo en las obras de ilustres cineastas... De este modo, antes de conseguir una firma dispuesta a editar su álbum primero, lograron, por el contrario, el beneplácito de David Lynch, Sylvain Chomet y Veit Helmer, para añadir temas propios a excelentes películas suyas… Y para quienes no conocen obra alguna de estos directores, sólo diré que bien se los puede ubicar en la lista de excéntricos; de aquellos que “aparentan” tanta perturbación como cordura y suntuosidad; esos que se ven tan alejados del conformismo como el Diablo de la santidad...
Contando con la colaboración de las vocalistas Joanne Terry, Anne Garner, Sanchita Farruque y Lisa Palmer, más el apoyo del sello inglés The Big Chill Recordings, Animat pudo grabar y poner en circulación recientemente su obra prima. Una fusión de chill out, trip hop y downtempo rayanos en ambient que en algunos casos se puede mostrar con toques étnicos, les ha valido a estos ingleses para introducirse a la fuerza en todos nuestros reproductores caseros, lo mismo que en bandas sonoras de películas como The Straight Story, Belleville Rendez-vous y Tuvalu. En su estrenado álbum debut incluyen cuatro pistas creadas para el film de Lynch, las pistas 1, 5, 6 y 12, además del tema que da nombre al disco, Earplay, el cual en realidad fue un encargo destinado a formar parte de un proyecto de Living Art, una gran asociación que se dedica a “promover, preservar y proteger la belleza de la naturaleza” por medio del arte… Earplay nos brinda, pues, un poco de música cálida pero profunda…, que si bien “profunda” más bien nos servirá para elevarnos, poniendo en vuelo la imaginación por un momento…

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[Re:Jazz] - Nipponized

La banda alemana de música jazz liderada por Matthias Vogt, acaba de lanzar su cuarto álbum de estudio, el cual se titula Nipponized. Luego de su presentación en Kanagawa, [Re:Jazz]-Live At Motion Blue Yokohama, puede que el septeto haya quedado prendado por las excelencias del país asiático, su cultura, su gente y todo aquello que honra a Japón; o al menos tal da que pensar…Y esto lo digo, como seguramente ya habrán descubierto, porque, y según nos señala el título del álbum, [Re:Jazz] se ha resuelto en realizar única y exclusivamente covers de los más notables artistas nipones, y sólo de ellos y de nadie más...
Sí; un álbum íntegramente consagrado a los grandes talentos de la bella isla; un álbum que a partir de ellos se fraguó, y a ellos se dedica. Con toda la propiedad del mundo, y sin ahorrar en virtud, el septeto tomó piezas de regios artistas como Ryuichi Sakamoto, Towa Tei, Pizzicato Five, Kyoto Jazz Massive, Dj Krush, Jazztronik, Logic System y Mondo Grosso para reconstruirlas en clave jazz, como ya nos tiene acostumbrados. Un álbum que se presenta como una propuesta extraordinaria…, y es que… ¿quién repudiaría semejante invitación? Incuso aquellos que no simpatizan con el jazz pero sí con la electrónica y la música excelsa en general, ¿acaso dejarían pasar este ofrecimiento?
Tal vez por la temática de este nuevo trabajo o por alguna razón que desconozco, lo cierto es que Nipponized me ha parecido de lo mejor de estos alemanes. Denle, pues, ustedes también su oportunidad, que me animo a decirles que no los defraudará.

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The Dining Rooms - Other Ink

La dupla italiana integrada por Cesare Malfatti y Stefano Ghittoni pero más conocida como The Dining Rooms, ha sabido transformar su sonido en los últimos tiempos, apostando de manera resuelta en favor de una electrónica más humanizada. Siendo que su música se apreciaba, en sus principios, más artificial, elaborada cien por ciento de manera no tradicional, actualmente han sumado tanto instrumentación real como así también diversos vocalistas a su propuesta. Del trip hop jazzero al nu jazz, nu soul y nu funk, es la vía que decidieron transitar estos artistas sin perder talento, ni a sus simpatizantes, en su recorrido. Así, sus primeras entregas son idóneas para los seguidores de la electrónica propiamente dicha, mientras que las últimas son más propias para los adeptos de aquella música de carácter más orgánico. Igualmente, The Dining Rooms tuvo siempre la costumbre de, una vez publicado un álbum suyo, lanzar otro con remixes del anterior; a partir de su tercer trabajo, Tre (2003), los italianos vienen haciendo este mismo procedimiento, lanzando junto a cada larga duración su correspondiente compendio con reinterpretaciones por otros artistas.
Other Ink es entonces, el compilado perteneciente al quinto y hasta ahora último álbum de The Dining Rooms, un disco llamado Ink, el cual fue puesto en circulación el año pasado. Por tercera vez los italianos nos brindan esta propuesta, una suerte de compensación para los eclécticos, ya que, en este disco, así como también en los dos anteriores compendios de la misma índole, nos topamos con música trip hop, downtempo, nu jazz y hasta house. Versiones de la mano de eminentes artistas como The Cinematic Orchestra, The Juju Orchestra, The Invisible Session y Christian Prommer, más una nueva interpretación, una en vivo y una pieza inédita, las tres por el propio dúo, son dispuestas por el sello italiano Schema Records en este sugerente Other Ink. Momentos oscuros y otros más que agradables, se suceden con el andar del disco, persuadiendo todo el tiempo de que no estamos dando oídos a un compilado más; una perfecta revisión de Ink, que incluso y sin querer afrentar a nadie, se puede situar por encima de éste.

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Verve Remixed - Christmas

Me adelanto a las festividades de fin de año asumiendo el papel, únicamente en esta ocasión, de Santa Claus; cosa que hago, para así poder entregarles, tanto a los que se hayan portado bien como mal, esta espectacular edición especial de la saga Verve Remixed. Sólo deben suponer que La Suite es un perfecto y gran árbol navideño, acostumbrado a regalar incluso fuera de “temporada”, y servirse ustedes mismos del obsequio de turno.
Valiéndose de la serie Verve Remixed, una de las más exitosas de los últimos tiempos, la firma norteamericana The Verve Music Group ha decido festejar las navidades de manera más que exclusiva. Y para esto, confió a diferentes artistas como The Orb, Christian Prommer, Wax Tailor o Brazilian Girls, entre otros, la para nada desdeñable tarea de remixar algunos de los clásicos navideños más representativos de todos los tiempos. Canciones como What Are You Doing New Years Eve? de Ella Fitzgerald, Silent Night de Dinah Washington o Zat You, Santa Claus? y What A Wonderful World de Louis Armstrong, junto a otras no menos evocadoras, son versionadas en clave electrónica de manera excelente para esta entrega tan especial. Bajo el mismo tópico, la música negra de antaño aparece rejuvenecida, tornándose realmente vívida, compendiada en un único y maravilloso álbum.
No olviden entonces, brindar en estas fiestas con Verve Remixed-Christmas sonando de fondo, pues así procederá todo creyente fiel y leal de la música electrónica...

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