jueves, 30 de abril de 2009

Intima - Revolver Club (Promo - 1 track)


Tiempo atrás los chicos de Intima lograron despertar nuestra adormilada atención de cara a la escena electrónica nacional con la buena nueva encarnada en la inminente llegada de su nuevo álbum, y de ahí a esta parte, sin compasión, nos han mantenido irremisiblemente a la expectativa. Sin embargo, como viejos conocidos que somos, la agrupación nacional integrada por Sebastián Cohn, Carlos Solá y Salvador Reynoso, recientemente tuvo a bien facilitarnos un track masterizado del todavía no estrenado Revolver Club, a modo de adelanto exclusivo tanto para nosotros, como así también para todos ustedes. Si bien estamos ante una sola pieza, debo agregar que se trata, nada más ni nada menos, de la que da nombre al cuarto trabajo de Intima, en el cual aparece como novena pista entre las doce que lo forman...
Rayando los siete minutos, el track homónimo del álbum nos insinúa una incuestionable apertura estilística, sin que por esto nos podamos figurar que el álbum no se corresponde con la impronta propia de Intima, o se pueda llegar a alejar de la identidad que ésta se ha forjado. Estamos hablando de un excelente tema de neto corte house que cuenta con los vocales improvisados de Ignacio De Lamadrid, un cantante retirado que en los ochenta formaba parte de la banda Desechos Humanos. Incluso, a mi colega de equipo Gerardo López, el track lo supo remitir a ciertas producciones de X-press 2, de modo que ya nos vamos haciendo una idea de lo bien que pinta esto… Salvador, por su parte, refiere que el disco es un crossover de estilos, siendo que para su elaboración han dado en combinar elementos de diferentes géneros, entre los que se cuentan el house, el electro y por supuesto, el big beat que ha impregnado toda su obra. De este modo, el álbum reúne piezas que en algunos casos pueden llegar al 4x4, y en otros, exhibirse con bases breaks, marca tan distintiva de estos artistas.
Pero el cambio no sólo se limita a la extensión en el plano estilístico, sino que desde el vamos estos chicos han encarado toda la cuestión desde otra óptica. Teniendo en cuenta que antes se basaban en samples que luego reforzaban con una puesta en escena del todo orgánica, en Revolver Club, llevados de sus ansias de experimentación, han irrumpido en los propios hogares de artistas nacionales tales como Miguel Silver (Spitfire), Diego Baus (Pánico Ramírez), Christian Aldana (El Otro Yo), Richard Coleman (Los 7 Delfines), Daniel Melero o el mencionado Ignacio De Lamadrid, entre otros, en compañía de un micrófono y una notebook, a fin de que cada artista improvise una canción inspirada en un sonido cualquiera. Es de entender que cada uno de los visitados poco entendía de la cuestión, de modo que al punto empezaba a renegar diciendo cosas por el estilo de… “¡pero si no hay música…, ni tampoco letra!”... El caso es que, una vez grabadas todas las canciones en off, los integrantes de Intima encontraron sugestión en ellas, y así, de manera elocuente, confeccionaron su Revolver Club, un álbum que de fijo no sólo conservará fieles a todos sus incondicionales, sino que hasta puede que logre ganar simpatía dentro de un nuevo público...
A partir de la semana que viene se irán revelando, poco a poco, los demás tracks del nuevo álbum a través de www.intimanet.com.ar, la web de Intima. De momento, se tendrán que contentar con el tema que les facilito, el cual, si bien colmará las expectativas de muchos, sin dudas también los dejará con ganas de más. En cualquier caso, servirá para salvar el tiempo hasta la liberación de Revolver Club, que si bien ésta será en 15 días, su presentación oficial, en cambio, tiene fecha para el 18 de junio próximo, y se llevará a cabo en Niceto Club a las 20:30 hs. Por lo demás, les voy adelantando que el disco ya está encontrando su buena y merecida repercusión: entre la crítica especializada ya se habla sobre Revolver Club como uno de los discos de música electrónica nacional más interesantes de este 2009, mientras que respecto a él Daniel Melero dijo… “la mente es un lugar aburrido, esta es la tranquilidad del caos”.

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Fredrik - Na Na Ni


Fue en Malmö, Suecia, que corriendo el año 2006 se formó la banda Fredrik, mediante la unión de Fredrik (voz y guitarra acústica), Fredrik (voz y guitarra eléctrica), Anja (violonchelo), Jerker (bajo), Mikael (batería) y Lindefelt (voz, banjo, acordeón y efectos audiovisuales). Debido a que entre los miembros se cuentan dos de igual nombre, asumimos que han tomado a éste como distintivo propio por esa sencilla razón, tanto más cuanto que uno de los dos, Fredrik Hultin, es el vocalista principal, además líder de la agrupación. Puesto que sólo conozco los nombres de pila de la mayoría de los integrantes, a este respecto no he podido recabar más información relevante, pero bien que puedo referirles algo relacionado a su discografía y a su música.
El álbum debut de Fredrik, Na Na Ni, se publicó, con previa liberación de algunas reseñas menores, a principios del año pasado por cortesía de Jezebel Recordings, una pequeña firma sueca. Sin embargo, si bien el sello no tenía demasiado alcance, la música de estos artistas fue ganando terreno lentamente, y al tiempo que se sucedían los meses, Na Na Ni iba conquistando nuevos dominios; primero fue Europa, y no a mucho Estados Unidos… Habida cuenta de lo expresado, ya era tiempo de que incluso nosotros nos enteremos, y mientras esperamos que se terminen de publicar unos EPS que en este momento se están liberando también por cuenta de Jezebel Recordings, les traigo la obra prima de Fredrik.
Cuando se habla de buena música, es bien claro que el tiempo no es una variable que pueda ir en detrimento; de cualquier modo, en este caso es sólo un año... Na Na Ni es desde todo punto una obra sin desperdicios; un trabajo a todas luces gratificante y enriquecedor. El cabo del asunto estriba en que el virtuosismo de la agrupación es inequívoco, pues buena maña se da conjugando lo mejor de los templados paisajes suecos, con aquellos que se corresponden a las frías tierras islandesas; movidos por la psicodelia, la alegría o la nostalgia, lo mismo rinde su capacidad... Apenas empezar su andar el disco, nos topamos con unas primeras pistas que, sin lugar a discusión, bien podrían haber sido firmadas por Sigur Rós, que de fijo nadie se enteraba; a poco tardar aparecen otras que, en plan experimental o psicodélico, nos remiten a diferentes artistas que aún siendo dispares entre sí, no dejan de ser aquellos que sin mácula constituyen la mismísima pasión nórdica. Piezas post-rock, folk, indie pop y experimentales en las que predomina el toque orgánico, se aglutinan en un mismo álbum, bajo la para nada desapasionada traza que sólo Fredrik puede delinear; un álbum que de seguro logrará sumergirnos en la mismísima trama de un cuento de hadas ensoñador...
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lunes, 27 de abril de 2009

Ólafur Arnalds - Found Songs


Como si la fecundidad islandesa fuese en verdad infinita, no es mucho lo que espera esta tierra para concebir nuevos talentos, y éstos, por su parte, movidos por sus ansias de retribución, al punto encuentran el modo de manifestarse, a fin de exaltar así las bondades de su país. Entre las innumerables revelaciones a cargo de Islandia, hoy tocó el turno de hablar de Ólafur Arnalds, un artista que se dio a conocer mundialmente en el año 2007 con su ópera prima titulada Eulogy For Evolution, un modelo ejemplar de lo que podríamos definir como modern classical nórdico... Ahora bien…, aunque su fachada de visos clásicos es la que lo llevó a presentarse como un artista de lo más fino y sensible, como contrapartida Ólafur ostenta una cara más, la cual bien podríamos ubicar en el extremo opuesto de su talante principal. Y es que, si bien podrá sonar a cuento, este hombre también es baterista de la agrupación Fighting Shit, la cual suele recorrer los dominios del heavy metal más hardcore. Sin embargo, Ólafur no cree que el antagonismo sea tan patente, pues, como el mismo dijo en una ocasión, “algunos sentimientos deben ser exteriorizados en forma agresiva, mientras que otros, deben serlo de manera melancólica”. El quid de la cuestión radica en que tanto clásica como hardcore, sigue siendo música, si bien, sin atender los posibles arranques metaleros de este artista, conviene decir que de cara a la música mejor se le da la sensibilidad, pues llevado de ésta fue como logró darse a conocer más allá de las demarcaciones de su país.
Con ganas de que conozcan a Ólafur Arnalds, he decido traerles su reseña más reciente, a la cual, más allá de su calidad exquisita, decidí favorecer por la curiosa forma en que se originó. Acaso en miras de probarse a sí mismo, o simplemente con la ambición de hacer público su talento al punto de que toda duda se disipe en la nada, lo cierto es que Found Songs es producto de una suerte de ensayo que el artista llevó a cabo durante los siete días que fueron desde el trece al diecinueve de este mes. La cuestión consistió en que antes de que el reloj marcara las 00:00 hs que de ordinario cierran cada jornada, el artista debía colgar un tema en el sitio http://foundsongs.erasedtapes.com; incluso, en el transcurso de esta maratón, Ólafur dio total libertad al público, a modo de, si es que alguno de sus fragmentos no se acababa en el tiempo estipulado, la gente bien podía enviarle un correo echándole en cara su fanfarria, o simplemente mandarlo de paseo con sus cuentos a otra parte... Sin embargo, nadie pudo permitirse semejantes gustos, pues tal y como había dicho el artista, cada pieza apareció con suma puntualidad, y este diecinueve de abril pasado ya estuvo todo terminado y Ólafur se salió con la suya. En honor a la verdad, debo confesar que aquella semana me la pasé a la expectativa, como un rapaz al acecho, a la espera de que la escalada exhibicionista de este señorito se viera frustrada de un momento a otro, pero el caso es que no pude hacer más que observar cómo se sucedían los fragmentos puntualmente, con la añadidura de que cada nueva pieza iba simbolizando la superación misma de su hacedor, al tiempo que a mí me hundían cada vez más en la abyección... Por esta misma razón, siendo que de momento los siete temas sólo se pueden conseguir en la web que mencioné más arriba, donde se los puede descargar uno por uno de forma totalmente gratuita, me tomé la libertad de adjuntarlos en un solo archivo, a manera de saldar mi falta y ahorrarles todo el trabajo a ustedes. Posteriormente se editará un vinilo con los siete temas, el cual incluso podrá contar con artísticas nuestras, ya que, el propio Ólafur dejó abierta la posibilidad de que, si es que algún tema logra inspirarnos un dibujo, una fotografía o una pintura, el material le sea enviado, que más tarde él mismo seleccionará algunos de los bocetos a fin de hacerlos parte de la artística del vinilo.

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sábado, 25 de abril de 2009

Patrick Wolf - The Bachelor


Dado que desde su infancia recibía clases de violín y tomaba parte en el coro de una iglesia, se podría decir que este artista londinense se devino a partir de una alineación estrictamente clásica. Iniciándose así, Patrick Wolf no tardó en adquirir la pericia necesaria para desplegarse admirablemente con diversos instrumentos, de forma que, en su adolescencia misma, empezó a desenvolverse junto a diferentes agrupaciones. A los 16 años, justo al tiempo que comenzaba a escribir sus propias canciones, decidió abandonar la casa paterna con ánimos de lanzarse en pos de encarar una vida de libertinaje, viviendo al día en cualquier rincón de Londres. Salvando las circunstancias que lo llevaron a tomar tal decisión, fue Kristian Robinson quien por aquellos tiempos lo descubrió tocando en un recital, y poco más tarde resolvió producir su álbum debut, Lycanthropy, el cual se liberó en el año 2003.
Dos años después del debut llegó su segundo trabajo, Wind in the Wires, y a poco el tercero, The Magic Position, el cual se publicó en el año 2007. Luego de su tercer disco, Patrick anunció que abandonaba el mundo de la música porque ya estaba que no cabía en su hartazgo por la presión, las drogas y el Diablo sabrá qué más… Desde el vamos sonó bastante teatral su comportamiento, tanto más cuanto que él no era un artista comercial que pudiera tener que hacer frente a semejantes conflictos, o franquear ataques de histeria debido a la presión. Siendo así, no fue demasiado lo que tardó en desandar lo andado volviendo sobre sus propias palabras, alegando que desde todo punto había sido malentendido, y que sólo se trataba de un pequeño retiro espiritual, el cual lo ayudaría a volver con nuevos bríos…, o algo por el estilo.
En principio, la nueva entrega iba a ser un álbum doble titulado Battle, pero finalmente el artista decidió partirlo en dos y lanzar una parte este 31 de mayo, y la otra el año próximo. Si bien Patrick publicó sus anteriores trabajos de manera tradicional, por cuenta de diversos sellos, para la producción y difusión de The Bachelor, ha optado por una actitud más acorde a los tiempos que corren… Al igual que lo hiciera Radiohead con su disco In Rainwobs, Patrick se inclinó por ir un poco más lejos, solicitando a sus mismísimos seguidores que produzcan su disco donando dinero por medio de la web Bandstocks.com, bajo juramento de que cada uno de los donantes posteriormente recibiría una copia del disco. De este modo, el artista pudo llevar a cabo la producción y distribución de su nuevo trabajo, el cual, vendría a convertirse en el primer segmento de sus impresiones sobre el amor y otros infortunios propios de la raza humana, ya que, de manera conceptual, ha decidido ahondar sobre las referidas desdichas. Para esto, más allá de lo que pueda indicar la carátula tan espantosa, ha mudado su aspecto de tal forma que hasta parece rozar lo dark-gótico, cosa que incluso trasladó a su música, la cual, si bien se presenta más oscura que de ordinario, en este caso recorre una gama estilística más amplia. Entre los catorce temas de The Bachelor, podemos encontrar piezas electro-pop, indie rock, folk rock y más, siempre cubiertas de un inequívoco aire celta, que logra manifestarse a través de los arreglos orquestales, principalmente por medio de los violines. Cabe decir además, que si bien sigue siendo Patrick Wolf, esta vez, seguramente debido a que el álbum fue financiado por sus simpatizantes, el inglés no pudo avanzar en su experimentación sonora, sino que, en miras de gustar a todos sus fieles e incluso ganar un nuevo público, prefirió tornar su música ciertamente más accesible... Es de entender que haciendo así, el inglés ha intentado complacer a la mayor cantidad de fans posibles, y hasta puede que lo haya conseguido…
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viernes, 24 de abril de 2009

The Young Lovers - The Young Lovers


The Young Lovers no es más que una de las cuantiosas caras del inglés Joshua Harvey, quien desde la apertura del siglo XXI viene manifestándose bajo su propio nombre o diversos seudónimos como The Things, Tomorrow People, Voodoo Chilli, Count Of Monte Cristal, Action Man y Hervé. Contando apenas con 29 años, este multifacético artista se acredita, al día de hoy, un cúmulo de reseñas, las cuales, de forma más que grandilocuente, han sabido recorrer todas las ramificaciones de la música electrónica. Sin embargo, por cuenta de su proyecto The Young Lovers, ha decidido abandonarse por completo a la contemplación, confeccionando música enteramente inspirada en la estética del amor.
Desde hará cosa de unos tres años que Joshua viene cargando a sus espaldas con su emprendimiento The Young Lovers, pero sólo había liberado alguna que otra reseña menor, y no fue sino hasta este 2009 que se despachó con su primer álbum en largo, al cual decidió bautizar homónimamente de manera más que acertada, pues se trata del muestrario de un sonido que sólo puede ser de nadie más que de The Young Lovers. Sirviéndose de samples de swing, jazz, blues y latin, Joshua ha elaborado doce pistas espléndidas, que rebozan calidez y romanticismo; ya cristianizándose en plausibles piezas de jazz-house por el estilo de las de Saint Germain, ya convirtiéndose en categóricos fragmentos de nu-jazz, downtempo o trip hop afines a los de Minus 8 o Kid Loco, la cuestión estriba en que su música debe ser desde el vamos apasionada, propia para ser oída por jóvenes parejas de amantes. Y es que si bien el disco vaga a través de diferentes estilos, no deja de ser un todo en sí, pues he aquí que, todas y cada una de las pistas, tienen como común denominador el frenesí pasional, y, por consiguiente, la intensa sensualidad. Tengo para mí que este álbum no despertará simpatía sólo en parejas, sino que será objeto de delectación para todo el que haya aprendido a disfrutar de las producciones electrónicas de visos jazzeros más excelsas…
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Pupkulies & Rebecca - Burning Boats


Pupkulies & Rebecca es un dúo alemán integrado por Janosch Blaul y Rebecca Hannah Gropp; el primero de los integrantes, llegado a la producción desde la escena hip hop, en tanto que la segunda, venida de una formación jazzística, también había sido algo curtida en el circuito hip hop. Por su parte, Janosch Blaul abordó formalmente la música recién en el año 2002, cuando comenzó a trabajar como mitad de la dupla Strassmann, la cual se completaba con Aljoscha Schohe. El sonido de estos dos hombres, si bien de trazas minimalistas y ambientales, era estrictamente electrónico, por lo que no le costó demasiado encontrar casa, y ésta fue la firma alemana Normoton... Con todo, luego de que Strassmann liberara unas cuantas reseñas, fue en el 2005 que entró en escena Rebecca, quien trabó relación con Janosch, y juntos los dos, no a mucho decidieron principiar su propio emprendimiento.
En vistas de la buena relación que existía entre Normoton y los miembros de Strassmann, el vínculo no se quebró, puesto que la firma decidió apadrinar al naciente proyecto Pupkulies & Rebecca, y desde sus principios a la actualidad, ha editado todos sus trabajos: The Way We (2006), Beyond The Cage (2007) y el tercer álbum de estudio de estos alemanes, el reciente Burning Boats. Musicalmente hablando, su álbum debut había sido fuertemente influenciado por el legado de Strassmann, el cual aparecía manifiesto en Janosch, y éste, por fuerza, arrastraba tras de sí a su compañera; no obstante, salvado su primer trabajo, el dúo se consolidó como tal, y poco a poco fue delineando un sonido más personal.
Mientras que Janosch va con las programaciones electrónicas, Rebecca se encarga tanto de los vocales como así también de la guitarra y el bajo, de modo que, sin haber demasiados secretos, se podría decir que el sonido de este proyecto procede de una fusión de bases minimalistas de house, guitarras acústicas de ciertos aires folk, oscilantes líneas de bajo y los vocales poperos de Rebecca, quien canta en inglés lo mismo que en francés y alemán. La sencillez no es mayor impedimento para que Pupkulies & Rebecca vuelva su sonido un tanto más complejo, llevándonos así a través de un recorrido que en su itinerario tiene franquear pistas minimal house, downtempo o simplemente chill out, las cuales encuentran su punto medio en los vocales de Rebecca, y es que ésta, llevada de su calidez y delicadeza, logra conferirles el toque pop, definiendo de tal forma toda la cuestión. Siendo así, Burning Boats se deriva de todo el referido procedimiento, y recorriendo sus doce canciones, llega a ser, con toda probabilidad, el mejor trabajo de Pupkulies & Rebecca a la fecha.
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jueves, 23 de abril de 2009

Nuspirit Helsinki - Our Favorite Things


Cuando el año pasado iniciamos la cuestión de este blog, durante el transcurso de los primeros meses me tomé la libertad de colgar el álbum homónimo de Nuspirit Helsinki, ya que, si bien el disco se remontaba al año 2002 y era el único álbum en largo de estos artistas, lo consideraba y aún lo considero un gran referente del nu-jazz. Si es que no saben de qué estoy hablando, Nuspirit Helsinki es una agrupación finlandesa, disuelta ya hace un par de años…, o al menos tal creía yo... La cosa es que, mientras yo había enterrado en el olvido a estos artistas, recientemente acabo de darme de cara con esta reseña: Nuspirit Helsinki-Our Favorite Things. Sí, y aunque date de finales del año pasado, el caso es que recién la descubrí, y me dio bastante que pensar…
Sólo estamos ante un disco compilado por Nuspirit Helsinki, lo que nos lleva a pensar que detrás de todo esto debe haber al menos uno de los miembros del sospechosamente desintegrado conjunto, ¿no es así? Tal parece que Tuomas Kallio, quien había sido uno de los fundadores de la agrupación, es el hombre que buscamos… Sí, el año pasado el finlandés fue convocado por la firma yanqui ObliqSound, la cual lo invitó a inaugurar una serie de compilaciones que el sello iba a despachar vía Backdrop, uno de sus sellos subordinados. De esta manera, bajo la premisa que sugería que el artista debía desempeñarse encontrando inspiración en grandes series como Late Night Tales y Back To Mine, Tuomas fue quien principió Our Favorite Things.
La primera entrega de Our Favorite Things es refinada en grado sumo, pues en ella priman la sutileza y la calidez... Tomando un buen puñado de artistas cuyos sonidos encarnan el espíritu escandinavo, tales como Aisha Duo, Trentemøller, Korpi Ensemble, CocoRosie, Detektivbyrån, Flügelschlag! y demás, Tuomas consiguió exteriorizar estupendamente “sus cosas favoritas”. Por medio de diez temas afinadamente seleccionados, la primera entrega nos logra llevar de recorrida por los más excelsos panoramas escandinavos; salvando suaves tramos folk, delicados intervalos electrónicos y algún que otro trecho cargado de jazz, la travesía dirigida por Tuomas Kallio se nos hace como de novela… Y presten especial atención al track de Korpi Ensemble, A Moment of Love, ya que éste se encuentra reinterpretado por el propio Kallio, lo que nos mueve a pensar… ¿acaso se volverá a ensamblar Nuspirit Helsinki, ó, cuanto menos, será posible que vuelva a la actividad aunque sólo sea por voluntad de Tuomas Kallio?
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martes, 21 de abril de 2009

Mouthful Of Bees - Mouthful Of Bees


Mouthful Of Bees es una banda indie norteamericana, la cual comenzó a dar sus primeros pasos en el año 2005. Según refiere el sello que decidió apadrinarlos, Afternoon Records, la agrupación se formó a partir de la iniciativa de los hermanos Chris y Katelyn Farstad, pues éstos, hastiados de mirar desde afuera la escena indie de Minneapolis, resolvieron requerir la asistencia de sus amigos, Micky Alfano y Mark Ritsema, en miras de constituir su propia agrupación. De este modo dieron apertura a su despliegue, iniciando una suerte de revolución que en poco tiempo los llevó a ganarse primero su ciudad, Minneapolis, pronto al estado de Minnesota y, por último, su país entero. Las primeras producciones de Mouthful Of Bees no tardaron en remontar posiciones en diversos charts de importantes emisoras yanquis, de modo que también, a poco tardar la agrupación empezó a recibir premios de toda índole. La coronación de la banda llegó en el 2007, por mano de su álbum debut, The end, y éste le valió no sólo la aceptación, sino que le dispuso un merecido lugar entre las mejores y más respetadas agrupaciones indies de Estados Unidos.
Un año después de su debut, se echaron a trabajar en su segundo álbum, el homónimo de la agrupación. Para esto, llevados de sus irrefrenables ánimos de superación, los cuatro integrantes decidieron solicitar la colaboración de Patrick Swanson y Simon Larson, y en compañía de éstos hilvanaron su segundo trabajo. Si bien la nueva entrega sigue un camino similar al tomado por The end, a fin de superar a éste, se ha desviado un tanto, lanzándose por derroteros más enmarañados; pero en cualquier caso, por los pasajes más intrincados, se llega a los parajes más agraciados. El homónimo es un álbum mucho más atractivo que su antecesor, y es que cuenta de un sonido considerablemente más trabajado, el cual constituye la evolución misma de Mouthful Of Bees. Y es que por fuerza tuvo que ser así, tanto más cuanto que en el transcurso de la grabación, los integrantes, de puro descuido, borraron todo lo que llevaban de recording, de suerte que tuvieron que empezar de nuevo, y esto, sin dudas, los llevó a perfeccionar la ejecución de cada pieza. La distinción se ve señalada en el preciosismo de los arreglos orquestales, los cuales logran domeñar a la suave voz de Chris, a las perfectas percusiones por cuenta de Katelyn e incluso, a las tiernas melodías germinadas por las guitarras... Es de creer que este nuevo disco llevará a los de Minneapolis a un nuevo plano, uno en el que recibirán el reconocimiento merecido; y, por otra parte, de sólo escuchar el disco, nosotros ya podríamos ir, de antemano, tirándoles las flores correspondientes…
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jueves, 16 de abril de 2009

Helios - Unreleased Vol. 1


Helios es el seudónimo de Keith Kenniff, un artista estadounidense de quien no he podido encontrar ningún tipo de información a lo largo y ancho de toda la red. Sin embargo, puedo decirles que viene produciendo desde hará cosa de cinco años, y entre sus álbumes se cuentan Unomia (2004), Eingya (2006), Ayres (2007), Caesura (2008) y el recientemente aparecido Unreleased Vol. 1, un compendio de temas inéditos, que si no me equivoco, el propio artista ha publicado a través de su myspace.
Aunque la verdad es que no he escuchado los trabajos anteriores de este hombre, también es cierto que dando oídos a Unreleased Vol. 1 podemos formarnos una idea certera acerca de lo que ha estado haciendo estos últimos años. El compilado nos habla bien en claro de quién es su autor, pues una obra no necesita una rúbrica grandilocuente para que los demás sepan de quién viene, sino que el nombre del hacedor aparece implícito en el sistema que la originó; y en el caso del tal Helios, de sólo escuchar su música podríamos decir muchas cosas buenas acerca de él. Unreleased Vol. 1 exhibe un delicado sonido ambient, que avanza lentamente al compás de estructuradas bases trip hop que por momentos parecen diluirse absorbidas por vívidos ambientes etéreos; entre los espesos colchones ambientales se logran entrever unas melodías que, llegadas de diversos teclados o guitarras, son de una ingenuidad rayana en la simplicidad, y asimismo logran encontrar su lugar constituyendo espesos climas cargados de profundo misticismo e intensa sensibilidad. Con lapsos interminables de nostalgia arrebatadora, las diez pistas se nos vuelven casi eternas, y si bien en un momento incierto se da por terminado el disco, los ecos emotivos y desconcertantes aún perduran estremeciendo nuestros sentidos, como si en verdad las cadencias de este artista hubiesen arraigado en lo más intrínseco de nuestro ser…
Si gustan de la música de Boards of Canada y, al igual que yo, nunca habían escuchado a este artista, les recomiendo que no tarden en hacerlo.
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Baikonour - Your Ear Knows Future


Jean-Emmanuel Krieger es un artista francés, que comenzó a producir como solista luego de que en el año 2001 se mudara a Brighton, Inglaterra. Para su despliegue artístico tomó su alias de una vieja base de operaciones soviética, la cual se llamaba, justamente, Baikonour. En el 2005, después de unos cuantos EPS, liberó su álbum primero, For The Lonely Hearts Of The Cosmos, el cual obtuvo una muy buena aceptación de parte de la crítica y la gente. Recientemente acaba de poner en circulación su segundo álbum en largo, Your Ear Knows Future.
Siendo que sus gustos abarcan la música electrónica, jazz, kosmische, jamaiquina e india, y entre sus referentes se cuentan numerosos y heterogéneos artistas como Cocteau twins, My Bloody Valentine, Sonic Youth, Manuel Gottsching, Brian Eno, Neil Young, Cluster and Deuter, Boards of Canada, Mouse on Mars o Amon Tobin, por nombrar sólo unos pocos, se nos hace desde todo punto cuesta arriba precisar de manera puntual su sonido. En cualquier caso, teniendo en cuenta que el propio artista se encarga de todo, lo mismo que un autómata, tocando principalmente viejos instrumentos que luego edita en su Mac utilizando filtros y compresores digitales que emulan los sonidos de los setenta y ochenta, acaso se podría decir que se trata de rock electrónico, pero ciertamente un rock retro-vanguardista.
Puesto que nuestro hombre visita con asiduidad Nepal, e incluso se ha preocupado por recaudar fondos para los refugiados tibetanos, ha tomado nombres y frases en nepalés para bautizar cada una de las nueve canciones que conforman su nuevo álbum. Perpetuando la línea trazada en su debut, ha decidido, una vez más, presentarse con una propuesta estrictamente instrumental, no muy reveladora pero no por esto menos interesante... Si bien Baikonour se suele encargar de todo, para la confección de Your Ear Knows Future han colaborado Etienne Rodes, tocando la guitarra, y Lee Adams, haciendo lo suyo a la batería; ambos artistas, integrantes del cuarteto Imitation Electric Piano. Amalgamando con suma perfección la eficacia de las percusiones, la belleza de las guitarras y la notable improvisación en los sintetizadores, Baikonour ha logrado una indecible profundidad atmosférica y estética; si ponemos cuidado en el sobresaliente juego de guitarras, nos logra remitir a los fascinantes ochenta de Cocteau twins y My Bloody Valentine, mientras que si reparamos en los ambientes generados por toda la conjunción que lleva a cabo este hombre, viajamos derechito a los más selectos setenta de Vangelis, Popol Vuh y Harold Budd. Your Ear Knows Future es, como ya se ha dicho numerosas veces, una selecta colección de canciones atemporales, pues, sea como fuere, ellas tienen la capacidad de evocar tiempos pasados, repasar los presentes o delinear los venideros…
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Yppah - Gumball Machine Weekend EP


Yappah (happy al revés) es el distintivo artístico de José Corrales Jr., un hombre cuyas raíces culturales se hallan en algún punto a medio camino entre Méjico y Estados Unidos. En el año 2006, luego de haberse desplegado como dj durante un buen tiempo, firmó contrato con el sello inglés Ninja Tune, y por medio de éste lanzó su álbum debut, You Are Beautiful At all Times. A partir de aquél momento a esta parte, José se ha mantenido fiel al sello inglés, trabajando de manera incansable despachándose regularmente con nuevas reseñas. Actualmente, mientras finiquita su segunto larga duración, They Know What Ghost Know, a modo de introducción de éste acaba de liberar un EP, el cual se titula Gumball Machine Weekend.
Amén de que estamos ante un artista electrónico que anteriormente hizo las veces de dj, originalmente se inició en la escena rock, en la cual durante su juventud supo tocar el bajo y la guitarra en diferentes bandas, así que podemos ir haciéndonos una idea acerca de su talante... Sirviéndose de guitarras de aires shoegaze, mucha electrónica, sintetizadores y percusiones breakbeat ejecutadas en vivo, siempre sumando a su música elementos del soul psicodélico y el rock, Yappah ha dado a luz a toda su discografía, y el nuevo EP no es la excepción... Gumball Machine Weekend es un pequeño viaje a través de cinco pistas pletóricas de colorido, amasadas a fuerza de experimentación y ardor desmedidos; pueden sonar tan animosas y psicodélicas como suaves y nostálgicas, y puesto que recorren diferentes registros, manteniendo siempre su propia impronta, son capaces de encontrar simpatía en un público diverso. Una reseña menor, sí, pero propia para adentrase en los terrenos trazados por este artista, para así poder recibir su próximo They Know What Ghost Know con la mejor de las predisposiciones...
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Mountains - Choral


Recientemente posteada, no fue mucho lo que tardó en esfumarse esta entrada; de modo que vuelvo a repetirla, y espero que esta vez, dure algo más de tiempo...
Mountains es el distintivo que han elegido los estadounidenses Brendon Anderegg y Koen Holtkamp, quienes se acoplaron corriendo la década de los noventa, llevados de sus recíprocos gustos artísticos y musicales… Si bien eran amigos desde la escuela, no fue sino hasta que alcanzaron su madurez espiritual que decidieron unirse, cosa que, debido a su poca experiencia en los terrenos de la música, los llevó a cursar diversos estudios en la School of the Art Institute of Chicago. Ya en 1999 ambos habían inaugurado su propio sello, Apestaartje, el cual comenzó a editar artistas recién en el 2002; tres años más tarde, exactamente en el 2005, dio a luz al debut homónimo de Mountains.
En el 2006 llegó el segundo trabajo del dúo, Sewn, y recientemente acaba de publicarse su tercer álbum de estudio, Choral. La nueva entrega es, a todas luces, la superación de Mountains, pues si bien sigue la línea esbozada por sus antecesores, va por encima de éstos, alcanzando magnitudes insospechadas por sus hacedores. Una vez más, combinando la música pastoral con la electrónica, esta vez han contado con el soporte de una orquesta, y han ejecutado cada nueva pieza numerosas veces, para finalmente elegir la mejor grabación. Sin que ninguna baje de los ocho minutos, salvando el magno cierre, Mountains ha superpuesto una y otra vez cada pieza por sobre sí misma, logrando así el efecto coral al que alude el título del álbum; consiguiendo climas enormemente letárgicos y arrebatadores, las seis pistas se presentan cargadas de religiosidad y embriaguez, recordando trabajos de Brian Eno y otros iniciadores de lo que hoy se conoce como ambient. Choral es tan sedante como adictivo, pues cuanto más lo escuchamos, tanto más estimulados volvemos a él una y otra vez…
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lunes, 13 de abril de 2009

All in! - 10 Years of Poker Flat


Luego de que en 1994 se reasentara en Hamburgo en miras de continuar su habitual desenvolvimiento como dj, el alemán Stefan Brügesch, ya en aquél entonces conocido como Steve Bug, se lanzó a producir con la seguidilla de 12" Phax featuring Steve Bug, Bugwahn y Mein Bug, Dein Bug, los cuales fueron editados por Superstition. Un año después, embriagado por el propicio panorama electrónico de su país, Bug decidió abrir las puertas de su propio sello, Raw Elements, mediante el cual editó unas cuantas reseñas incluyendo su álbum debut, Volksworld. La vida de su firma duró hasta 1999, pues en dicho año resolvió, con el apoyo de Vincenzo, reemplazarla por Poker Flat Recordings.
Desde sus albores al día de hoy, el sello de Bug ha crecido desmesuradamente, pues en la actualidad se adjudica unos cuantos labels subordinados, los cuales son Audiomatique Recordings, Dessous Recordings, B Series, Poker Flat Digital y Traffic Signs. El inmenso e imponente colectivo artístico del que cuenta es de un nivel tan elevado, que no menos que privilegiado es el que pertenece a tales filas, y es que en ellas residen David Durango, Guido Schneider, Jeff Samuel, Vincenzo, Martin Landsky, Detroit Grand Pubahs, Märtini Brös, el propio Steve Bug y un cúmulo de talentosos artífices más. Es de entender que Poker Flat es, hoy por hoy, uno de los sellos dedicados al house vanguardista que mayor magnitud ha conseguido, y no sin realmente merecerlo...
Tal y como todo parece indicar, el mes pasado Poker Flat cumplió sus primeros diez años, y a tamaño acontecimiento resolvió celebrarlo con un box-set de alto vuelo... Aunque su presentación simple cuenta con dos cds, la que yo les traigo es una edición especial, que, a diferencia de la que circula por la red, ésta posee un tercer disco. El cd 1 nos invita a conocer tanto las nuevas producciones de los artistas más distintivos de la casa, como así también las nuevas incorporaciones de cara al futuro, esto es, los fichajes más recientes de Poker; el segundo de los discos, pretende complacernos con las pistas del sello que más suenan por estos días, y el cd bonus, que está compilado por el propio Steve Bug, nos retrotrae al pasado, llevándonos de recorrido espirituoso con los temas preferidos del director del sello. De esta manera entonces…, el sello alemán ha decidido festejar su primera década en activo, con este All in!-10 Years of Poker Flat, un compilado que en verdad le hace justicia…
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sábado, 11 de abril de 2009

Montag - Hibernation


Montag es el seudónimo artístico del canadiense Antoine Bédard, quien se reveló con su EP Are You A Friend?, corriendo el año 2002... Entre reseñas de poca tirada, no fue sino hasta el 2004 que llegó su primer álbum en largo, Alone, Not Alone, el cual le proporcionó un merecido ascenso en el circuito indie, pues se editó en toda América del norte vía Carpark Records, y, por cuenta del sello Gooom, se extendió a toda Francia. Un año más tarde se publicó, de forma limitada y sólo en Japón, el álbum Goodbye Fear, producto de una gira que Montag llevó a cabo junto a las chicas de Au Revoir Simone. Posteriormente, en el 2007, divulgó su segundo larga duración, Going Places, y entre alguna que otra reseña menor, recientemente acaba de liberar, de manera totalmente independiente, el mini-álbum que les presento: Hibernation.
Aunque Antoine ha mantenido buenas relaciones con diversos sellos y aún lo hace, su decisión de publicar Hibernation por sus propios medios se debe a que encontró su sonido demasiado personal, de modo que resolvió, en miras de hacerlo más especial y conferirle mayor intimismo, liberarlo en febrero pasado, de propia mano y sólo hasta las 150 copias. Tal y como sugiere el título, Hibernation fue elaborado a partir de la inspiración urdida por el propio invierno, no sin ánimos de tornarlo más tolerable; con siete pistas entretejidas de colchones ambientales ensoñadores, suaves estructuras electrónicas y líricas melodías, el artista ha logrado no sólo construir un notable mini-álbum, sino que además consiguió, incluso, estrechar distancias entre las estaciones... Como el propio Montag señala en su myspace… “escuchar de ser necesario un cálido manto de cuerdas y sintetizadores”.


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miércoles, 8 de abril de 2009

Shugo Tokumaru - Rum Hee


A poco de atravesar los veinte años, el japonés Shugo Tokumaru, cantante y compositor multiinstrumentista, se lanzó a la producción como solista, y en el 2004 liberó su álbum debut, Night Piece. En el 2005 llegó su segundo trabajo, L.S.T., el cual fue seguido por un disco de remixes el mismo año y, en el 2007, el larga duración que le supo brindar el reconocimiento internacional, Exit. Recientemente acaba de llegarnos una nueva reseña suya, la cual incluye tanto piezas a estrenar, como así también nuevas versiones de algunos de sus temas más representaivos.
En relación a su despliegue, Shugo lleva a cabo su eleboración musical sirviéndose de instrumentos de juguete, otros de uso frecuente en el folk y, por supuesto, para consumar su trabajo, termina editando todo en su ordenador portátil, anexando en este último paso, lo que sea necesario. Aunque en un principio la cosa pueda parecer sencilla en demasía, se ha observado que en sus piezas se pueden advertir hasta cincuenta instrumentos y artilugios sonando al mismo tiempo, todos ejecutados y entrelazados perfectamente por nadie más que el propio artista, de modo que su música, lejos de ser simple, es, en cambio, del todo compleja. Habida cuenta de lo expresado, sus producciones, pese a la metódica maraña que a la fuerza les da vida, no dejan de ser, en ningún momento, simpáticas y candorosas a más no dar, pues de ordinario tienen la facultad de despertar la niñez interior de quien las escucha…
Rum Hee toma su nombre del tema homónimo, el cual no sólo inicia la reseña por medio de su cándida versión original, sino que la cierra con dos excelentes remixes; el primero en plan totalmente psicodélico de la mano de Oorutaichi (Taichi Moriguchi), y el segundo, de trazas ciertamente ensoñadoras, por el trío Deerhoof. Pero la novedad no se constituye únicamente de la referida pista, pues se suman Alaska, una canción que roza la pureza de las mejores ediciones de Morr, e Inatemessa, un tema de neto corte experimental. A las primicias, cabe sumar las reinterpretaciones de Vista, Typewriter y Parachute, las tres hilvanadas por Alt. (Morita Kazuyoshi). Sin que en absoluto nos pesen los vocales en japonés, de seguro que las ocho piezas lograrán llevarnos a vagar ingenuamente en las reconditeces de alguna inédita e inexplorada floresta imaginaria; enganchándonos de los ramajes de los árboles, embelesados de tanto viajar por entre las espesuras de sus copas, retozando sin saber por qué, el prodigioso recorrido por este bosque llamado Rum Hee tiene por todo propósito el que consigamos retroceder a la niñez aunque sólo sea por un instante…


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lunes, 6 de abril de 2009

Patrick Watson - Wooden Arms


El canadiense Patrick Watson, es compositor, pianista, cantante y conductor de su propia banda, la cual se despliega bajo su mismo nombre. De alineación estrictamente clásica, Patrick arrancó sus estudios de piano a los 7 años, y poco más tarde ya tocaba en diversas iglesias, apelando a referentes de la altura de Claude Debussy o Eric Satie. Mientras cursaba la secundaria, fundó su propia banda, Gangster Politics, la cual extendía sus dominios sonoros entre el ska, la música clásica moderna y la electrónica. A la postre se decantó en solista, desenvolviéndose así en fiestas universitarias, o confeccionando música para proyectos audiovisuales de sus compañeros. En el 2001 lanzó su primer trabajo en solitario, Waterproof9, y luego de éste, formó un cuarteto uniéndose a Simon Angell, Robbie Kuster y Mishka Stein. Juntos los cuatro, en el 2003 publicaron su álbum debut, Just Another Ordinary Day, al cual siguieron Close To Paradise en el 2006 y, finalmente, el reciente Wooden Arms.
El nuevo álbum me ha dejado sin palabras, y es que en verdad no esperaba toparme con semejante derroche de virtuosismo… ¿Qué decir cuando estos hombres, hartos ya de guardar las formas, llegaron hasta procurarse una bicicleta y diferentes ollas como medios de percusión, o cajones, ramas, émbolos y megáfonos para crear ambientes manifiestos? De forma radicalmente excéntrica, el cuarteto Patrick Watson ha decidido recorrer todos los sonidos, con pistas que van desde el neofolk de Firewood, Man Like You y Big Bird In A Small Cage, atravesando el modern classical de Tracy's Waters y Beijing, el vals europeo que da nombre al disco, el complejo sonido bristol de Traveling Salesman y Down At The Beach, para finalmente llegar al sonido indie rock de Machinery Of The Heavens. Sin escatimar en talento, con orquestaciones refinadas en grado sumo, percusiones señaladas a la vanguardia y la voz de Patrick siempre recorriendo de forma excelsa todos los registros, Wooden Arms se nos hace una obra onírica, regia y hasta por momentos desmedida en su grandeza…
Aquellos que gustan de la música de Antony and the Johnson, Andrew Bird o Final Fantasy, tienen cita obligada con Patrick Watson
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Mocky - Saskamodie


Mocky es el distintivo del canadiense Dominic Salole, hombre que si bien nació en Canadá, posee ascendencias somalíes e inglesas. Es bien conocido en el circuito electrónico por su buen sentido del humor, cosa que de ordinario transfiere a su música y a sus actuaciones en vivo, representando, en éstas, el papel de alegre “bufón”, por decirlo de alguna manera... Su sonido no se puede precisar puntualmente, pues abarca diversos géneros como downtempo, electro, house o hip hop, y siempre se deriva en entretenidas pistas de aires poperos. Su debut llegó de la mano de In Mesopotamia (2002), luego del cual llegaron Are+Be (2004), Navy Brown Blues (2006) y recientemente su cuarto álbum de estudio, titulado Saskamodie.
La nueva entrega, ha tomado su nombre, según dicen, de una canción que Mocky había compuesto cuando niño…, al parecer, empleando palabras inexistentes... Y aunque el título y su origen mueven a pensar en que el álbum es otra de las alegres tentativas del canadiense, nada hay más alejado de la verdad… Por medio de Saskamodie, Mocky pretende demostrarnos que él no es sólo un músico simpático al que se le da bien divertir a la gente, sino un auténtico artista capacitado para elucubrar música de la más excelsa... Para esto, contando con la infalible asistencia de Gonzales, Taylor Savvy, Leslie Feist y Jamie Lidell, Mocky ha descubierto su talento tocando el órgano, el piano, la guitarra y el bajo, además de cantar y silbar para sus nuevas doce pistas... De este modo, el artista le ha dado un rotundo giro a su sonido, pues si antes hablábamos de pop electrónico, ahora corresponde hablar de nu-jazz; un nu-jazz totalmente preciosista y reminiscente, ya que, con toda la finura del mundo, evoca al jazz y al lounge de los años sesenta... Sin dudas estamos ante una virada estilística sin precedentes en la carrera de Mocky, un cambio que nos lleva incluso a desconocerlo; y si realmente pretendía mostrarnos qué es capaz de hacer, con Saskamodie lo ha logrado holgadamente…
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jueves, 2 de abril de 2009

Casiotone for the Painfully Alone x 2

Cuando descubrí que no sólo rapidshare podía borrar links debido a diversas denuncias, sino que también Blogger podía hacer lo propio con entradas completas, empecé a guardar todos los comentarios, pues de un momento a otro podía perder mis tan preciados trabajos de diez minutos. Con la aparición de V.S Children, nuevo álbum de Casiotone for the Painfully Alone, reparé en que el post correspondiente a su compilado titulado Advance Base Battery Life había desaparecido…; el Diablo sabrá cuándo y por qué. Seguro ya de todo, vuelvo a colgar el referido compendio, acompañado del nuevo álbum de este artista.


La empresa del norteamericano Owen Ashworth surgió cuando éste fue favorecido para musicalizar un proyecto cinematográfico, mientras cursaba sus estudios de cine corriendo la década de los noventa. Para el proceso, se valió de diferentes órganos de juguete, otros trastos similares y su propia voz. Y aunque su banda sonora puede no haber sido lo suficientemente buena en relación a su fin, lo cierto es que Ashworth gustó de ella, a punto tal, que dejó su carrera en 1997 y se dedicó por completo a la música.
Se lanzó de gira con numerosos y reconocidos artistas indie, y usando el mismo modus operandi que aquella primera tentativa, confeccionó su álbum debut llamado Answering Machine Music, el cual vio la luz en 1999. A poco se ganó el cariño de la gente con la simplicidad y pureza de sus producciones; canciones infantiles e ingenuas en principio, pero cuyas letras suelen tantear la cotidianeidad de la vida adulta, con todas sus farsas, apariencias, picardías y quimeras. De este modo, siguió produciendo, despachándose regularmente con nuevos trabajos hasta llegar a sumar cuatro álbumes de estudio, con Etiquette en el 2006. Luego de su cuarto trabajo, Ashworth se perdió por un tiempo, y finalmente a principios de este año regresó con una suerte de antología y, recientemente, su quinto álbum de estudio.
Quienes no conocían a este norteamericano pueden recuperar el tiempo perdido con Advance Base Battery Life. En este recopilado aparecen pistas inéditas, de caras B y algunas de las más representativas de Casiotone For The Painfully Alone...
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V.S Children es, al fin, el quinto y tan esperado larga duración del norteamericano Owen Ashworth, más conocido bajo el extravagante alias Casiotone for the Painfully Alone.
La evolución de este artista no se ha evidenciado justamente en lo musical, pues en este sentido su nuevo álbum no difiere de los precedentes; su perfeccionamiento ha venido por otro lado, y me refiero, obviamente, al apartado de las letras. Casiotone pasó de las cándidas canciones de amores desencontrados, a otras versadas en los más profundos planteamientos de índole social. En V.S Children, tal y como si se tratara del trazo de una mano inexperta, propia de un niño, las melodías se antojan ingenuas, como contraposición de las letras de las canciones que, por el contrario, son, una vez más, firmes e incontestables. En esta ocasión, el artista ha decidido abordar asuntos un tanto más serios, como es el caso de la situación de los niños venidos de familias desestructuradas, es decir, su ulterior desenvolvimiento en la sociedad; de ahí que Casiotone trate delicadas cuestiones como la delincuencia juvenil, los embarazos a edades cada vez más precoces y demás... Sin bien su voz no tiembla al cantar sobre materias tan serias, tampoco deja de hacerse una con la simplicidad e inocencia de los ritmos y melodías que la acompañan; por momentos con marcada melancolía, y en otros, rayando en la alegría más pueril…V.S Children es, hasta la fecha, y en cierto sentido, la tentativa más madura de Ashworth, aunque no por eso menos propia de él…
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miércoles, 1 de abril de 2009

El perro del mar - Love Is Not Pop


Aunque en español, El perro del mar es el distintivo de la sueca Sarah Assbring, quien comenzó su carrera como solista en el año 2003. En el 2004 lanzó algunas reseñas menores para el sello sueco Hibrys, pero su salto a la fama llegó un año más tarde de la mano de su álbum debut homónimo, el cual alcanzó gran repercusión en el Reino Unido, donde no a mucho se editó vía Memphis Industries. Con la benevolecia de la crítica, en el 2007 firmó contrato con la firma sueca Licking Fingers, mediante la cual el año pasado liberó su segundo álbum, From The Valley To The Stars.
Su segunto trabajo, destacado por un pequeño giro estilístico, encontró críticas diversas, por no decir, lisa y llanamente, que desencantó a muchos. Por tal motivo, Sarah ha decidido, con la cooperación de su compatriota Rasmus Hägg, confeccionar un mini-álbum consagrado a rememorar el sonido del álbum primero. De este modo, con siete canciones, de entre las cuales se cuentan un cover de Heavenly Arms, canción original de Lou Reed, y un tema inspirado en un poema de G.K. Chesterton, la sueca se inclina a volver a encantarnos de la misma manera en que lo había hecho en sus principios, con mucha simplicidad y no menos entusiasmo. El quid estriba en el retorno a las sencillas canciones pop bendecidas por su voz misma, la cual las deja en un estado de gracia a medio camino entre la dolencia más excelsa y la ternura más incauta; canciones de atmósferas acústicas, cuyos climas nos trasportan indefectiblemente a los años sesenta, dejándonos a la vera de algún peregrino paraje labrado de tímidos sueños e irreprimibles emociones. El pequeño mundo trazado en Love is not pop parece girar en alguna órbita ignorada, acaso entre todos los soles y todas las lunas de la galaxia que la propia Sarah atesora en su seno…
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