Alix Perez - 1984

Alix Perez es un artista belga orientado, tanto como dj y como productor, hacia los sonidos más sosegados del drum and bass. Se había iniciado como dj dentro del circuito de su país a la temprana edad de 14 años, y tres primaveras más tarde ya se encontraba produciendo un sonido muy personal, que si bien se podría definir como liquid funk, es claro que va más allá de éste, pues Alix es, como el mimo refirió, todo un ecléctico… Luego de liberar exitosas reseñas menores por vías como Liquid V, Creative Source, Fokuz y demás, finalmente fue Shogun Audio el que terminó publicando su álbum debut: 1984.
Con la colaboración de unos cuantos vocalistas y MC's como Peven Everett, SpectraSoul, Ursula Rucker, Lynx y demás, Alix ha confeccionado 13 piezas que profundizan maravillosamente los diversos aspectos del drum and bass, lo que da perfecta cuenta de su eclecticismo. Atravesando el liquid funk, el soulful drum and bass e incluso llegando a rozar el dubstep o el R&B, el paisaje ofrecido por 1984 puede variar, pero lo cierto es que prima ante todo la calidad. Bien mirado se podría decir que temas como The Cut Deepens, Voices, I'm Free y alguno más, pueden no pasar de la media de calidad habitual de las producciones contemporáneas del género, pero los delicados 1984, Forsaken, Suffer in Silence y Contradictions, entre otros, ponen a la escena drum and bass en la mira de todos los melómanos. Y es que, si bien muchos habían señalado que este 2009 sería el año del drum and bass, el caso es que no hubo mucho que destacar, aunque dentro de lo bueno es claro que se debe encasillar al señor Alix Perez y su 1984.
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Kings Of Convenience - Declaration of Dependence

Si bien el tercer álbum en largo de The Whitest Boy Alive había aplacado bastante los ánimos de los admiradores de Erlend Øye, lo cierto es que todos siguieron esperando novedades de Kings Of Convenience, que no es otro que el celebrado proyecto que el noruego comparte con su compatriota Eirik Glambek Bøe… Finalmente, pasados ya cinco años desde Riot on an Empty Street, la dupla acaba de regresar con su tercer larga duración, el mismísimo Declaration of Dependence.
Erlend Øye supo aprovechar el nuevo álbum para plasmar su punto de vista respecto de las significaciones que se le pueden dar a la palabra dependencia, dejando en claro que, después de todo, no puede ser tan malo el depender de alguien, tanto más cuanto últimamente percibió su capacidad creativa ligada estrechamente a la de su compañero de equipo, lo cual avivó la llama artística de la dupla… De este modo, es claro que a través de Declaration of Dependence se sigue dejando oír el indie pop tan característico del dúo, ya que su esqueleto es la voz de Erlend, la cual se ha vuelto a posar sobre las dulces melodías que él y Erik roban a las guitarras, siempre con la adición de algún que otro pequeño y sutil arreglo orquestal… Por otra parte, al igual que sucedió con el álbum de The Whitest Boy Alive, el de Kings Of Convenience también tuvo algo de su inspiración en Méjico, por lo que rezuma calidez y desenfado por los cuatros costados, algo que siempre fue impronta propia de la dupla... Por lo demás, sobra decir que a Declaration of Dependence no hay nada que objetarle, pues su maravilloso sonido es todo lo que los seguidores de Kings Of Convenience esperaban, de modo que el binomio lo ha logrado de nuevo…
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Wet Cookies - Soul Protection

Wet Cookies es un colectivo vienés que se formó en el año 2006 bajo la dirección de los productores Axel Hirn y Björn Klein, en principio, como un pequeño grupo de músicos unidos por el amor que profesaban a la música negra y electrónica. No a mucho de los inicios del proyecto comenzaron a allegarse más músicos al grupo, de modo que al día de hoy, se puede decir que Wet Cookies es la conjunción de casi una veintena de artistas, todos ellos diestros en fusionar los géneros musicales negroides obteniendo por todo resultado un sonido totalmente personal, cuya traza es fácilmente reconocible. Su álbum debut, titulado Earthling, llegó en el 2007, y dos años más tarde, en el pasado mes de agoto, Wet Cookies presentó su segundo larga duración: Soul Protection.
A diferencia de su primer álbum en largo, la nueva obra de Wet Cookies abraza con mayor pasión el soul, aunque sin desestimar el funky, el jazz ni el dub que tan bien habían sido ahondados y conjugados en Earthling. Una vez más el predominio de lo orgánico es patente, dejando de este modo a la intervención de la electrónica como mero acompañamiento, a punto tal, que apenas si deja entrever su presencia. Las performances de vocalistas de primer nivel tales como Hubert Tubbs, Ola Egbowon, Ken Boothe, Abisara, Rufina Frontin y Betty Semper, han enriquecido sobremanera las trece piezas de Soul Protection, aportando las dosis de energía justas a cada una. El groove conducente al baile descuella en temas como I got reasons, 1,4,3, When I fall in love, Something's changing (en sus dos versiones), Inspired y Word up (un clásico de los ochenta), mientras que el sosiego y la delicadeza sobresalen en Is it really possible, Will you be good, Unwind (en sus dos versiones) y Personal stereo (original de Flunk), de tal suerte que el viaje ofrecido por Soul Protection se vuelve reconfortante a varios niveles. Sin dudas, se trata de una propuesta plenamente sugerente que los amantes de la música negra no pueden desatender…
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Ross Couch - Night and day

Ya han pasado unos cuantos días sin que esta Suite depare primicias, de modo que finalmente decidimos regresar, en este caso, con un poco de deep house preciosista, del que hacía mucho tiempo que no se escuchaba por estos lares...
Ross Couch es un dj y productor escosés que venía amenazando con lanzar su álbum debut desde principios de este siglo, cosa que ha terminado por prorrogar innumerables veces por una u otra razón. Finalmente, por cuenta de su propio sello, Body Rhythm, el pasado mes de agosto estuvo liberando su tan esperado larga duración, que no es otro que Night and day.
La obra prima de este escosés contiene un total de doce piezas que se desplazan al son de un sonido deep house delicado en grado sumo, de una fuerte carga de soul, jazz y funk. Acaso piezas como Lost Without You, People Of The Night, Use Your Loaf o Spaced Out, se podrían destacar por sobre el resto, pero el caso es que, al fin de cuentas, haciendo un balance general al final de la escucha caemos en la cuenta de que todas brillan por igual, puesto que de los visos melódicos, la traza soulful y la honda calidez, no escapa ninguna... Otro de sus puntos fuertes es que, al contrario de la mayoría de los álbumes de la misma índole, entre sus temas no se cuentan introducciones ni interludios de ninguna naturaleza, sino que todos abordan de lleno el 4x4 sin bajar el bpm en ningún momento, además decir que todos fueron confeccionados de forma especial para el álbum, de modo que no es posible encontrar fragmentos liberados anteriormente. Por tanto, se puede apreciar Night and day como un trabajo totalmente parejo, en el que, por supuesto, no se percibe desperdicio alguno...
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Bent - Best Of

Luego de un buen tiempo sin ofrecer novedades, recientemente la dupla Bent acaba de regresar con una suerte de antología, la cual recopila los mejores tracks aparecidos en sus cuatro álbumes de estudio. Y ya que un compilado de estas características puede no despertar el interés que debería, entra en razón decir que no sólo contiene las joyas clásicas del dúo, sino que además suma siete tracks enteramente frescos.
En vistas de que Bent se encontraba cumpliendo su primera década de vida, Simon Mills y Nail Tolliday decidieron celebrar el acontecimiento con su Best Of, al cual además colgaron en su myspace para su descarga gratuita. Pero puesto que de una celebración se trataba, el dúo no podía dejar de presentar material nuevo, de suerte que resolvió hacer doble el compilado a modo de incluir sus temas más representativos y manufacturas totalmente recientes. Al tiempo que en el CD 1 es posible redescubrir piezas magníficas como Swollen, Magic Love, As You Fall, I Can’t Believe It’s Over, Always y tantas más, en el CD 2 encontramos una revisión de K.I.S.S.E.S. y siete exquisitas pistas a estrenar. No Perrier!, Terry, Exercise 6, Far Behind, Star Of Loneliness, Harlequin Bitch y Bone Idol, no son más que los títulos que han elegido los integrantes de Bent para decirnos que, para alegría de todos, siguen por los mismos derroteros que abordaran corriendo el año 1999. De este modo, Best Of constituye, al fin y al cabo, una novedad para los seguidores de Bent, de tal suerte que hasta incluso da cuenta de lo que viene maquinando, es decir, su quinto álbum de estudio...
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Hope Sandoval & The Warm Inventions - Through The Devil Softly

A finales del año pasado les había servido el álbum Bavarian Fruit Bread de Hope Sandoval & The Warm Inventions, dando plenamente por sentado que el disco era imprescindible puesto que la dupla había desaparecido por completo. No obstante, tengo el indecible placer de decir que entonces había incurrido en un craso desacierto, ya que recientemente se acaba de filtrar en la red Through The Devil Softly, lo nuevo del dúo conformado por Hope Sandoval y Colm O’Ciosoig.
Al igual que lo hicieran en ese compendio sobrado de sutileza y ternura que fue Bavarian Fruit Bread, a distancia de ocho años estos artistas han vuelto a conjugar sus talentos con el solo fin de hilvanar nuevas canciones pletóricas de belleza y dulzura. Through The Devil Softly suma un total de once temas delicados lo indecible, en los que Hope vuelve a cantar como los mismísimos ángeles, y Colm dispone nuevas amalgamas acústicas, sin lugar a dudas que de ensueño. Y el mayor acierto en este álbum es que, muy al contrario de lo que solemos esperar de los trabajos de otros artistas, no hay cambio, ni evolución ni nada que se le parezca, sino que sólo encontramos nuevas canciones... Tal vez sea posible advertir mayor presencia del jazz en algunos temas, lo que, en cualquier caso, es del todo bienvenido… Por lo demás, la propuesta sigue siendo música folk preciosista de marcados aires poperos…
La cuestión se inicia con Blanchard, un fragmento deliberadamente fino que al punto logra retrotraernos a Bavarian Fruit Bread, de modo que ya no se puede dejar de poner cuidado en el álbum ni por un solo segundo... Wild Roses se abre con unas delicadas melodías de guitarra que a poco se opacan con la dulce voz de Hope, y cuando menos lo esperamos, el tema se embellece por todo lo alto cuando se dejan oír unas sutiles intervenciones de la armónica, instrumento que ha engalanado gran parte de las manufacturas de Hope Sandoval & The Warm Inventions y en el nuevo álbum hace otro tanto. El enigmático For The Rest Of Your Life se arrastra al ritmo que delinean los palillos, y en Lady Jessica And Sam la cantante nos hunde en una melancolía totalmente placentera, lo mismo que en Sets The Blaze, en el cual todo se vuelve más profundo gracias a unas orquestaciones sumamente apesadumbradas… Mientras que en Thinking Like That los violines siguen brillando pero sobre una estructura netamente jazzera, There's A Willow se vuelve una pieza casi del todo atmosférica e infaliblemente dulce. A poco llega el soft rock por cuenta de Trouble, pero de mano de las tres últimas piezas, Fall Aside, Blue Bird y Satellite, nos volvemos a sumergir en el maravilloso mundo hopeano, un dominio onírico anegado de melancolía y ternura...
Dado que Through The Devil Softly no se editará de manera oficial sino hasta septiembre, les recomiendo que no tarden en descargarlo, pues el link no va a tardar demasiado en caerse.
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Jónsi & Alex – Riceboy Sleeps

Riceboy Sleeps es el álbum primero del proyecto que conforman Jón Þór Birgisson, guitarrista y voz principal de Sigur Rós, y Alex Somers, su compañero afectivo además miembro de la agrupación Parachutes. Su emprendimiento había nacido tiempo atrás, en principio, con ánimos de abordar sólo las artes visuales, pero no a mucho decidieron encarar la producción musical, cosa que hicieron consiguiendo incluir su tema Happiness en el excelente compendio doble Dark was the night, donde se exhibió junto a producciones de eminentes artistas como Andrew Bird, Stuart Murdoch, Anthony Hegarty y demás. De este modo, la dupla continuó trabajando y finalmente, el pasado mes de julio, tuvo listo su álbum debut, el cual se publicó vía Parlophone.
El larga duración cuenta con nueve tracks netamente instrumentales –a este respecto los compañeros amorosos contaron con el soporte de Amiina, el cuarteto de cuerdas oficial de Sigur Rós–, ambientales y la mar de preciosistas, que se resultaron de un depurado tratamiento sonoro con ordenadores solares, lo que proporcionó a todos los temas un inequívoco aire orgánico que se respira a cada paso... La cuestión se inicia con Happiness, un viaje ambiental no exento de melancolía que incluso parece ensombrecer a la propia “felicidad”, aunque bien apreciado deja entrever cierta placidez que, en efecto, raya con la felicidad, o cuanto menos con una pequeña felicidad. Atlas Song continúa de camino, en este caso, despuntando como si del sol se tratara, acaso brillando con su ingenuidad y la voz de Jónsi, quien no canta en absoluto, sino que sus murmullos se confunden con los del coro Kópavogsdætur, cosa que se repite a lo largo y ancho de todo el álbum. Indian Summer se antoja nostálgico pero bello lo indecible, y Stokkseyri se inicia con unas melodías de piano de una fineza en desuso, que a poco tardar desaparecen con la entrada de los colchones de cuerdas y los ambientes sobrecogedores que proporcionan los pads, cristianizándose en forma de una pieza onírica a más no dar. Boy 1904, All the Big Trees y Danell in the Sea, comparten la intensa carga tanto religiosa como emocional, y si bien Howl no difiere mucho en este sentido, ostenta, por su parte, unos sonidos étnicos realmente embriagadores… En último lugar se deja oír Sleeping Giant, tal vez el corte más profundo, insondable y apagado de todo el álbum, seguramente capaz de dormir incluso a un gigante, tal y como indica su nombre...
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Es - Kesämaan Lapset

Es es el proyecto en solitario del finlandés Sami Sanpakkila, quien no es sólo músico, sino también dueño de su propio sello, Fonal Records, además de un acreditado cineasta. Kesämaan Lapset es su quinto larga duración, recientemente aparecido luego de Sateenkaarisuudelma, álbum doble publicado en 2005 que le valiera diversos reconocimientos a nivel internacional.
En su nuevo trabajo Es ha reunido cinco pistas que, pese a ser tan pocas, suman un total de 45 minutos. Como artista finlandés, es claro que en Kesämaan Lapset el espíritu nórdico descuella, recordándonos, en todo momento, a esa música tan exquisita que suele prodigar Islandia. Esto lo notamos apenas arrancar el álbum, pues Ennen oli huonommin es un segmento onírico de poco más de cuatro minutos, en el que la psicodelia despunta como hilo conductor, confiriendo fascinación por los cuatro costados. En Kesä ja hymyilevät huulet prevalece la experimentación más acérrima, y Säteet sun sielusta es una delicada pieza anegada en belleza y melancolía nórdica, once minutos que van in crescendo, de la tristeza más sobrecogedora a la felicidad más incauta. Kesämaan lapset es un dechado de ingenuidad y una gran muestra de hasta dónde se puede llegar por los derroteros de la experimentación, pues sobrepasando por poco los veintiún minutos, el tema parece estar compuesto de varios segmentos sonoros a cuál más sutil y agraciado... El cierre de mano de Haamut sun sydämestä es sencillamente de otro planeta; su intensa carga emocional, sus resonancias kosmische y unos corales exquisitos embrollados en un todo delicado lo indecible, nos hacen volver a él una y otra vez…
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Lynx and Kemo - The Raw Truth

Lynx and Kemo es el incipiente proyecto del productor británico Lynx y el MC alemán Kemo, quienes actualmente tienen su base de operaciones en Inglaterra. Artistas unidos debido a sus afinidades ideológicas y musicales, comenzaron a despachar sus primeras producciones el año pasado, y este 2009, más exactamente el primero de junio que se nos acaba de pasar, liberaron de mano de SoulR su álbum debut, al cual decidieron titular, de manera poco más que curiosa, The Raw Truth.
Según indica el título del álbum, es claro que el dúo no sólo se propuso descubrirnos su música, sino también su ideología. Estos hombres se niegan a ser cómplices de “un mundo de mentiras y superficialidad”, y es por esto mismo que se autodefinen como unos rebeldes. A esto lo notamos sobre todo en Global Enemies, un track netamente oscuro en el que Kemo aprovecha para despotricar contra Dios y medio mundo, cosa que se repite en alguna que otra pista. Sin embargo, lo más importante es la música que han trazado para cantar sus verdades, pues, sin dudas, a este respecto han sabido encontrar el sonido perfecto.
Estos artistas lograron conjugar a la perfección sonoridades de la década de los noventas con otras totalmente actuales. Si bien el ritmo que predomina corresponde al de un dum and bass totalmente oscuro, éste se ve enriquecido sobremanera con toques hip hop, dupstep y pequeñas dosis de soul y funky, resultándose de esta manera en una infraestructura sonora compuesta de quince pistas a cuál más distinguida. La guitarra funky que logra resonar de fondo en medio de la sordidez mística de Hotriders, el suave soulful de The Real Thing, el apagado dub al más puro estilo Massive Attack de Raw Truth, o el retorno a la vieja escuela en Dangerous, son algunas de las peculiaridades que se ganan nuestra atención durante el primer tramo del disco. Luego nos deleitamos con otro pequeño fragmento dub titulado Broken Glass, disfrutamos de más oscuridad y más soulful de mano de All You Own y la experimentación servida en bandeja de plata con Semitones nos depara sólo parabienes, de modo que mediando The Raw Truth aún estamos totalmente expectantes. El resto se despliega por sí solo, repitiendo algunas fórmulas e incluso doblando la apuesta, consiguiendo así completar un cuadro general a todas luces sugerente, que sin dudas se ve exaltado por las diversas colaboraciones de vocalistas como Bango Collective, Dennis Jones, Kate Whitmarsh, Mika Doo, Malibu Rhodes, Spoonface, Alix Perez, Master X, Simon Wiggins y tantos más que, sin embargo, no logran opacar al propio Kemo. The Raw Truth es una propuesta sin dudas reveladora para el panorama drum and bass, y siendo que esta escena no ofrece grandes ejemplares habitualmente, no se puede desantender…
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Hildur Gudnadottir - Without Sinking

No es que tenga nada en contra de ustedes, visitantes asiduos de esta Suite, pero asimismo, una vez más, les vuelvo a traer una propuesta velada por la melancolía, en este caso, por la que distingue a las tierras islandesas.
Tal vez ya conocían a la violonchelista islandesa Hildur Guðnadóttir mediante su primer álbum aparecido en 2006 con el título Mount A, al cual firmó con el alias Lost in Hildurness, o en cualquier caso, puede que hayan descubierto las cadencias de su chelo en producciones de Ben Frost, Jóhann Jóhannsson, Animal Collective, Throbbing Gristle, Pan Sonic y, recientemente, en el nuevo álbum de Múm. Si no la registran de ningún lado, les cuento que el reciente Without Sinking es su segundo larga duración, si bien, el primero aparecido bajo su propio nombre.
Valiéndose de su chelo y algunos arreglos aportados por Jóhann Jóhannsson y Guðni Franzson, ya de órgano, harpa, clarinete, cítara o grabaciones de campo, Hildur logra trazar ambientes desgarradores, con los que no hace más que describir escenas ominosas sin dar tregua en ningún momento. El descenso en este abismo insondable comienza, curiosamente, con un doloroso y oscuro fragmento titulado Elevation, el cual es seguido por el dramático pero conmovedor Overcast, sin dudas una pieza de antología. La declinación se pronuncia un tanto de mano de Erupting Light, una pista que parece presagiar un funesto desenlace, impresión que se desvanece por completo con el sosiego de Circular, algo así como el ojo de la tormenta. Mientras que Ascent parece delinear un vislumbre de ilusión en medio del despotismo de la tristeza, Opaque se muestra totalmente altisonante y sombrío, exhibiendo sus inequívocos tintes teatrales por los cuatro costados. Aether es un fragmento que se mantiene absorto en su belleza durante poco más de cinco minutos, cosa que se repite en el escurridizo Whiten. La anteúltima pieza, Into Warmer Air, es, como indica su nombre, tal vez una de las más cálidas de este recorrido cuesta abajo, y seguramente nos prepara para el final, que llega por mano de Unveiled y su tranquilidad inusitada, inusitada al menos teniendo en cuenta ese cúmulo de emociones apagadas que la precedió. Without Sinking es un disco propio para dejarnos caer en los dominios de la tristeza aunque sólo sea por un momento, de modo que, si es que quieren, pueden aceptar mi consejo y prestar oídos a esta maravilla.
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Chris Garneau - El Radio

Luego del éxito obtenido en 2007 de mano de Music For Tourists, este siete de julio pasado el cantante y compositor norteamericano Chris Garneau liberó su segundo álbum en largo, el cual se titula El Radio. En este caso convocó a los miembros de su banda y juntos viajaron en furgoneta hasta New Hampshire, donde un modesto estudio estaba esperándolos para que emprendieran la grabación de El Radio. A la postre, el sello norteamericano Absolutely Kosher, al cual Chris llegara en 2006 llevado de una recomendación de uno de los miembros de Xiu Xiu, se ha hecho cargo, una vez más, de la publicación de su delicado material.
Siendo que la voz de Chris no es, justamente, la más apropiada para su música –muy por el estilo al sonido que podemos escuchar de mano de Patrick Watson, Antony and the Johnsons o Final Fantasy–, igualmente se las ha sabido arreglar para contrarrestar esa falta, principalmente con una lírica excelente, su virtuosismo al piano y los excelentes arreglos de cuerdas que añaden sus compañeros de agrupación, sin dudas unos instrumentistas excelentes. Las trece nuevas canciones son viva prueba de lo que digo, y no sólo eso, sino que redoblan claramente la apuesta, tanto en profundidad emocional como en delicadeza sonora.
Tal parece que este artista sigue sintiéndose seguro sumergido en lo más profundo de su universo anegado de melancolía y belleza, de modo que decidió descubrírnoslo por segunda vez. Bitemático por antonomasia, ha vuelto a expresar sus postulados sobre la tristeza y la bondad que ésta atesora en su seno, cosa que no siempre queda a la vista de todos. Tan sólo al comienzo conseguimos observar cómo las cuerdas angelicales inundan por completo a The Leaving Song, al tiempo que Chris describe una escena triste pero poética, en la que bosqueja un cuadro fatalista a la vez que hermoso. La gracia de toque barroco es aportada por Dirty Night Clowns, mientras que Raw and Awake nos sumerge en el folk más ensoñador que este artista es capaz de urdir. En Hands on the Radio se deja ver añorando de corazón a Méjico sobre bellas notas de piano, y poco más tarde traza melancólicamente su ideal americano en Home Town Girls. Y así siguen sucediéndose las piezas, a cuál más hermosa y suave, como si de un concurso de belleza se tratara. El Radio es, en resumidas cuentas, una propuesta que ha superado a su antecesor, situando a Chris en boca de todos aquellos que, en sus virtudes intrínsecas, tienen la fibra emocional necesaria para apreciar el refinamiento y la exquisitez de la pasión más desmesurada.
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Cortney Tidwell - Boys

Luego de Don’t Let Stars Keep Us Tangled Up en el 2006, a principios de este mes de junio llegó Boys, segundo álbum en largo de Cortney Tidwell, una artista norteamericana que se había revelado en el año 2005 obteniendo muy buenas críticas tanto en su país, como así también en el Reino Unido. De esta manera, Cortney no tardó en convertirse en una de las voces pop revelación de Estados Unidos, de modo que ha regresado con su segundo trabajo con ánimos de revalidar su estimación.
Boys suma un total de once maravillosas canciones con las que la artista nos vuelve a invitar a dejarnos llevar por lo que se podría abreviar como un viaje cargado de múltiples emociones. Nada más arrancar el nuevo disco nos encontramos con la melancólica Solid state, una delicada pieza pop-folk que parece cantada por Beth Gibbons y Björk al mismo tiempo. El segundo tema, Watusii, es, con toda probabilidad, uno de los fragmentos más electrónicos de la carrera de Cortney, mientras que Son and moon es, en cambio, una de las piezas que más se acerca a lo que es posible escuchar por mano de la islandesa Björk, tanto por lo musical como por la parte vocal. Being crosby, el cuarto tema, nos sumerge en un folk totalmente espesado por unas bellas guitarras que son acompañadas por unos violines no menos encantadores; Oslo es sencillamente una delicadeza que parece divagar hechiceramente en un limbo perdido en algún punto entre el cielo y la tierra, y tanto So we sing como Palace, nos muestran de forma maravillosa la faceta más shoegazing de la norteamericana. Luego tenemos la magia celestial de Bad news y Oh, China, las cuales poco después dan paso, una vez más, al recargado shoegazing que en esta ocasión disfrutamos de la mano de 17 horses, tema que anticipa el final épico que corre por cuenta de Oh, suicide, una de las tantas maravillas que atesora el segundo álbum de Cortney Tidwell... En suma, si es que la artista en verdad intentó reafirmar su talento con Boys, es del todo claro que lo ha logrado sobradamente y merece, sin dudas, que le tiremos todas las flores.
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Múm - Sing Along to Songs You Don’t Know

Los chicos de Múm, Örvar Þóreyjarson Smárason y Gunnar Örn Tynes, han vuelto con su quinto álbum de estudio, el cual, esta vez, fue grabado con la añadidura de los islandeses Sigurlaug Gísladóttir (voces y ukelele), Hildur Guðnadóttir (voz y violonchelo), Eiríkur Orri Ólafsson (piano, trompeta, teclados y arreglos de cuerda), Róbert Reynisson (guitarras y ukelele) y el finlandés Samuli Kosminen (percusiones). Según anunció Morr Music, puesto que Islandia se ve afectada por una enorme crisis político social desde el año 2008, es perfectamente comprensible que la tristeza que siempre ha impregnado todas las producciones de Múm se duplique en Sing Along To Songs You Don’t Know, cosa que, después de todo, no nos debe sorprender en lo absoluto.
La suma de los cinco multiinstrumentistas ha dotado de nuevos bríos a la música de Múm, a punto tal, que en el nuevo álbum notamos a la agrupación islandesa mucho más orgánica que de ordinario, alejándose por un momento de la experimentación para mostrarse bastante más cercana al folk acústico. La apertura de mano de If I Were A Fish ya nos indica, desde el vamos, los derroteros que tomarán los siguientes tracks, pues no tardamos en notar cómo los sonidos glitcheanos quedan un tanto relegados a un segundo plano para permitir que toda la atención recaiga en las tímidas guitarras, los magníficos violines, las ingenuas melodías difundidas por lo distintos teclados y la dulce voz de Sigurlaug, quien nos ayuda a olvidar aunque tan sólo sea por un momento a las gemelas Valtýsdóttir. A River Don't Stop To Breathe con su melancolía y su ritmo bossa nova, la pesadumbre contagiosa de Show Me y de Blow Your Nose, o el descenso insondable evidenciado en Last Shapes Of Never, Illuminated y Ladies Of The New Century, son algunos de los excelsos picos melancólicos de Sing Along To Songs You Don’t Know. Sin embargo, no todo es triste en el nuevo trabajo de Múm, puesto que también podemos dar con temas cándidos muy similares a ciertas producciones de Sigur Rós, como por ejemplo Sing Along, Prophecies & Reversed Memories, The Smell Of Today Is Sweet Like Breastmilk In The Wind y Hullaballabalú. En resumidas cuentas, el nuevo trabajo de los islandeses es, como siempre, un dechado de exquisitez, que aunque pueda mostrarse más orgánico que nunca, no por esto se aleja de su impronta distintiva.
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The Wooden Birds - Magnolia

The Wooden Birds es un proyecto encabezado por el norteamericano Andrew Kenny, quien fuera integrante de The American Analog Set, una banda de rock estadounidense que venía en activo desde 1994. De entre todos los emprendimientos en los que ha participado Andrew, puede que The Wooden Birds sea el más revelador, pues su álbum debut, Magnolia, no tardó en dar que hablar no sólo en Estados Unidos, donde se publico vía Barsuk Records, sino también en toda Europa, en la cual se distribuyó nada más ni nada menos que por cuenta de Morr Music. Es claro que no es una empresa unipersonal, sino una agrupación que se completa con Leslie Sisson, Chris Michaels, Sean Haskins y Jody Suarez.
Magnolia almacena doce pequeñas piezas en clave folk, que si bien son de una brevedad en algunos casos excesiva (sólo una alcanza los cuatro minutos), pueden ser tan sutiles y frágiles como agraciadas y pegadizas. Con vocales de Leslie, el tema apertura llamado False Alarm nos atrapa de buenas a primeras con su innegable desenfado y sus estribillos que no podemos dejar de corear una y otra vez, algo muy similar a lo que ocurre con la segunda pista, The Other One, la cual es interpretada, esta vez, por Andrew. A continuación siguen sucediéndose las piezas, intercalando vocales entre los dos cantantes principales, a veces con alegría ingenua, y otras, con cierta melancolía no exenta de naturalidad. Sin ser una propuesta pretenciosa, Magnolia gana puntos tan sólo por su simplicidad, pues la agrupación ni siquiera tuvo que tomarse el trabajo de hilvanar piezas suntuosas e interminables, sino que para causar impacto sólo le bastó dejarse llevar por la pureza evidenciada en su espontaneidad. El álbum debut de The Wooden Birds es, en definitiva, una propuesta indie que parece haber sido hecha justo a la medida de Morr Music.
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Klaus & Kinski x 2

Klaus & Kinski es una agrupación indie española que viene dando fe de su existencia desde el año 2006, tiempo en el cual había empezado a manifestarse audazmente en diversos concursos y festivales como Proyecto Demo, Lemon Pop o Contempopránea. El proyecto se inició de manera fortuita un año antes de su desenvolvimiento propiamente como banda, ya que, según apuntan sus integrantes en su myspace, la cuestión comenzó cuando Alejandro Martínez (actual líder) pidió a Marina Gómez que cantara algunas canciones de The Beatles para él, con el solo fin de estrenar el equipamiento de su estudio casero. A las reinterpretaciones siguieron temas propios y ya luego no se pudieron detener, de modo que sólo restó completar la banda con el acoplamiento de Paco Martínez (bajo), Antonio Viwe (teclados, guitarra acústica) y Daniel Martínez (guitarra).
Habiendo obtenido éxito en cuanto concurso se presentaba, finalmente el año pasado consiguió incorporarse a las filas del sello español Jabalina, y éste fue el encargado de publicar Tu hoguera está ardiendo, álbum debut de Klaus & Kinski. En su primer trabajo la agrupación recopiló muchos de los temas que venía interpretando desde años atrás en los festivales, y asimismo, sumó algunos inéditos. Puesto que ya gozaba de antemano con el visto bueno de la crítica, ésta no pudo menos que celebrar la publicación del disco, remarcando, por sobre todas las cosas, el irrefutable eclecticismo que se dejaba ver en él. Tu hoguera está ardiendo exhibió desde canciones en plan indie pop o electro pop hasta otras en clave folk-country, shoegaze e incluso bolero, en las que podía primar la alegría más radiante lo mismo que la oscuridad de la tristeza. Sin dudas la incertidumbre sobreentendida en el álbum, la vacilación entre pista y pista y el pletórico contenido de las letras captó, desde el principio, la atención de mucha gente, la cual se vio seducida por la desenvoltura de Klaus & Kinski a la hora de recorrer diferentes dominios musicales con suma pericia. Las catorce pistas del álbum debut lograron recabar un buen número de seguidores, los cuales aumentaron conforme la agrupación siguió adelante con sus presentaciones en vivo, por un lado, y, por otro, con la reciente liberación de un mini-cd.
Por qué no me das tu dinero es el nuevo EP de Klaus & Kinski, y se compone de cinco pistas enteramente propias que vuelven a arrastrarnos hacia los terrenos de su eclecticismo. Una vez más, nos topamos con su pop guitarrero nada más abrir el EP, aunque, en este caso, se hace ineludible recalcar que el tema apertura, Nunca estás a la altura, es, sin lugar a dudas, excelente. La segunda pista, que es la que da nombre a la reseña, también tiene lo suyo, tanto más cuanto que, tan sólo en lo que toca al bajo y a las guitarras del inicio, me ha parecido una versión acelerada de Digital de Joy Division. Te vas a enterar es un cálido bolero cuya línea de bajo recuerda justamente a Bolero de Ravel, aunque cuenta con la adición de la indecible dulzura de la voz de Marina, quien fue y vuelve a ser la mayor protagonista de Klaus & Kinski. La cuarta pieza, Shell for the morning, es otra muestra de su indie pop desenfadado, mientras que la última, El mejor idilio, cierra la reseña con las suaves cadencias folk que se ajustan maravillosamente a las lamentaciones de la cantante estrella. Puede que para muchos Por qué no me das tu dinero no sea más que otra exhibición no muy reveladora de la versatilidad de la agrupación, pero de fijo que para otros constituirá un progreso, algo así como el pequeño salto comprendido de un escalón a otro en esa gran escalera que supone ser la carrera artística de Klaus & Kinski.

Tu hoguera está ardiendo (álbum-2008)


Por qué no me das tu dinero (EP-2009)


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Windmill - Epcot Starfields

Matthew Thomas Dillon es un excéntrico artista inglés que si dio a conocer en el año 2006 bajo el curioso alias Windmill. Si bien sus primeras tentativas en plan indie no tuvieron demasiado alcance, su debut llegado un año más tarde, por el contrario, le valió un ascenso artístico descomunal. Melodic Records fue uno de los primeros sellos en apostar por Puddle City Racing Lights, pero no a mucho se sumaron cuantiosas firmas que se encargaron de propagar la ópera prima de este artista por España, Japón, Alemania, Estados Unidos y Canadá. El mayor impacto lo causó, sin dudas, en América del Norte, donde, según se dice, irrumpió con la misma fuerza con que anteriormente lo habían hecho artistas como Arcade Fire, Mercury Rev, Grandaddy o Flaming Lips.
El éxito de Windmill se debe, en principio, a su gran apertura de cara al fantástico mundo de las ideas, es decir, el del pensamiento mismo. Pero su infinita imaginación se ve asistida, obviamente, por su enorme maestría en lo tocante a la composición, y sólo después de unificar estas dos grandes virtudes, el artista logra desembarazarse de su preñez. Siendo así, para su segundo trabajo tuvo que obrar de la misma manera en que lo había hecho en Puddle City Racing Lights, y presentando otra vez su exquisito indie pop, ha vuelto con ánimos de superarse a sí mismo.
La confección de Epcot Starfields le valió a nuestro inglés un año de encierro voluntario en su hogar. Sólo después de haber obtenido el hilo conductor de su álbum, Windmill decidió sumar en calidad de colaboradores a Sara Rees (violonchelo), Tommy Heap (bajo) y Helen Page (vocalista), quienes dieron el último toque al material que luego recibió su edición final en los estudios Airtight de Manchester. La segunda obra de este artista gira en torno a ciertos recuerdos que, en medio de su soledad, lo embargaron por completo. La remembranza cardinal es aquella que da nombre al álbum, es decir, un recorrido por el parque Epcot (Disney) realizado en su más tierna infancia. Es de entender que el repaso de aquél viaje lo movió a pensar en que aquella época, en la cual no entraban en juego los malos recuerdos ni las responsabilidades de ningún tipo, fue, con toda probabilidad, la más feliz de su vida. No obstante, al contrastar los años de su niñez con los de su madurez y sumar a esto cierta visión universalista del ser humano, Windmill se ha envuelto, de forma irrevocable, en un sentimiento acentuadamente fatalista. Comienza recordando el paseo por Epcot; después rememora una excursión por el centro espacial Kennedy; a poco no puede evitar sacar a colocación al gran Carl Sagan, y enredando sus devaneos existencialistas con el visionado de la película Tron (Walt Disney-1982), en último lugar resuelve embarcarnos a todos en una nave espacial que por todo fin tiene el de librarnos de ese sufrimiento llamado vida… Es bien claro que todo esto suena pesimista, pero, por otra parte, no es más que la contrapartida de “la nueva esperanza” que había tomado la palabra en su primer álbum. Windmill ha forjado una obra que no sólo actúa como música, sino que también funciona como ejercicio filosófico; una obra bella por su tristeza y categórica por su fuerza...
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Ghost - Freedom of Thought

Grata sorpresa ha sido para mí dar con dos propuestas de hip hop a todas luces excelentes; ayer les presenté la primera, y ahora les traigo la segunda...
Ghost es el alias artístico del británico Simon Williamson, un artista que si bien recientemente acaba de liberar su álbum debut, Freedom Of Thought, venía en la producción aproximadamente desde el año 2003. Su interés por la música se remonta a sus años mozos, tiempo en el cual solía deambular por las noches de Manchester, Derby o Glasgow, como espectador inquieto, observando, disfrutando y, más que nada, recabando información para su futuro. En las iniciaciones del siglo XXI ya se encontraba ejerciendo de dj y conduciendo su propio programa de radio, Midweek Session, el cual era el único en dar cabida al hip hop en todo Londres. En el año 2003 liberó, mediante la firma inglesa Breakin Bread, su primer EP, Ghost Stories, y éste fue seguido por unos cuantos más que, finalmente, acaban de converger en su ópera prima.
Como artista inglés dedicado a la producción de música hip hop, es del todo probable que haya recibido fuerte influencia de Ninja Tune, sello que ha revelado, a lo largo de estos últimos años, a los artífices más calificados en lo que al hip hop incumbe. Freedom Of Thought da cuenta de un excelente hip hop instrumental, en el que, además de participar los MC's de turno, también sobresale el intenso sentimiento soulful que exhala de principio a fin. Algunas pistas destacan por estar embebidas de la psicodelia propia de los años setenta, mientras que otras, aparecidas en momentos claves del disco, se revisten de ciertas trazas épicas, por describir de alguna manera ese carácter ensoñador que adoptan. Bien mirado, el álbum se traduce como un conjunto admirablemente cohesionado, en el que ninguna de sus dieciocho piezas actúa como frontera con sus inmediatas, sino que se suceden una tras otra generando ambientes en algunos casos simplemente placenteros, y en otros, altamente etéreos. El debut de Ghost es, en definitiva, un disco que lo tiene todo: el espíritu soulful, los visos bohemios, el aire callejero y el cariz homérico.
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DJ Mitsu The Beats - A Word To The Wise

Mudando un poco los aires de esta Suite, hoy he decidido traerles un poco de hip hop, un sonido que aquí no ha tenido mayor protagonismo, pero que, en cualquier caso, no desestimamos en absoluto, tanto menos aún si se trata de una producción tan decorosa como la que les traigo.
Dj Mitsu The Beats es un artista oriundo de Japón, más exactamente de Sendai. Sus primeros pasos en la escena hip hop japonesa los dio como dj, y siendo que arrancó con muy buen pie, no tardó demasiado en alcanzar cierta notoriedad, pues sus sesiones daban cuenta de una excelente técnica de scratch, y recorrían un sonido hip hop altamente delicado, de grandes dosis de jazz, funk, afro y boogie. Dado su buen desempeño, enseguida se adentró en los terrenos de la producción, en la que se despachó con unas primeras reseñas que, sin mayores dificultades, al punto trascendieron incluso más allá del perímetro de la isla nipona.
Su álbum debut, New Awakening, llegó en el año 2003, y no fue más que el comienzo de una gran escalada artística... Fue tal el impacto de su obra prima, que ésta fue el punto en torno al cual giró su posterior discografía, pues durante muchos años fue objeto de diversas reconstrucciones que incluso fueron surgiendo en diferentes series de cuantiosos volúmenes. Entretanto, Mitsu siguó adelante con su desenvolvimiento como dj grabando numerosos cd-mixed's, de entre los cuales cabría destacar aquél perteneciente a la saga Blue Impressions, de Blue Note. Asimismo formó parte de algunos proyectos paralelos, pues despachó trabajos junto a Dj Mu-R, con quien además actualmente trabaja en el trío Gagle, el cual se completa con el hermano menor de Mitsu.
Después de haber sacado todo el provecho imaginable de su ópera prima, finalmente Mitsu se despachó con su segundo álbum en largo: A Word To The Wise. El nuevo trabajo sigue, ciertamente, la traza de su antecesor, aunque conviene señalar que, esta vez, el japonés decidió abrir un tanto su abanico estilístico, dando cabida a ciertos tracks que dejan de ser hip hop para convertirse en nu-jazz o downtempo. Pero su exquisito hip hop sigue primando, exhibiendo siempre su tan característica carga de jazz, soul, funk, boogie, afro, bossa, latin y demás. Otro aspecto a recalcar es el enriquecimiento que ha recibido por el lado de las profusas colaboraciones de diversos MC's y vocalistas tales como Grap Luva, Kev Brown, Cy Young, Maspyke, Jose James, Georgia Anne Muldrow, Mathematik, Dynamic Duo o Saukrates; artistas que, si bien a muchos de ustedes no les sonarán de ningún lado, resultan ser algunos de los más destacados de la escena hip hop contemporánea, y no sólo de la japonesa, ya que muchos de ellos pertenecen a circuitos europeos o norteamericanos. En suma, la nueva entrega es, a las claras, una infraestructura que se perfila a seguir los pasos de New Awakening, puesto que, con toda seguridad, también será el eje temático recurrente de futuras reseñas.
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Sébastien Schuller - Evenfall

Son realmente pocos los artistas que, venidos de formación clásica o jazzística, logran encontrar su lugar en ese gran chiste que es la escena musical contemporánea; la venerable alineación artística que recibieron cuando jóvenes, no es más que objeto de desdeño en numerosas esferas musicales actuales. Sin embargo, en el caso puntual del clasicismo, podemos decir que en más de una ocasión lo hemos visto encontrar fraternidad con la electrónica más refinada, y aunque los artistas que lograron consagrarse valiéndose de esta fórmula son más bien pocos, es claro que valen la pena... Entre los grandes baluartes que han sabido amoldarse a los tiempos que corren con la grandeza de su instrucción y todo lo que ésta conlleva, hoy quiero aludir a ese gran guitarrista, bajista, percusionista, pianista y cantante francés llamado Sébastien Schuller, todo un ejemplo de lo que es realmente un compositor.
Se dio a conocer en el año 2005 con su álbum debut, al cual, no sin cierto dejo de ironía decidió bautizar “Happiness”, un trabajo que confeccionó con la asistencia de su propia sombra por toda compañía… Solo con su soledad intentó plasmar su pequeña felicidad, que no por pequeña se le antojó menos exacta; no obstante, pocos adivinaron felicidad cuando de adivinar se trataba, y más les pareció una tristeza disfrazada… Su penuria la llamaron, y Sébastien, sin dar mucho crédito a lo que la gente decía, declaró que acaso todo fuera producto del caos que había traído la más inclemente de las lluvias todas…, y agregó que el sol que llegó después no pudo dar a luz más que a un arco iris que sólo brilló en blanco y negro… En efecto…, cosas por el estilo dijo en aquella primera ocasión, y ahora, cuatro años más tarde, vuelve para expresar que su situación no ha cambiado demasiado…, y hasta puede que no quiera en absoluto que eso suceda, pues como él mismo dijera hace algunos años atrás: la lluvia insiste en brillar como el sol…
Atendiendo al citado fragmento de su viejo tema, les puedo decir que ni en su primera entrega ni en la que nos concierne el artista se lamenta de cosa alguna, pues sus canciones son una oda de esperanza en medio de su desolación; por tanto su angustia no es tal, sino pasión; por ende su “caída” no es tal, sino un ascenso... Es probable que al encontrar en Evenfall esas delicadas pero doloridas cadencias de piano tan afines a las de Ólafur Arnalds aplastadas por la melancólica voz de Sébastien -quien se sumerge a profundidades que sólo Antony Hegarty o Patrick Watson pueden alcanzar-, concluyan en que su música es en verdad bastante sufrida, pero en su sufrimiento mismo se halla sobrentendida la resistencia obstinada, y tal es el desdoblamiento que debemos hacer para comprender por qué los títulos de sus álbumes resultan, a priori, un tanto desconcertantes… El artista no ha necesitado más que diez canciones para demostrar su determinación, y sirviéndose de su infinita pericia con la instrumentación y su enorme tacto con las programaciones electrónicas, ha vuelto a proyectar un maravilloso álbum totalmente personal, y, en consecuencia, de una intensa carga emocional… Y si piensan que toda esa emotividad avasallante que exterioriza no es otra cosa que sentimentalismo borreguil, recuerden aquel viejo dicho que reza… “la fragilidad de la copa no es debilidad, sino fineza”…
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Emanative - Space

Emanative es el proyecto del inglés Nick Woodmansey, uno de los hijos del mítico baterista Michael Woodmansey, quien en los setenta se contó entre las filas de la banda Spiders from Mars, la cual, por entonces, fue partícipe de un magnífico proyecto de David Bowie. Todo parece indicar que Nick heredó el talento de su padre, cosa que quedó evidenciada en el año 2006 cuando el viejo Woodmansey se reunió con sus dos hijos, Nick y Dan, para llevar adelante el proyecto 3-D en medio de lo que fue, tal vez, una suerte de evocación de Spiders from Mars. De aquella parte a esta, Nick no ha permanecido de brazos cruzados, sino que, luego del éxito de 3-D, decidió llevar adelante su propia empresa: Emanative.
El año pasado nos llegó el sencillo Petite Planète, un pequeño pero sugerente avance de lo que Nick venía elucubrando en su mente. Habida cuenta de que sólo se trataba de un adelanto, igualmente la reseña supo encontrar repercusión en la crítica especializada, pues hasta el suizo más erudito en lo que a los sonidos negroides afecta, se dispuso a esperar sentado la llegada del álbum que, posteriormente, se habría de abrir con el mismísimo corte del single inicial que él mismo había destacado.
Habiendo dado su aceptación desde el principio Gilles Peterson, finalmente no pudo menos que anunciar que Space, reciente debut de Emanative, se suma a sus favoritos de este año. ¿Pero cómo consiguió Nick ganarse los elogios del implacable Peterson nada más empezar? La verdad es que su álbum primero no fue cosa suya solamente, sino producto de la confluencia de Liz Elensky y Deborah Jordan (vocales y coros), Neville Malcolm (bajo y coros), Jessica Lauren (rhodes, piano y sintetizadores análogos), Ben Hadwen (saxofón, flauta, bajo y clarinete) y, por supuesto, Nick Woodmansey (batería, samples y producción). De semejante pluralidad de talentos entrelazados en forma de banda nació Space, un compendio de catorce agraciadas piezas presentadas en clave nu-jazz; un nu-jazz casi del todo orgánico en el que, por una parte, predomina la marcada sensualidad aportada por las herramientas de viento, y, por la otra, prevalece cierta carga de psicodelia manifestada muy pero muy sutilmente... Petite Planète es la pista que con sus tímidas insinuaciones cosmic-spaceways marca la pauta a seguir desde el comienzo mismo, y si bien a poco tardar damos con algunos cortes que de manera excelente suman ciertas dosis de funk a la ya declarada propuesta de tipo espacial, el esquema no se arruina, sino que, en cambio, se enriquece sobremanera. En definitiva…, el álbum es justamente lo que indica su título, es decir, un fragmento de espacio perdido en esta tierra, ó, más bien, una huida hacia la bóveda celeste… que no en vano la agudeza de la psicodelia bosqueja para nosotros, a lo largo de todo el disco, los principales rasgos del firmamento, un abismo de luces brillantes que se nos hace onírico a más no dar…
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Flunk - This Is What You Get

Flunk es una banda noruega integrada por Ulf Nygaard (programaciones y vocales), Anja Øyen Vister (vocales), Jo Bakke (guitarra) y Erik Ruud (batería). Los cuatro componentes se agruparon en el año 2000, y a finales del mismo cerraron contrato con Beatservice Records, sello noruego que desde mediados de la década de los noventa se venía dedicando pura y exclusivamente a revelar artistas electrónicos escandinavos. Habiendo obtenido firma patrocinante en los mismos inicios del siglo, el verdadero despegue de Flunk no llegó sino hasta dos años más tarde, y fue de la mano de una estupenda reinterpretación que la banda llevó a cabo del célebre tema de New Order, Blue Monday. El cd-maxi con dos versiones del referido himno más otro tema dio crédito a la banda, y ésta, sirviéndose de la buena acogida de su música, el mismo año liberó su álbum debut, For Sleepyheads Only. En el 2004 llegó su segundo trabajo, Morning Star, y éste fue seguido por Personal Stereo en el 2007. Finalmente, este 11 de mayo pasado se publicó el cuarto álbum en largo de estos noruegos: This Is What You Get.
En mi humilde opinión, la música de Flunk tiene dos grandes influjos de los que toma para sí lo mejor, a saber, la pasión nórdica y el espíritu escandinavo. Noruegos como los que más, estos artistas no dudan en recoger el desenfado de las producciones más poperas de Sigur Rós, y las ansias de experimentación evidenciadas en las incursiones más intrincadas de Björk. En This Is What You Get nos topamos con una colección de once excelentes temas en los que Flunk se las ingenia para recorrer prodigiosamente el pop en su vertiente más indie. Y es que dando oídos al disco advertimos piezas pop del más guitarrero, otras en plan electro-pop y, por supuesto, los infaltables segmentos experimentales, es decir, en clave IDM; sin embargo, el aire que prima a lo largo de toda la obra no deja de ser, en ningún momento, de carácter pop. Siendo exquisita la música del nuevo álbum, el galardón se lo lleva, una vez más, la vocalista Anja, ya que, si es que no la escucharon antes, entra en razón aclarar que esta mujer canta en un registro muy similar al de Björk, y si bien Ulf participa en algunas canciones, su compañera logra, sin dudas, opacarlo. La impresión irreprimible que nos deja el disco es que cada una de las pistas fue construida, explícitamente, para que Anja se luzca, pues a mayor atención puesta en la escucha, más grande la convicción acerca de que así fue. En suma, sea cual fuere el hilo que Flunk siguió a la hora de hilvanar la música de su This Is What You Get, el álbum no deja de ser un muestrario de lo que es capaz de hacer esta banda, cosa que en este caso expone maravillosamente a través de un agraciado e insuperable repertorio de canciones que, si es que faltaba más, se cierra con un sobresaliente cover de Karmapolice de Radiohead.
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Gustavo Colman presenta - Punta del Este deep Part III

Primero tuvo el buen tino de registrar su primera sesión en vivo, a la cual bautizó Punta del Este deep; poco más tarde nos prodigó la segunda parte de aquella pero, en esta ocasión, con ánimos de hacer más intimista su saga, al recording lo llevó a cabo en su propia casa; como todo meticuloso que se respete, no a mucho tuvo que despacharse con un grandilocuente interludio que, por supuesto, dio vía libre a la llegada de la tercera pieza de su serie: Punta del Este deep Part III. Y aunque todo el mundo dice que la tercera es la vencida, lo cierto es que los crepúsculos que tienen lugar a la vera del Atlántico son sumamente inspiradores, de modo que, sin género de duda, tengo para mí que Gustavo Colman nos va a seguir concediendo, de tiempo en tiempo, nuevas entregas estimuladas por el sugerente hechizo de la hora vespertina…
En una conversación por chat que mantuve ayer con Gustavo, éste me refirió que si bien consume con sumo agrado todo cuanto libera ese coloso llamado Plastic City, por momentos siente hastío no sólo de su música, sino de todo el 4x4 que surge hoy en día; de ahí que, sin correr derechito a rebuscar en viejas bateas, decidió seleccionar para su nuevo set tracks actuales que de una u otra manera nos lograrán remitir al house de los noventa… Siendo así, es de entender que no es una empresa tan sencilla, y pese a eso, podemos presumir también, que escudriñando un poco las últimas reseñas se puede, con algo de tacto y buen gusto, escoger un buen puñado de temas a fin de intentar condensar una sesión de carácter old school... Pero Gustavo no se ha quedado sólo en el intento, sino que dejó a su tentativa varada justo en medio de los sonidos más vanguardistas del momento y aquellos que mejor evocan los años dorados del house music. De esta manera, del mismo modo en que nos indica la artística de tapa en la que se advierte al sol llegando al final de su jornada, el dj orquestó la banda sonora perfecta para cortejarlo hasta más allá del horizonte…


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Ruby Throat - The Ventriloquist

Sin encontrar novedades de mayor relevancia andando la red, y en vistas de que el blog debe ser actualizado, me despacho con un disco que, inverosímilmente, se me había quedado olvidado en medio del desarreglo inicial de este año.
KatieJane Garside es, como bien se sabe, la estrella estelar de la banda británica QueenAdreena, cosa que no le ha impedido llevar adelante diferentes emprendimientos en paralelo por propia cuenta. Entre los diversos proyectos en los que ha participado, cabría señalar su enlace con Dan Schaffer y, por supuesto, aquel otro con Hector Zazou, el cual se registró poco antes de que el francés nos abandonara. Es de entender que por medio de sus empresas paralelas esta artista ha buscado, ante todo, abrirse camino hacia otros sonidos que de ordinario no le son permitidos explorar en su agrupación. Siendo así, Ruby Throat es el proyecto mediante el cual KatieJane más se ha alejado de lo que venía haciendo, pues como contraposición de la agresividad manifiesta en las producciones de QueenAdreena, finalmente la cantante pudo revelar su otra cara, es decir, su lado frágil, dulce y melancólico.
Ruby Throat surgió de propia iniciativa de KatieJane, aunque no antes de que ésta se tropezaran fortuitamente con el multiinstrumentista Chris Whittingham, hecho que ocurrió en Londres a principios del año 2007. Los dos artistas se articularon y comenzaron a trabajar en su álbum debut, el cual, luego de casi un año de gestación, se comenzó a liberar de forma independiente y limitada a finales del 2007 y comienzos del 2008. Posteriormente, dado el éxito obtenido por las distintas tiradas limitadas que el dúo había hecho de su faena, a finales del año pasado el sello Sleep Like Wolves decidió hacerse cargo de The Ventriloquist, de modo que por cuenta de la firma el álbum se empezó a publicar de manera oficial, y finalmente pudimos acceder a él.
El debut del binomio es una propuesta enteramente acústica, en la que, por un lado, valiéndose de su guitarra el propio Chris aporta las excelentes atmósferas melódicas, que bien se pueden descubrir en clave bristol o folk; por el otro, KatieJane dispone su magnífica voz en un registro por todos nosotros desconocido... Y es que esta cantante, cuya voz las más de las veces se revelaba cargada de frenesí y violencia, en The Ventriloquist decidió hacerse eco de las cadencias de la guitarra, adoptando un aire de sutileza que logra exteriorizar a través de una melancolía rayana en la tribulación, o mediante una candidez que no muy lejos pasa de la pureza... De este modo, KatieJane se ha descubierto como una artista totalmente versátil, no sólo capaz de alcanzar el arrebato más desmedido, sino también capacitada para lograr una enorme profundidad emocional que hasta nos puede recordar a ciertas incursiones de Hope Sandoval… The Ventriloquist es, por tanto, el disco más maravilloso y revelador que podemos encontrar entre los diversos proyectos paralelos de KatieJane; y si es que no se habían hecho de él, no pierdan esta oportunidad…


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Lukid - Foma

Lukid es el alias artístico del británico Luke Blair, hombre del cual apenas si se puede encontrar ninguna información en la red. Accediendo a su myspace, lo primero en lo que reparamos es en que se evadió bastante bien a la hora de redactar alguna información respecto de sí, aunque, por otro lado, también se puede decir que lo poco que alcanzamos a leer es, sin lugar a dudas, del todo revelador: sin hacer referencia a su relación con la música, por medio de una sola oración Luke nos señala que su infancia no fue del todo feliz; que antes que poner cuidado en él, sus padres tenía cosas más importantes que hacer y que, en suma, lo mejor era no ahondar en el tema y poner punto final a su proyecto de auto reseña. No obstante el resentimiento que parecen reflejar sus palabras, su música es, por el contrario, un dechado de armonía, que bien podría oficiar de banda sonora en una hipotética declaración de amnistía…
Se dio a conocer en el año 2007 con su álbum titulado Onandon, y, entre alguna que otra reseña menor, a principios de este 2009 liberó su segundo larga duración, Foma. Debido a sus influjos, que comprenden artistas como Boards of Canada o Autechre, su música se ha definido como hip hop instrumental de trazas jazzeras, lo que no deja de ser una ilustración un tanto precaria, pues la cuestión no es tan sencilla, tanto más cuanto que este hombre gusta de sumergirse de lleno en la experimentación… Como lo hiciera en su debut, en su nueva entrega Lukid nos presenta un complejo sonido compuesto de hondos colchones ambientales que flotan hechiceramente sobre enrevesadas piezas IDM, trip hop, dubstep o downtempo; las líneas de bajo sinusoidales aportan la energía mientras que, venidas de órganos o pianos, las melodías de carácter minimalista contribuyen a imprimir el hipnotismo que prevalece a lo largo de las once pistas. Aunque se podría decir que la música de este inglés goza de cierta versatilidad, antes bien, cabe aclarar que la profundidad y la delicadeza que consigue en ella la vuelve, indudablemente, totalmente única e inconfundible. Es bien claro que Foma no es una propuesta propia para el club, sino que, debido al cariz ensoñador que adopta, invita a abandonarse completamente a la relajación…
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Danger Mouse And Sparklehorse - Dark Night of the Soul

Ya en el año 2006 se había registrado una colaboración entre los norteamericanos Brian Joseph Burton, más conocido como Danger Mouse, y Mark Linkous, alias Sparklehorse, cuando este último acudió al primero en busca de asistencia para crear su álbum titulado Dreamt for Light in the Belly of a Mountain, el cual además terminó contando con otros importantes colaboradores. En vistas del buen resultado que habían obtenido actuando en conjunto, enseguida empezaron a correr los cuentos que afirmaban que, de un momento a otro, los dos artistas volvían a conjugarse. Mientras tanto, Danger Mouse y Sparklehorse se tiraban flores recíprocas, cosa que aumentaba más aún la expectativa y confirmaba, en medida de lo posible, los rumores que se daban. Sin embargo, el tiempo pasó y, finalmente, no tardaron mucho en expirar todas las esperanzas de verlos juntos una vez más.
Tres años después, cuando ya casi nadie recordaba aquél primer enlace, Danger Mouse y Sparklehorse no sólo han decidido reaparecer firmando un álbum en conjunto, sino que para la confección de éste han convocado a Gruff Rhys, Black Francis, Wayne Coyne (The Flaming Lips), Julian Fernando Casablancas (The Strokes), James Mercer (The Shins), Jason Lytle (Grandaddy), Nina Persson (The Cardigans y A Camp) e Iggy Pop; una confluencia de prestigiosos talentos actuales y grandes leyendas de la música que, sin lugar a dudas, tiene que tener, por fuerza, la facultad de dejar al álbum en algún punto a medio camino entre el atractivo contemporaneo y la magia épica. Dark Night of the Soul es justamente eso, una propuesta exhibicionista que, por esta misma razón, ya se pronuncia a ser una de la más ostentosas de este año. Recorriendo diferentes estilos con claro predominio por parte del pop, el disco entrelaza a las mil maravillas la electrónica de Danger Mouse con la tan conocida tristeza de Sparklehorse, a través de trece pistas de entre las cuales cada una goza de una identidad propia forjada por quien aporta sus vocales; no obstante, el disco no deja de ser un todo en concreto, claramente identificable como un cruce entre Danger Mouse y Sparklehorse que se vio enriquecido abismalmente con la participación de artistas intachables. Y si es que alguien necesita una última sugestión, les cuento que los videoclips correspondientes a este Dark Night of the Soul corren a cargo de ese gran cineasta llamado David Lynch.
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Yppah - They Know What Ghost Know

Tal y como les había anunciado el mes pasado cuando les facilité el EP Gumball Machine Weekend de Yppah, no habría de pasar mucho tiempo hasta que este artista liberara su segundo álbum en largo, They Know What Ghost Know… Y es que el bienhechor de Yppah, Ninja Tune, ya mismo está estrenando el álbum en el Reino unido, Japón y Australia, mientras que en función del éxito que su difusión obtenga en las referidas tierras a lo largo de todo este mes, posteriormente lo publicará en Estados Unidos… Indistintamente, el caso es que ustedes, sin importar de dónde sean, ya lo pueden conseguir en esta misma Suite.
Según ya había referido, la música de José Corrales Jr. se concierta a partir de grandes dosis de shoegazing, electrónica y soul y rock psicodélicos, exhalando, finalmente, un gran sentimiento big beat muy particular, que se yergue, principalmente, sobre percusiones orgánicas. Así diciendo, nos podemos hacer a la idea de que este They Know What Ghost Know se allana camino en el mismo sentido que su antecesor, aunque, tal vez, puede que logre recabar mayor profundidad. De entre sus principales influencias, esta vez Yppah decidió hacer mayor hincapié en el legado que él mismo recibió de My Bloody Valentine, de modo que a partir de este punto se puede comprender que el álbum constituye un apasionante acercamiento a uno de los más grandes exponentes del shoegazing… De este modo, el artista ha reavivado, para alegría de todos, esas guitarras que en medio de la psicodelia se realzan tan retorcidas como todopoderosas; tan capaces de corroer mentes como de embriagarlas con idilios ambientales abrumadores… Entre los espesos climas que en su “homenaje” logra vivificar, se entrelucen, como a duras penas, frágiles voces femeninas que, como exigidas sobrenaturalmente, consiguen emerger en medio de la densidad atmosférica con frases apenas balbuceadas, que confundiéndose en un todo avasallante, pasan totalmente inadvertidas por el oyente. They Know What Ghost Know es un disco que por medio de sus doce pistas exhibirá igual capacidad para sumir a quien lo escuche en el ensimismamiento más contemplativo, o levantar al abstraído del más inverosímil enajenamiento; un disco que, sea el caso que fuere en el que uno se encuentre, siempre operará de complemento emocional. Sin dudas Yppah se ha venido con ganas en este álbum, y siendo así, no menos que interés debemos poner en él…
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Laurent Garnier - Tales Of A Kleptomaniac

Si bien es un artista de origen francés, ciertamente Laurent Garnier dio el paso más trascendental de su carrera en Inglaterra, ni más ni menos que en el célebre club The Hacienda de Manchester. Es claro que desde su adolescencia venía pendiente de los cambios que se estaban gestando en la escena musical, y siendo que incluso él mismo había experimentado con la música por propia cuenta, la cosa se inició cuando en 1984 empezó a trabajar como camarero en la Embajada Francesa de Londres. A poco tardar, en 1987, el revelador y confuso panorama musical que tenía lugar en Inglaterra tiró de Laurent hacia el mismísimo meollo del asunto, es decir, hacia Manchester. El francés enseguida logró trabar amistad con el dj residente del club Hacienda, de suerte que no a mucho empezó a tocar bajo el alias Dj Pedro; y aunque sólo estuvo un año en el reputado club, es incuestionable que lo tal ofició como detonante de su prolífica y magnífica carrera.
A principios de los noventa se encontró nuevamente en Francia, y llevado del impulso que ya traía desde Inglaterra, comenzó a hacer de las suyas en su país natal… Al tiempo que echaba manos a sus primeras producciones, su segundo objetivo fue ganarse unas cuantas residencias en algunos de los más reputados clubes franceses, y, acto seguido, en 1994 logró abrir las puertas de su propio sello, F Communications, el cual nació gracias a la ayuda de su amigo Eric Morand. Con algunos EPS publicados, el mismo año de la inauguración del sello Laurent lanzó su álbum debut, Shot In The Dark, y a éste siguió su segundo trabajo, 30, en 1997. En las puertas del nuevo siglo el francés ya se encontraba más que afianzado en la escena electrónica, pues no sólo contaba con la aprobación de sus seguidores, sino que por entonces su notoriedad como dj-producer le había acarreado diversos galardones, que no sin merecerlos le fueron llegando, uno tras otro hasta el día de hoy.
El año 2000 vio surgir su tercer álbum en largo, Unreasonable Behaviour, y no fue sino hasta el 2005 que apareció su cuarto trabajo, The Cloud Making Machine. Entre tanto tuvimos un álbum en vivo, una retrospectiva y, a distancia de cuatro años sin novedades contundentes acerca de Laurent Garnier, recientemente acaba de llegar su quinto larga duración: Tales of a Kleptomaniac. Parece mentira que este artista, que en base a su trayectoria se ha sabido forjar una válida nombradía en la escena electrónica, recién sume cinco álbumes de estudio; ¿o es que se volvió prestigioso debido a su trastorno impulsivo, es decir, a fuerza de robarles el talento a los demás artistas, y ahora nos lo quiere contar todo? De la misma manera en que lo había empezado a hacer en su Unreasonable Behaviour, a través de estos “cuentos de un cleptómano” Laurent recorre una amplia gama de estilos que van desde trip hop y dubstep, pasando por break beat y drum and bass para llegar finalmente al sonido techno que lo catapultó a la fama. Esto ya no debe sorprender a sus seguidores, tanto más cuanto que en este nuevo trabajo las once pistas que lo conforman se encuentran a cuál más trabajada y mejor terminada; el hecho de que el viaje se suceda a través de diferentes registros no significa que pierda su atractivo, sino que, por el contrario, contribuye a fortalecerlo... Tales of a Kleptomaniac nos deja bien en claro que las capacidades de su hacedor están al cien por cien, y que, por tanto, hemos de tener Laurent Garnier por unos cuantos años más…
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L'Orchestre National De Jazz - Around Robert Wyatt

L'Orchestre national de jazz es un proyecto nacido en 1986 por iniciativa del Ministerio de Cultura francés, el cual, en aquel tiempo, era conducido por Jack Lang. La intención fue formar una orquesta que había de ser dirigida por un director artístico que, es de entender, debía de ser seleccionado por el propio Ministerio de Cultura, y su mandato al frente de la orquesta podía alcanzar hasta los tres años, con posibilidad de ser electo nuevamente. Siendo una empresa totalmente subvencionada por el estado, con total libertad para producir su música y divulgarla en todo el mundo, es bien claro que aún sigue en activo, y bajo precepto de su décimo director artístico, Daniel Yvinec, la big band acaba de liberar un nuevo álbum: Around Robert Wyatt.
Daniel Yvinec es un artista multiinstrumentista curtido en las escenas jazz y nu-jazz, en las que hace mucho tiempo viene desenvolviéndose tanto en calidad de solista, como así también en colaboración con otros artistas, de entre los cuales se cuentan grandes talentos como Ryuichi Sakamoto, David Sylvian, Hector Zazou, Suzanne Vega, Guillaume De Chassy o el dúo Dead Can Dance. Debido a su exuberante expediente, que a las claras lo señalaba como un artista idóneo para dirigir a la orquesta, el año pasado fue contratado para llevar adelante lo que se definió como “un proyecto audaz y exigente”, el cual consistía en reinterpretar composiciones de la mítica banda inglesa Soft Machine. Aparte de Yvinec, para la supervisión de semejante tarea también se sumó el propio fundador de la agrupación, Robert Wyatt, quien no sólo se limitó a controlar lo que se hacía de su obra, sino que, en compañía de unos cuantos artistas ajenos a Soft Machine y a la propia big band, también tomó parte en lo que se daba.
Tal como indica el título, Around Robert Wyatt es una suerte de reconstrucción de la faena de este precursor de lo que actualmente se podría abreviar como jazz-rock progresivo. Habida cuenta del cariz del emprendimiento, cabe señalar que el punto fuerte no es el hecho de reinterpretar algunos de los temas más representativos de Wyatt en clave jazz, sino que el quid se cimienta en la apertura de la big band, puesto que ésta, de cara a la confección del álbum, dio admisión a los cantantes Yael Naim, Rokia Traoré, Daniel Darc, Arno y Camille, al pianista Eve Risser y a la actriz Irène Jacob. Con una dirección intachable de Daniel Yvinec y una edición final no menos que de subrayar a cargo de Vicent Artaud, es evidente que la añadidura artística de calidad cinco estrellas ha concedido a las composiciones del inglés nuevos bríos; en algunos casos para bien, y en otros, puede que no tanto… De cualquier modo, saquen cuentas luego de reparar en que esto de los homenajes se la ha dado bien a L'Orchestre national de jazz, pues ya en el año 2006 había obtenido laureados reconocimientos por cuenta de un tributo a Led Zeppelin, y ahora, de mano de Around Robert Wyatt, ya está dando que hablar otro tanto…
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Park Avenue Music - By Hearts + Horses

Park Avenue Music es, en esencia, un dúo formado por los norteamericanos Wes Steed, quien se encarga de las elaboraciones electrónicas y los sintetizadores, y Jeannette Faith, vocalista y pianista. Si bien se trata de un dúo, durante el proceso de la elaboración musical suele contar con diversos colaboradores, entre los que por lo general se cuentan músicos de formación clásica. Y es que el proyecto tiene como objetivo construir música electrónica experimental de grandes dosis orgánicas, apartado, este último, en el que entra en escena la instrumentación real de cariz clásico. Se dieron a conocer en el año 2001 con su ópera prima titulada To Take With You, la cual fue seguida por For Your Home Or Office en el año 2004 y, finalmente, a mediados del 2008, apareció el álbum que les presento: By Hearts + Horses.
El sonido de Park Avenue Music, que en principio se mostraba cargado de electrónica y apenas si contaba con alguna adición instrumental, poco a poco se ha ido sometiendo al minimalismo, y siendo así, en su último álbum observamos cómo se ha invertido la situación, pues en él la pauta es marcada por el piano, y en torno a éste florecen lentamente tímidas construcciones electrónicas, principalmente pequeños clicks y demás sonidos glitchy's, que apenas si logran cosquillear nuestros oídos. En By Hearts + Horses, además de que Jeannette logró dejar bien en claro su infinito virtuosismo al piano, construyendo fragmentos que hasta nos pueden recordar a maestros como Satie o Sakamoto, Wes hizo todo el gasto imaginable de sutileza construyendo frágiles sonidos que por todo fin tuvieron el de acompañar armonizadamente a las mágicas notas del piano; también cabe sumar el talento de Gretchen Lehtonen al violonchelo, Harrison The Cat tocando las campanas y Gordon McIntyre, quien aporta sus vocales en la tercera pista. De este modo, el álbum se derivó en una avasallante poesía musical que se pronuncia a través de diez apasionados versos, los cuales, por momentos nos oprimen con su melancolía embriagadora, y en otros, nos avivan con segmentos rutilantes que no se logran olvidar así como así… Valdría decir que con esta obra narcótica han alcanzado el pináculo de excelsitud en su carrera, por lo que este es el álbum más exquisito de la faena de estos norteamericanos, cosa que bien merecida tiene…
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William Orbit - My Oracle Lives Uptown

Poco cabría decir acerca de este intachable artista inglés… William Wainwright, más conocido como William Orbit, viene en la producción desde mediados de los ochenta, y al día de hoy, en cuanto a ella debemos decir que no sólo se resultó en una inmensa y exuberante discografía, sino que este inglés además suma a su expediente diversas colaboraciones con celebérrimos artistas como U2, Madonna, Sugababes y tantos más. Su fórmula del éxito, por decirlo de alguna manera, siempre fue el ahondamiento en los terrenos de la música electrónica atmosférica, cosa que ha llevado adelante sirviéndose de bases house, trip hop, downtempo o breaks, alcanzando, las más de las veces, climas cuyas reconditeces le fueron proporcionando, a través del tiempo, la merecida distinción de la que hoy en día hace gala su persona.
En el año 2006 liberó su álbum número ¿?, Hello Waveforms, y seguidamente se tomó un pequeño retiro espiritual para retornar, en definitiva, este mismo año, con su My Oracle Lives Uptown. Como bien se sabe, la música de William Orbit no ha variado mucho con el paso del tiempo, no obstante lo cual, por el contrario de lo que se pueda pensar, tal parece que su constancia aún no ha cansado a sus seguidores, y su lealtad a la vieja escuela sigue todavía manifiesta, yendo más allá de los valores pasajeros. Como quien no viaja dos veces al mismo sitio, Orbit, por medio de su música, siempre nos ha sabido transportar a los más excelsos parajes de esta tierra, e incluso, más de una vez nos arrastró fuera de ella: My Oracle Lives Uptown no es la excepción. El nuevo álbum bien podría haber sido la banda sonora de la serie Cosmos, lo mismo que en nuestros días formar parte de algún proyecto de ciencia ficción; trazando atmósferas que van pendiente arriba con ánimos de tocar el sol, para poco después declinar hasta el fondo de abismos velados al común de la gente, las doce pistas de My Oracle Lives Uptown son, una vez más, una expedición hacia dominios subrepticios. Con la participación de unos cuantos vocalistas que apenas si llegan a susurrar alguna que otra frase, juegos maravillosos en los teclados, sutiles guitarras y unos pads eternos, lo nuevo de Orbit se vuelve perfecto como medio para realizar un gran viaje sin necesidad de llevar equipaje…
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Annakin - Torch Songs

Annakin es el proyecto personal de la vocalista y compositora suiza Ann Kathrin Lüthi, mujer que se había introducido en la música a mediados de los noventa como cantante de la agrupación trip hop Swandive, la cual se completaba con Lorenz Haas, Marco Neeser y Ali Salvioni. Siendo que junto a la agrupación llegó a grabar dos álbumes en largo y un cúmulo de reseñas menores, viene a colocación referir que debido al camino evolutivo que Swandive fue recorriendo durante su tiempo de vida, finalmente llegó por sí sola a una encrucijada, y en ésta tuvo que decidir entre abrazar directamente la música pop, o desarticularse; aproximadamente en el año 2002 cada cual marchó por su lado... Poco después, dado el amor que Ann profesaba a la música, resolvió iniciar su propia empresa como solista, y conjugando sus nombres adoptó el alias Annakin (que es bien claro que nada tiene que ver con aquel prominente caballero de la Orden Jedi), y valiéndose de él en el año 2007 lanzó su álbum primero, Falling Into Place, y recientemente acaba de despacharse con su segundo trabajo, Torch Songs.
Es de entender que Ann, aunque en principio no lo haya querido así, dio en extender la senda trazada por Swandive, y, como si faltara más, también se animó a dar el paso que aquella no quiso dar, es decir, se terminó adentrando en los dominios del pop. Si escuchamos su nuevo álbum no tardamos en advertir que, si bien lo suyo es el trip hop, su propuesta exterioriza ciertas trazas poperas, y es que tal es la idea que a la postre asaltó a esta artista. Siguiendo la fórmula utilizada en la confección de su debut, Torch Songs se deriva de una fusión de instrumentación real (batería, guitarras y las herramientas de viento de las que esta suiza tanto gusta, como flautas, clarinetes, trompetas o el fiscorno) y buenas cuotas de electrónica, cosa que en este caso no llevó adelante por sí sola, pues en este sentido cabe decir que mientras Jono Buchanan se encargó de la producción del álbum desde Londres, Annakin llevó a cabo la tarea creativa en Zurich, esta vez, asistida por Matthias Kräutli (baterista y cantante) y Adrian Weyermann (guitarrista y cantante). El apartado de las canciones, tanto por su origen como por su ejecución, corre enteramente por cuenta de Ann, pues por medio de ellas logra exteriorizar su profundo mundo interior, a veces con ciertas dosis de poesía, y otras, llevada de una irremediable melancolía… Por todo lo dicho, podemos figurarnos que su segundo trabajo no es una de esas ofertas de trip hop desasosegante, lo mismo que tampoco es un pastiche popero de poco vuelo, sino que halla un equilibrio entre ambos extremos, encontrando así sus seguidores, tal vez, entre aquel público colgado a medio camino…
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Nostalgia 77 Sessions Feat. Keith & Julie Tippett

Estas Sesiones, a las que hace referencia el título de la reseña, son la nueva empresa del inglés Benedic Lamdin, hombre bien conocido por todos nosotros. Para este ensayo, el protegido de Tru Thought ha decidido contar con la asistencia de su bajista del Nostalgia 77 Octet, Riaan Vosloo, y juntó a él se lanzó en miras de abordar esta colaboración con virtuosos de la escena jazzística. Siendo así, entra en razón aclarar que el asunto no gravita en la simple confluencia de talentos, sino que la idea de Benedic es efectuar una suerte de cruce generacional, de lo que se deduce que, sin lugar a dudas, los artistas invitados son, por fuerza, viejos veteranos vinculados al jazz. Para esta entrega, el inglés escudriñó entre sus grandes referentes, y tomando como punto de inicio una vieja grabación de un LP de 1971 llamado Septober Energy, intentó ponerse en contacto con algunos de sus artífices a fin de requerir sus aportes.
Septober Energy se contó dentro de las pocas reseñas liberadas por la big band británica Centipede, la cual, en su tiempo, era liderada por el pianista Keith Tippett, quien, para su creación, había reunido a más de cincuenta jóvenes ingleses. Entre los numerosos músicos de jazz y rock que constituían la big band, figuraba la esposa del líder, la cantante Julie Tippett. De aquella parte a esta, podríase decir que los artistas en cuestión han llevado a cabo un ampuloso desenvolvimiento en el panorama de la músical negra, que en suma, comprende poco más de cuarenta años, puesto que al día de hoy siguen en activo. Además de que en la actualidad participan en diferentes festivales de jazz, también forman parte de un proyecto educativo, cuyo propósito es compartir su vasta experiencia con artistas de las nuevas generaciones.
Por medio del referido proyecto movido por los Tippett’s fue como Benedic tomó contacto con ellos, y no a mucho comenzaron a trabajar juntos en la empresa Nostalgia 77 Sessions. Si advertimos que por un lado tenemos a Nostalgia 77, uno de los grandes baluartes del nu-jazz contemporáneo, y por otro, a los Tippett’s, grandes artistas que hicieron historia en el jazz y sus derivados, podemos comprender que la conjunción de tales peritos puede derivarse en una propuesta a todas luces tentadora. Juntos los cuatro (recordemos que también participa Riaan Vosloo), han tomado elementos de jazz, soul y blues, para urdir, con plataforma a medio camino entre acústica y experimental, una sesión claramente atemporal. Y si bien siempre se dice que el recíproco repudio entre distintas generaciones es cosa de todos los tiempos, bien mirada la intersección entre estas dos, podemos decir que estamos ante una axiomática excepción, pues la distancia generacional no fue obstáculo para que esta gente haya sabido encontrar afinidad a la hora de acoplarse con fines artísticos; y si es que tienen dudas, echen oídos a este Nostalgia 77 Sessions Feat. Keith & Julie Tippett…
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God Help The Girl - God Help The Girl

No sabría con certeza si lo primero que se gestó en la cabeza de Stuart Murdoch fue el guión para una película hipotética, o un buen puñado de canciones que a la postre dieron lugar a la posibilidad de que, a partir de ellas, se pudiera concebir un musical. Lo cierto es que la cuestión se inició en el año 2007, cuando a Murdoch se le ocurrió llevar adelante unas cuantas ideas que habían germinado en su mente, cosa que, por motivos personales, no podía madurarse por medio de Belle & Sebastian, sino que ésta debía adoptar un nuevo alias, y además requerir de la colaboración de tres vocalistas ajenos a la banda, que por motivos incógnitos debían ser dos chicas y un chico. A renglón seguido, el año pasado se hizo una audición mediante la cual los cantantes exhibieron sus virtudes reinterpretando un par de temas de los de Glasgow, y entre más de cuatrocientos comparecidos, finalmente la suerte corrió a favor de Catherine Ireton, Neil Hannon (The Divine Comedy), Britanny Stallings, Asya (Smoosh) y Dina Bankole, de suerte que la pauta inicial que indicaba que los vocalistas debían ser tres, perdió su efecto, y el elenco se amplió… Una vez seleccionados los cantantes, el mentor de todo esto facultó al compositor Rick Wentworth para que desde Londres éste se encargara de los arreglos orquestales, lo cual llevó a cabo dirigiendo prodigiosamente a una orquesta de más de cuarenta músicos. En último lugar, una vez Wentworth hubo despachado su material hacia donde se encontraba grabando la banda, Glasgow, los integrantes de Belle & Sebastian y adición se pusieron a trabajar, y finalmente ya estamos autorizados a confirmar que todo llegó a buen puerto, puesto que ya mismo circula por la red el álbum homónimo de God Help The Girl.
La intención principal de Murdoch era lograr remitirnos a las primeras producciones de su agrupación, idea que, paradójicamente, surgió a partir de una canción que según el propio escosés refirió, no podía ser de Belle & Sebastian. Al primer fragmento pensado por el artista, siguieron unos cuantos más, y en este sentido su concepción creció a punto tal, que no a mucho tuvo hilvanada lo que él mismo definió como “la espina dorsal de una narrativa musical”. De este modo, y aunque esta infraestructura sonora llevó unos cuantos años de gestación, lo primero que advertimos es que la lírica no está a la altura que Murdoch nos tenía acostumbrados, y asimismo, lo tal no hace mella en el acabado final del trabajo. Y es que las participaciones de los vocalistas, principalmente los aportes de Catherine y Neil, logran transmitir a las canciones fraguadas por el líder de Belle & Sebastian un inequívoco aire de exquisitez, e impregnando éste toda la obra, el remate se corona con los excelentes arreglos orquestales. Las piezas se suceden de forma inmaculada una tras otra, en algunas ocasiones recordándonos al pop de los años sesenta, y en otras, sonándonos de carácter más ochentoso. El álbum homónimo de God Help The Girl se podría abreviar como una suave y delicada conjunción de elementos propios del pop, el folk y lo que se conoce como modern classical; una unión de diversos géneros que sin dudas manifiesta, a voz en grito, todas las señas exclusivas de Belle & Sebastian, lo que no es óbice para agregar, además, que lo que siempre distinguió a los de Glasgow ahora surte mayor efecto debido a la añadidura de nuevos talentos, encontrando así, tal vez, mayor trascendencia. Puede que se eche en falta la propia voz de Murdoch, pero luego de unas cuantas escuchas esta falencia se ve reparada, e incluso podemos percibirnos más enriquecidos que de ordinario. Por lo demás, lista ya la música y complacido ya el público, sólo resta depositar nuestras esperanzas en la película que tendrá como eje temático a este espectacular soundtrack, que si no me equivoco, se empezará a rodar a principios del año 2010.
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My Toys Like Me - Where We Are

De la propia iniciativa de los londinenses Lazlo Legezer, hombre que a la sazón contaba con un buen prontuario remitido por la escena sound system, y Frances Noon, vocalista cuyas virtudes eran indispensables a la determinante hora de consolidar una empresa del cariz que ésta iba tomar, nació, a principios del año 2006, el proyecto My Toys Like Me. Su carrera artística se apuntaló, en principio, sobre la vitalidad de la cual siempre supieron hacer gala en sus presentaciones en vivo, tanto más cuanto que sus publicaciones han sido menores e insuficientes todo este tiempo, y por cuenta de ellas no han tenido demasiado alcance. No obstante, a medio camino entre sus inicios y los días que corren, el dúo original incorporó a Charlie Boud y Alfonso Pisanelli, y junto a ellos pusieron manos a la obra y ya mismo tienen a punto su álbum debut, Where We Are, el cual será lanzado al mercado oficialmente el próximo 11 de mayo, por cuenta del sello inglés Dumb Angel.
Puesto que el álbum se deriva de una conjunción de diversos estilos musicales como dub, trip hop, club, electro y otros más, el clasificar su música dentro de un solo apartado se nos hace, ciertamente, una proeza imposible. Las once pistas constituyen un animoso desplazamiento que nos puede remitir a la escena rave de los noventa por medio del abuso de líneas de bajo y sintetizadores propios del drum and bass de aquella época, lo mismo que reubicarnos en el presente con un synth-pop sumamente innovador, que en muchos casos incorpora el ruidismo proporcionado por los clicks y cortes; y es que a este respeto Lazlo ha rebuscado dentro de su propia caja de juguetes preferidos, y a partir de los elementos encontrados, ha reinventando lo que tenía en sus manos con la ayuda del resto de los integrantes. Frances, por su parte, cuenta de una disposición excepcional para cantar en diferentes registros, de modo que conduce este viaje de manera única, sin quedarse a la zaga en ningún recodo del intrincado camino. Por momentos, debido a ciertas incursiones de Frances, he dado en recordar a Lily Allen, y ante el desconcierto, mi mente finalmente tradujo toda la cuestión como si se tratase de una Lily Allen ciertamente más evolucionada, palpablemente vanguardista. Por lo que resta, sobre seguro que Where We Are terminará de persuadir a los que ya venían siguiendo a estos ingleses, mientras que para aquellos que no conocían a My Toys Like Me, seguramente el álbum constituirá una grata invitación a embutirse de lleno en la escena poptrónica…
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Intima - Revolver Club (Promo - 1 track)

Tiempo atrás los chicos de Intima lograron despertar nuestra adormilada atención de cara a la escena electrónica nacional con la buena nueva encarnada en la inminente llegada de su nuevo álbum, y de ahí a esta parte, sin compasión, nos han mantenido irremisiblemente a la expectativa. Sin embargo, como viejos conocidos que somos, la agrupación nacional integrada por Sebastián Cohn, Carlos Solá y Salvador Reynoso, recientemente tuvo a bien facilitarnos un track masterizado del todavía no estrenado Revolver Club, a modo de adelanto exclusivo tanto para nosotros, como así también para todos ustedes. Si bien estamos ante una sola pieza, debo agregar que se trata, nada más ni nada menos, de la que da nombre al cuarto trabajo de Intima, en el cual aparece como novena pista entre las doce que lo forman...
Rayando los siete minutos, el track homónimo del álbum nos insinúa una incuestionable apertura estilística, sin que por esto nos podamos figurar que el álbum no se corresponde con la impronta propia de Intima, o se pueda llegar a alejar de la identidad que ésta se ha forjado. Estamos hablando de un excelente tema de neto corte house que cuenta con los vocales improvisados de Ignacio De Lamadrid, un cantante retirado que en los ochenta formaba parte de la banda Desechos Humanos. Incluso, a mi colega de equipo Gerardo López, el track lo supo remitir a ciertas producciones de X-press 2, de modo que ya nos vamos haciendo una idea de lo bien que pinta esto… Salvador, por su parte, refiere que el disco es un crossover de estilos, siendo que para su elaboración han dado en combinar elementos de diferentes géneros, entre los que se cuentan el house, el electro y por supuesto, el big beat que ha impregnado toda su obra. De este modo, el álbum reúne piezas que en algunos casos pueden llegar al 4x4, y en otros, exhibirse con bases breaks, marca tan distintiva de estos artistas.
Pero el cambio no sólo se limita a la extensión en el plano estilístico, sino que desde el vamos estos chicos han encarado toda la cuestión desde otra óptica. Teniendo en cuenta que antes se basaban en samples que luego reforzaban con una puesta en escena del todo orgánica, en Revolver Club, llevados de sus ansias de experimentación, han irrumpido en los propios hogares de artistas nacionales tales como Miguel Silver (Spitfire), Diego Baus (Pánico Ramírez), Christian Aldana (El Otro Yo), Richard Coleman (Los 7 Delfines), Daniel Melero o el mencionado Ignacio De Lamadrid, entre otros, en compañía de un micrófono y una notebook, a fin de que cada artista improvise una canción inspirada en un sonido cualquiera. Es de entender que cada uno de los visitados poco entendía de la cuestión, de modo que al punto empezaba a renegar diciendo cosas por el estilo de… “¡pero si no hay música…, ni tampoco letra!”... El caso es que, una vez grabadas todas las canciones en off, los integrantes de Intima encontraron sugestión en ellas, y así, de manera elocuente, confeccionaron su Revolver Club, un álbum que de fijo no sólo conservará fieles a todos sus incondicionales, sino que hasta puede que logre ganar simpatía dentro de un nuevo público...
A partir de la semana que viene se irán revelando, poco a poco, los demás tracks del nuevo álbum a través de www.intimanet.com.ar, la web de Intima. De momento, se tendrán que contentar con el tema que les facilito, el cual, si bien colmará las expectativas de muchos, sin dudas también los dejará con ganas de más. En cualquier caso, servirá para salvar el tiempo hasta la liberación de Revolver Club, que si bien ésta será en 15 días, su presentación oficial, en cambio, tiene fecha para el 18 de junio próximo, y se llevará a cabo en Niceto Club a las 20:30 hs. Por lo demás, les voy adelantando que el disco ya está encontrando su buena y merecida repercusión: entre la crítica especializada ya se habla sobre Revolver Club como uno de los discos de música electrónica nacional más interesantes de este 2009, mientras que respecto a él Daniel Melero dijo… “la mente es un lugar aburrido, esta es la tranquilidad del caos”.

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Fredrik - Na Na Ni

Fue en Malmö, Suecia, que corriendo el año 2006 se formó la banda Fredrik, mediante la unión de Fredrik (voz y guitarra acústica), Fredrik (voz y guitarra eléctrica), Anja (violonchelo), Jerker (bajo), Mikael (batería) y Lindefelt (voz, banjo, acordeón y efectos audiovisuales). Debido a que entre los miembros se cuentan dos de igual nombre, asumimos que han tomado a éste como distintivo propio por esa sencilla razón, tanto más cuanto que uno de los dos, Fredrik Hultin, es el vocalista principal, además líder de la agrupación. Puesto que sólo conozco los nombres de pila de la mayoría de los integrantes, a este respecto no he podido recabar más información relevante, pero bien que puedo referirles algo relacionado a su discografía y a su música.
El álbum debut de Fredrik, Na Na Ni, se publicó, con previa liberación de algunas reseñas menores, a principios del año pasado por cortesía de Jezebel Recordings, una pequeña firma sueca. Sin embargo, si bien el sello no tenía demasiado alcance, la música de estos artistas fue ganando terreno lentamente, y al tiempo que se sucedían los meses, Na Na Ni iba conquistando nuevos dominios; primero fue Europa, y no a mucho Estados Unidos… Habida cuenta de lo expresado, ya era tiempo de que incluso nosotros nos enteremos, y mientras esperamos que se terminen de publicar unos EPS que en este momento se están liberando también por cuenta de Jezebel Recordings, les traigo la obra prima de Fredrik.
Cuando se habla de buena música, es bien claro que el tiempo no es una variable que pueda ir en detrimento; de cualquier modo, en este caso es sólo un año... Na Na Ni es desde todo punto una obra sin desperdicios; un trabajo a todas luces gratificante y enriquecedor. El cabo del asunto estriba en que el virtuosismo de la agrupación es inequívoco, pues buena maña se da conjugando lo mejor de los templados paisajes suecos, con aquellos que se corresponden a las frías tierras islandesas; movidos por la psicodelia, la alegría o la nostalgia, lo mismo rinde su capacidad... Apenas empezar su andar el disco, nos topamos con unas primeras pistas que, sin lugar a discusión, bien podrían haber sido firmadas por Sigur Rós, que de fijo nadie se enteraba; a poco tardar aparecen otras que, en plan experimental o psicodélico, nos remiten a diferentes artistas que aún siendo dispares entre sí, no dejan de ser aquellos que sin mácula constituyen la mismísima pasión nórdica. Piezas post-rock, folk, indie pop y experimentales en las que predomina el toque orgánico, se aglutinan en un mismo álbum, bajo la para nada desapasionada traza que sólo Fredrik puede delinear; un álbum que de seguro logrará sumergirnos en la mismísima trama de un cuento de hadas ensoñador...
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Ólafur Arnalds - Found Songs

Como si la fecundidad islandesa fuese en verdad infinita, no es mucho lo que espera esta tierra para concebir nuevos talentos, y éstos, por su parte, movidos por sus ansias de retribución, al punto encuentran el modo de manifestarse, a fin de exaltar así las bondades de su país. Entre las innumerables revelaciones a cargo de Islandia, hoy tocó el turno de hablar de Ólafur Arnalds, un artista que se dio a conocer mundialmente en el año 2007 con su ópera prima titulada Eulogy For Evolution, un modelo ejemplar de lo que podríamos definir como modern classical nórdico... Ahora bien…, aunque su fachada de visos clásicos es la que lo llevó a presentarse como un artista de lo más fino y sensible, como contrapartida Ólafur ostenta una cara más, la cual bien podríamos ubicar en el extremo opuesto de su talante principal. Y es que, si bien podrá sonar a cuento, este hombre también es baterista de la agrupación Fighting Shit, la cual suele recorrer los dominios del heavy metal más hardcore. Sin embargo, Ólafur no cree que el antagonismo sea tan patente, pues, como el mismo dijo en una ocasión, “algunos sentimientos deben ser exteriorizados en forma agresiva, mientras que otros, deben serlo de manera melancólica”. El quid de la cuestión radica en que tanto clásica como hardcore, sigue siendo música, si bien, sin atender los posibles arranques metaleros de este artista, conviene decir que de cara a la música mejor se le da la sensibilidad, pues llevado de ésta fue como logró darse a conocer más allá de las demarcaciones de su país.
Con ganas de que conozcan a Ólafur Arnalds, he decido traerles su reseña más reciente, a la cual, más allá de su calidad exquisita, decidí favorecer por la curiosa forma en que se originó. Acaso en miras de probarse a sí mismo, o simplemente con la ambición de hacer público su talento al punto de que toda duda se disipe en la nada, lo cierto es que Found Songs es producto de una suerte de ensayo que el artista llevó a cabo durante los siete días que fueron desde el trece al diecinueve de este mes. La cuestión consistió en que antes de que el reloj marcara las 00:00 hs que de ordinario cierran cada jornada, el artista debía colgar un tema en el sitio http://foundsongs.erasedtapes.com; incluso, en el transcurso de esta maratón, Ólafur dio total libertad al público, a modo de, si es que alguno de sus fragmentos no se acababa en el tiempo estipulado, la gente bien podía enviarle un correo echándole en cara su fanfarria, o simplemente mandarlo de paseo con sus cuentos a otra parte... Sin embargo, nadie pudo permitirse semejantes gustos, pues tal y como había dicho el artista, cada pieza apareció con suma puntualidad, y este diecinueve de abril pasado ya estuvo todo terminado y Ólafur se salió con la suya. En honor a la verdad, debo confesar que aquella semana me la pasé a la expectativa, como un rapaz al acecho, a la espera de que la escalada exhibicionista de este señorito se viera frustrada de un momento a otro, pero el caso es que no pude hacer más que observar cómo se sucedían los fragmentos puntualmente, con la añadidura de que cada nueva pieza iba simbolizando la superación misma de su hacedor, al tiempo que a mí me hundían cada vez más en la abyección... Por esta misma razón, siendo que de momento los siete temas sólo se pueden conseguir en la web que mencioné más arriba, donde se los puede descargar uno por uno de forma totalmente gratuita, me tomé la libertad de adjuntarlos en un solo archivo, a manera de saldar mi falta y ahorrarles todo el trabajo a ustedes. Posteriormente se editará un vinilo con los siete temas, el cual incluso podrá contar con artísticas nuestras, ya que, el propio Ólafur dejó abierta la posibilidad de que, si es que algún tema logra inspirarnos un dibujo, una fotografía o una pintura, el material le sea enviado, que más tarde él mismo seleccionará algunos de los bocetos a fin de hacerlos parte de la artística del vinilo.

http://rapidshare.com/files/226140159/_lafur_Arnalds-Found_Songs__2009_.rar

Patrick Wolf - The Bachelor

Dado que desde su infancia recibía clases de violín y tomaba parte en el coro de una iglesia, se podría decir que este artista londinense se devino a partir de una alineación estrictamente clásica. Iniciándose así, Patrick Wolf no tardó en adquirir la pericia necesaria para desplegarse admirablemente con diversos instrumentos, de forma que, en su adolescencia misma, empezó a desenvolverse junto a diferentes agrupaciones. A los 16 años, justo al tiempo que comenzaba a escribir sus propias canciones, decidió abandonar la casa paterna con ánimos de lanzarse en pos de encarar una vida de libertinaje, viviendo al día en cualquier rincón de Londres. Salvando las circunstancias que lo llevaron a tomar tal decisión, fue Kristian Robinson quien por aquellos tiempos lo descubrió tocando en un recital, y poco más tarde resolvió producir su álbum debut, Lycanthropy, el cual se liberó en el año 2003.
Dos años después del debut llegó su segundo trabajo, Wind in the Wires, y a poco el tercero, The Magic Position, el cual se publicó en el año 2007. Luego de su tercer disco, Patrick anunció que abandonaba el mundo de la música porque ya estaba que no cabía en su hartazgo por la presión, las drogas y el Diablo sabrá qué más… Desde el vamos sonó bastante teatral su comportamiento, tanto más cuanto que él no era un artista comercial que pudiera tener que hacer frente a semejantes conflictos, o franquear ataques de histeria debido a la presión. Siendo así, no fue demasiado lo que tardó en desandar lo andado volviendo sobre sus propias palabras, alegando que desde todo punto había sido malentendido, y que sólo se trataba de un pequeño retiro espiritual, el cual lo ayudaría a volver con nuevos bríos…, o algo por el estilo.
En principio, la nueva entrega iba a ser un álbum doble titulado Battle, pero finalmente el artista decidió partirlo en dos y lanzar una parte este 31 de mayo, y la otra el año próximo. Si bien Patrick publicó sus anteriores trabajos de manera tradicional, por cuenta de diversos sellos, para la producción y difusión de The Bachelor, ha optado por una actitud más acorde a los tiempos que corren… Al igual que lo hiciera Radiohead con su disco In Rainwobs, Patrick se inclinó por ir un poco más lejos, solicitando a sus mismísimos seguidores que produzcan su disco donando dinero por medio de la web Bandstocks.com, bajo juramento de que cada uno de los donantes posteriormente recibiría una copia del disco. De este modo, el artista pudo llevar a cabo la producción y distribución de su nuevo trabajo, el cual, vendría a convertirse en el primer segmento de sus impresiones sobre el amor y otros infortunios propios de la raza humana, ya que, de manera conceptual, ha decidido ahondar sobre las referidas desdichas. Para esto, más allá de lo que pueda indicar la carátula tan espantosa, ha mudado su aspecto de tal forma, que hasta parece rozar lo dark-gótico, cosa que incluso trasladó a su música, la cual, si bien se presenta más oscura que de ordinario, en este caso recorre una gama estilística más amplia. Entre los catorce temas de The Bachelor, podemos encontrar piezas electro-pop, indie rock, folk rock y más, siempre cubiertas de un inequívoco aire celta, que logra manifestarse a través de los arreglos orquestales, principalmente por medio de los violines. Cabe decir además, que si bien sigue siendo Patrick Wolf, esta vez, seguramente debido a que el álbum fue financiado por sus simpatizantes, el inglés no pudo avanzar en su experimentación sonora, sino que, en miras de gustar a todos sus fieles e incluso ganar un nuevo público, prefirió tornar su música ciertamente más accesible... Es de entender que haciendo así, el inglés ha intentado complacer a la mayor cantidad de fans posibles, y hasta puede que lo haya conseguido…
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The Young Lovers - The Young Lovers

The Young Lovers no es más que una de las cuantiosas caras del inglés Joshua Harvey, quien desde la apertura del siglo XXI viene manifestándose bajo su propio nombre o diversos seudónimos como The Things, Tomorrow People, Voodoo Chilli, Count Of Monte Cristal, Action Man y Hervé. Contando apenas con 29 años, este multifacético artista se acredita, al día de hoy, un cúmulo de reseñas, las cuales, de forma más que grandilocuente, han sabido recorrer todas las ramificaciones de la música electrónica. Sin embargo, por cuenta de su proyecto The Young Lovers, ha decidido abandonarse por completo a la contemplación, confeccionando música enteramente inspirada en la estética del amor.
Desde hará cosa de unos tres años que Joshua viene cargando a sus espaldas con su emprendimiento The Young Lovers, pero sólo había liberado alguna que otra reseña menor, y no fue sino hasta este 2009 que se despachó con su primer álbum en largo, al cual decidió bautizar homónimamente de manera más que acertada, pues se trata del muestrario de un sonido que sólo puede ser de nadie más que de The Young Lovers. Sirviéndose de samples de swing, jazz, blues y latin, Joshua ha elaborado doce pistas espléndidas, que rebozan calidez y romanticismo; ya cristianizándose en plausibles piezas de jazz-house por el estilo de las de Saint Germain, ya convirtiéndose en categóricos fragmentos de nu-jazz, downtempo o trip hop afines a los de Minus 8 o Kid Loco, la cuestión estriba en que su música debe ser desde el vamos apasionada, propia para ser oída por jóvenes parejas de amantes. Y es que si bien el disco vaga a través de diferentes estilos, no deja de ser un todo en sí, pues he aquí que, todas y cada una de las pistas, tienen como común denominador el frenesí pasional, y, por consiguiente, la intensa sensualidad. Tengo para mí que este álbum no despertará simpatía sólo en parejas, sino que será objeto de delectación para todo el que haya aprendido a disfrutar de las producciones electrónicas de visos jazzeros más excelsas…
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Pupkulies & Rebecca - Burning Boats

Pupkulies & Rebecca es un dúo alemán integrado por Janosch Blaul y Rebecca Hannah Gropp; el primero de los integrantes, llegado a la producción desde la escena hip hop, en tanto que la segunda, venida de una formación jazzística, también había sido algo curtida en el circuito hip hop. Por su parte, Janosch Blaul abordó formalmente la música recién en el año 2002, cuando comenzó a trabajar como mitad de la dupla Strassmann, la cual se completaba con Aljoscha Schohe. El sonido de estos dos hombres, si bien de trazas minimalistas y ambientales, era estrictamente electrónico, por lo que no le costó demasiado encontrar casa, y ésta fue la firma alemana Normoton... Con todo, luego de que Strassmann liberara unas cuantas reseñas, fue en el 2005 que entró en escena Rebecca, quien trabó relación con Janosch, y juntos los dos, no a mucho decidieron principiar su propio emprendimiento.
En vistas de la buena relación que existía entre Normoton y los miembros de Strassmann, el vínculo no se quebró, puesto que la firma decidió apadrinar al naciente proyecto Pupkulies & Rebecca, y desde sus principios a la actualidad, ha editado todos sus trabajos: The Way We (2006), Beyond The Cage (2007) y el tercer álbum de estudio de estos alemanes, el reciente Burning Boats. Musicalmente hablando, su álbum debut había sido fuertemente influenciado por el legado de Strassmann, el cual aparecía manifiesto en Janosch, y éste, por fuerza, arrastraba tras de sí a su compañera; no obstante, salvado su primer trabajo, el dúo se consolidó como tal, y poco a poco fue delineando un sonido más personal.
Mientras que Janosch va con las programaciones electrónicas, Rebecca se encarga tanto de los vocales como así también de la guitarra y el bajo, de modo que, sin haber demasiados secretos, se podría decir que el sonido de este proyecto procede de una fusión de bases minimalistas de house, guitarras acústicas de ciertos aires folk, oscilantes líneas de bajo y los vocales poperos de Rebecca, quien canta en inglés lo mismo que en francés y alemán. La sencillez no es mayor impedimento para que Pupkulies & Rebecca vuelva su sonido un tanto más complejo, llevándonos así a través de un recorrido que en su itinerario tiene franquear pistas minimal house, downtempo o simplemente chill out, las cuales encuentran su punto medio en los vocales de Rebecca, y es que ésta, llevada de su calidez y delicadeza, logra conferirles el toque pop, definiendo de tal forma toda la cuestión. Siendo así, Burning Boats se deriva de todo el referido procedimiento, y recorriendo sus doce canciones, llega a ser, con toda probabilidad, el mejor trabajo de Pupkulies & Rebecca a la fecha.
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Nuspirit Helsinki - Our Favorite Things

Cuando el año pasado iniciamos la cuestión de este blog, durante el transcurso de los primeros meses me tomé la libertad de colgar el álbum homónimo de Nuspirit Helsinki, ya que, si bien el disco se remontaba al año 2002 y era el único álbum en largo de estos artistas, lo consideraba y aún lo considero un gran referente del nu-jazz. Si es que no saben de qué estoy hablando, Nuspirit Helsinki es una agrupación finlandesa, disuelta ya hace un par de años…, o al menos tal creía yo... La cosa es que, mientras yo había enterrado en el olvido a estos artistas, recientemente acabo de darme de cara con esta reseña: Nuspirit Helsinki-Our Favorite Things. Sí, y aunque date de finales del año pasado, el caso es que recién la descubrí, y me dio bastante que pensar…
Sólo estamos ante un disco compilado por Nuspirit Helsinki, lo que nos lleva a pensar que detrás de todo esto debe haber al menos uno de los miembros del sospechosamente desintegrado conjunto, ¿no es así? Tal parece que Tuomas Kallio, quien había sido uno de los fundadores de la agrupación, es el hombre que buscamos… Sí, el año pasado el finlandés fue convocado por la firma yanqui ObliqSound, la cual lo invitó a inaugurar una serie de compilaciones que el sello iba a despachar vía Backdrop, uno de sus sellos subordinados. De esta manera, bajo la premisa que sugería que el artista debía desempeñarse encontrando inspiración en grandes series como Late Night Tales y Back To Mine, Tuomas fue quien principió Our Favorite Things.
La primera entrega de Our Favorite Things es refinada en grado sumo, pues en ella priman la sutileza y la calidez... Tomando un buen puñado de artistas cuyos sonidos encarnan el espíritu escandinavo, tales como Aisha Duo, Trentemøller, Korpi Ensemble, CocoRosie, Detektivbyrån, Flügelschlag! y demás, Tuomas consiguió exteriorizar estupendamente “sus cosas favoritas”. Por medio de diez temas afinadamente seleccionados, la primera entrega nos logra llevar de recorrida por los más excelsos panoramas escandinavos; salvando suaves tramos folk, delicados intervalos electrónicos y algún que otro trecho cargado de jazz, la travesía dirigida por Tuomas Kallio se nos hace como de novela… Y presten especial atención al track de Korpi Ensemble, A Moment of Love, ya que éste se encuentra reinterpretado por el propio Kallio, lo que nos mueve a pensar… ¿acaso se volverá a ensamblar Nuspirit Helsinki, ó, cuanto menos, será posible que vuelva a la actividad aunque sólo sea por voluntad de Tuomas Kallio?
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Mouthful Of Bees - Mouthful Of Bees

Mouthful Of Bees es una banda indie norteamericana, la cual comenzó a dar sus primeros pasos en el año 2005. Según refiere el sello que decidió apadrinarlos, Afternoon Records, la agrupación se formó a partir de la iniciativa de los hermanos Chris y Katelyn Farstad, pues éstos, hastiados de mirar desde afuera la escena indie de Minneapolis, resolvieron requerir la asistencia de sus amigos, Micky Alfano y Mark Ritsema, en miras de constituir su propia agrupación. De este modo dieron apertura a su despliegue, iniciando una suerte de revolución que en poco tiempo los llevó a ganarse primero su ciudad, Minneapolis, pronto al estado de Minnesota y, por último, su país entero. Las primeras producciones de Mouthful Of Bees no tardaron en remontar posiciones en diversos charts de importantes emisoras yanquis, de modo que también, a poco tardar la agrupación empezó a recibir premios de toda índole. La coronación de la banda llegó en el 2007, por mano de su álbum debut, The end, y éste le valió no sólo la aceptación, sino que le dispuso un merecido lugar entre las mejores y más respetadas agrupaciones indies de Estados Unidos.
Un año después de su debut, se echaron a trabajar en su segundo álbum, el homónimo de la agrupación. Para esto, llevados de sus irrefrenables ánimos de superación, los cuatro integrantes decidieron solicitar la colaboración de Patrick Swanson y Simon Larson, y en compañía de éstos hilvanaron su segundo trabajo. Si bien la nueva entrega sigue un camino similar al tomado por The end, a fin de superar a éste, se ha desviado un tanto, lanzándose por derroteros más enmarañados; pero en cualquier caso, por los pasajes más intrincados, se llega a los parajes más agraciados. El homónimo es un álbum mucho más atractivo que su antecesor, y es que cuenta de un sonido considerablemente más trabajado, el cual constituye la evolución misma de Mouthful Of Bees. Y es que por fuerza tuvo que ser así, tanto más cuanto que en el transcurso de la grabación, los integrantes, de puro descuido, borraron todo lo que llevaban de recording, de suerte que tuvieron que empezar de nuevo, y esto, sin dudas, los llevó a perfeccionar la ejecución de cada pieza. La distinción se ve señalada en el preciosismo de los arreglos orquestales, los cuales logran domeñar a la suave voz de Chris, a las perfectas percusiones por cuenta de Katelyn e incluso, a las tiernas melodías germinadas por las guitarras... Es de creer que este nuevo disco llevará a los de Minneapolis a un nuevo plano, uno en el que recibirán el reconocimiento merecido; y, por otra parte, de sólo escuchar el disco, nosotros ya podríamos ir, de antemano, tirándoles las flores correspondientes…
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Helios - Unreleased Vol. 1

Helios es el seudónimo de Keith Kenniff, un artista estadounidense de quien no he podido encontrar ningún tipo de información a lo largo y ancho de toda la red. Sin embargo, puedo decirles que viene produciendo desde hará cosa de cinco años, y entre sus álbumes se cuentan Unomia (2004), Eingya (2006), Ayres (2007), Caesura (2008) y el recientemente aparecido Unreleased Vol. 1, un compendio de temas inéditos, que si no me equivoco, el propio artista ha publicado a través de su myspace.
Aunque la verdad es que no he escuchado los trabajos anteriores de este hombre, también es cierto que dando oídos a Unreleased Vol. 1 podemos formarnos una idea certera acerca de lo que ha estado haciendo estos últimos años. El compilado nos habla bien en claro de quién es su autor, pues una obra no necesita una rúbrica grandilocuente para que los demás sepan de quién viene, sino que el nombre del hacedor aparece implícito en el sistema que la originó; y en el caso del tal Helios, de sólo escuchar su música podríamos decir muchas cosas buenas acerca de él. Unreleased Vol. 1 exhibe un delicado sonido ambient, que avanza lentamente al compás de estructuradas bases trip hop que por momentos parecen diluirse absorbidas por vívidos ambientes etéreos; entre los espesos colchones ambientales se logran entrever unas melodías que, llegadas de diversos teclados o guitarras, son de una ingenuidad rayana en la simplicidad, y asimismo logran encontrar su lugar constituyendo espesos climas cargados de profundo misticismo e intensa sensibilidad. Con lapsos interminables de nostalgia arrebatadora, las diez pistas se nos vuelven casi eternas, y si bien en un momento incierto se da por terminado el disco, los ecos emotivos y desconcertantes aún perduran estremeciendo nuestros sentidos, como si en verdad las cadencias de este artista hubiesen arraigado en lo más intrínseco de nuestro ser…
Si gustan de la música de Boards of Canada y, al igual que yo, nunca habían escuchado a este artista, les recomiendo que no tarden en hacerlo.
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Baikonour - Your Ear Knows Future

Jean-Emmanuel Krieger es un artista francés, que comenzó a producir como solista luego de que en el año 2001 se mudara a Brighton, Inglaterra. Para su despliegue artístico tomó su alias de una vieja base de operaciones soviética, la cual se llamaba, justamente, Baikonour. En el 2005, después de unos cuantos EPS, liberó su álbum primero, For The Lonely Hearts Of The Cosmos, el cual obtuvo una muy buena aceptación de parte de la crítica y la gente. Recientemente acaba de poner en circulación su segundo álbum en largo, Your Ear Knows Future.
Siendo que sus gustos abarcan la música electrónica, jazz, kosmische, jamaiquina e india, y entre sus referentes se cuentan numerosos y heterogéneos artistas como Cocteau twins, My Bloody Valentine, Sonic Youth, Manuel Gottsching, Brian Eno, Neil Young, Cluster and Deuter, Boards of Canada, Mouse on Mars o Amon Tobin, por nombrar sólo unos pocos, se nos hace desde todo punto cuesta arriba precisar de manera puntual su sonido. En cualquier caso, teniendo en cuenta que el propio artista se encarga de todo, lo mismo que un autómata, tocando principalmente viejos instrumentos que luego edita en su Mac utilizando filtros y compresores digitales que emulan los sonidos de los setenta y ochenta, acaso se podría decir que se trata de rock electrónico, pero ciertamente un rock retro-vanguardista.
Puesto que nuestro hombre visita con asiduidad Nepal, e incluso se ha preocupado por recaudar fondos para los refugiados tibetanos, ha tomado nombres y frases en nepalés para bautizar cada una de las nueve canciones que conforman su nuevo álbum. Perpetuando la línea trazada en su debut, ha decidido, una vez más, presentarse con una propuesta estrictamente instrumental, no muy reveladora pero no por esto menos interesante... Si bien Baikonour se suele encargar de todo, para la confección de Your Ear Knows Future han colaborado Etienne Rodes, tocando la guitarra, y Lee Adams, haciendo lo suyo a la batería; ambos artistas, integrantes del cuarteto Imitation Electric Piano. Amalgamando con suma perfección la eficacia de las percusiones, la belleza de las guitarras y la notable improvisación en los sintetizadores, Baikonour ha logrado una indecible profundidad atmosférica y estética; si ponemos cuidado en el sobresaliente juego de guitarras, nos logra remitir a los fascinantes ochenta de Cocteau twins y My Bloody Valentine, mientras que si reparamos en los ambientes generados por toda la conjunción que lleva a cabo este hombre, viajamos derechito a los más selectos setenta de Vangelis, Popol Vuh y Harold Budd. Your Ear Knows Future es, como ya se ha dicho numerosas veces, una selecta colección de canciones atemporales, pues, sea como fuere, ellas tienen la capacidad de evocar tiempos pasados, repasar los presentes o delinear los venideros…
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Yppah - Gumball Machine Weekend EP

Yappah (happy al revés) es el distintivo artístico de José Corrales Jr., un hombre cuyas raíces culturales se hallan en algún punto a medio camino entre Méjico y Estados Unidos. En el año 2006, luego de haberse desplegado como dj durante un buen tiempo, firmó contrato con el sello inglés Ninja Tune, y por medio de éste lanzó su álbum debut, You Are Beautiful At all Times. A partir de aquél momento a esta parte, José se ha mantenido fiel al sello inglés, trabajando de manera incansable despachándose regularmente con nuevas reseñas. Actualmente, mientras finiquita su segunto larga duración, They Know What Ghost Know, a modo de introducción de éste acaba de liberar un EP, el cual se titula Gumball Machine Weekend.
Amén de que estamos ante un artista electrónico que anteriormente hizo las veces de dj, originalmente se inició en la escena rock, en la cual durante su juventud supo tocar el bajo y la guitarra en diferentes bandas, así que podemos ir haciéndonos una idea acerca de su talante... Sirviéndose de guitarras de aires shoegaze, mucha electrónica, sintetizadores y percusiones breakbeat ejecutadas en vivo, siempre sumando a su música elementos del soul psicodélico y el rock, Yappah ha dado a luz a toda su discografía, y el nuevo EP no es la excepción... Gumball Machine Weekend es un pequeño viaje a través de cinco pistas pletóricas de colorido, amasadas a fuerza de experimentación y ardor desmedidos; pueden sonar tan animosas y psicodélicas como suaves y nostálgicas, y puesto que recorren diferentes registros, manteniendo siempre su propia impronta, son capaces de encontrar simpatía en un público diverso. Una reseña menor, sí, pero propia para adentrase en los terrenos trazados por este artista, para así poder recibir su próximo They Know What Ghost Know con la mejor de las predisposiciones...
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Mountains - Choral

Recientemente posteada, no fue mucho lo que tardó en esfumarse esta entrada; de modo que vuelvo a repetirla, y espero que esta vez, dure algo más de tiempo...
Mountains es el distintivo que han elegido los estadounidenses Brendon Anderegg y Koen Holtkamp, quienes se acoplaron corriendo la década de los noventa, llevados de sus recíprocos gustos artísticos y musicales… Si bien eran amigos desde la escuela, no fue sino hasta que alcanzaron su madurez espiritual que decidieron unirse, cosa que, debido a su poca experiencia en los terrenos de la música, los llevó a cursar diversos estudios en la School of the Art Institute of Chicago. Ya en 1999 ambos habían inaugurado su propio sello, Apestaartje, el cual comenzó a editar artistas recién en el 2002; tres años más tarde, exactamente en el 2005, dio a luz al debut homónimo de Mountains.
En el 2006 llegó el segundo trabajo del dúo, Sewn, y recientemente acaba de publicarse su tercer álbum de estudio, Choral. La nueva entrega es, a todas luces, la superación de Mountains, pues si bien sigue la línea esbozada por sus antecesores, va por encima de éstos, alcanzando magnitudes insospechadas por sus hacedores. Una vez más, combinando la música pastoral con la electrónica, esta vez han contado con el soporte de una orquesta, y han ejecutado cada nueva pieza numerosas veces, para finalmente elegir la mejor grabación. Sin que ninguna baje de los ocho minutos, salvando el magno cierre, Mountains ha superpuesto una y otra vez cada pieza por sobre sí misma, logrando así el efecto coral al que alude el título del álbum; consiguiendo climas enormemente letárgicos y arrebatadores, las seis pistas se presentan cargadas de religiosidad y embriaguez, recordando trabajos de Brian Eno y otros iniciadores de lo que hoy se conoce como ambient. Choral es tan sedante como adictivo, pues cuanto más lo escuchamos, tanto más estimulados volvemos a él una y otra vez…
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All in! - 10 Years of Poker Flat

Luego de que en 1994 se reasentara en Hamburgo en miras de continuar su habitual desenvolvimiento como dj, el alemán Stefan Brügesch, ya en aquél entonces conocido como Steve Bug, se lanzó a producir con la seguidilla de 12" Phax featuring Steve Bug, Bugwahn y Mein Bug, Dein Bug, los cuales fueron editados por Superstition. Un año después, embriagado por el propicio panorama electrónico de su país, Bug decidió abrir las puertas de su propio sello, Raw Elements, mediante el cual editó unas cuantas reseñas incluyendo su álbum debut, Volksworld. La vida de su firma duró hasta 1999, pues en dicho año resolvió, con el apoyo de Vincenzo, reemplazarla por Poker Flat Recordings.
Desde sus albores al día de hoy, el sello de Bug ha crecido desmesuradamente, pues en la actualidad se adjudica unos cuantos labels subordinados, los cuales son Audiomatique Recordings, Dessous Recordings, B Series, Poker Flat Digital y Traffic Signs. El inmenso e imponente colectivo artístico del que cuenta es de un nivel tan elevado, que no menos que privilegiado es el que pertenece a tales filas, y es que en ellas residen David Durango, Guido Schneider, Jeff Samuel, Vincenzo, Martin Landsky, Detroit Grand Pubahs, Märtini Brös, el propio Steve Bug y un cúmulo de talentosos artífices más. Es de entender que Poker Flat es, hoy por hoy, uno de los sellos dedicados al house vanguardista que mayor magnitud ha conseguido, y no sin realmente merecerlo...
Tal y como todo parece indicar, el mes pasado Poker Flat cumplió sus primeros diez años, y a tamaño acontecimiento resolvió celebrarlo con un box-set de alto vuelo... Aunque su presentación simple cuenta con dos cds, la que yo les traigo es una edición especial, que, a diferencia de la que circula por la red, ésta posee un tercer disco. El cd 1 nos invita a conocer tanto las nuevas producciones de los artistas más distintivos de la casa, como así también las nuevas incorporaciones de cara al futuro, esto es, los fichajes más recientes de Poker; el segundo de los discos, pretende complacernos con las pistas del sello que más suenan por estos días, y el cd bonus, que está compilado por el propio Steve Bug, nos retrotrae al pasado, llevándonos de recorrido espirituoso con los temas preferidos del director del sello. De esta manera entonces…, el sello alemán ha decidido festejar su primera década en activo, con este All in!-10 Years of Poker Flat, un compilado que en verdad le hace justicia…
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Montag - Hibernation

Montag es el seudónimo artístico del canadiense Antoine Bédard, quien se reveló con su EP Are You A Friend?, corriendo el año 2002... Entre reseñas de poca tirada, no fue sino hasta el 2004 que llegó su primer álbum en largo, Alone, Not Alone, el cual le proporcionó un merecido ascenso en el circuito indie, pues se editó en toda América del norte vía Carpark Records, y, por cuenta del sello Gooom, se extendió a toda Francia. Un año más tarde se publicó, de forma limitada y sólo en Japón, el álbum Goodbye Fear, producto de una gira que Montag llevó a cabo junto a las chicas de Au Revoir Simone. Posteriormente, en el 2007, divulgó su segundo larga duración, Going Places, y entre alguna que otra reseña menor, recientemente acaba de liberar, de manera totalmente independiente, el mini-álbum que les presento: Hibernation.
Aunque Antoine ha mantenido buenas relaciones con diversos sellos y aún lo hace, su decisión de publicar Hibernation por sus propios medios se debe a que encontró su sonido demasiado personal, de modo que resolvió, en miras de hacerlo más especial y conferirle mayor intimismo, liberarlo en febrero pasado, de propia mano y sólo hasta las 150 copias. Tal y como sugiere el título, Hibernation fue elaborado a partir de la inspiración urdida por el propio invierno, no sin ánimos de tornarlo más tolerable; con siete pistas entretejidas de colchones ambientales ensoñadores, suaves estructuras electrónicas y líricas melodías, el artista ha logrado no sólo construir un notable mini-álbum, sino que además consiguió, incluso, estrechar distancias entre las estaciones... Como el propio Montag señala en su myspace… “escuchar de ser necesario un cálido manto de cuerdas y sintetizadores”.


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Shugo Tokumaru - Rum Hee

A poco de atravesar los veinte años, el japonés Shugo Tokumaru, cantante y compositor multiinstrumentista, se lanzó a la producción como solista, y en el 2004 liberó su álbum debut, Night Piece. En el 2005 llegó su segundo trabajo, L.S.T., el cual fue seguido por un disco de remixes el mismo año y, en el 2007, el larga duración que le supo brindar el reconocimiento internacional, Exit. Recientemente acaba de llegarnos una nueva reseña suya, la cual incluye tanto piezas a estrenar, como así también nuevas versiones de algunos de sus temas más representaivos.
En relación a su despliegue, Shugo lleva a cabo su eleboración musical sirviéndose de instrumentos de juguete, otros de uso frecuente en el folk y, por supuesto, para consumar su trabajo, termina editando todo en su ordenador portátil, anexando en este último paso, lo que sea necesario. Aunque en un principio la cosa pueda parecer sencilla en demasía, se ha observado que en sus piezas se pueden advertir hasta cincuenta instrumentos y artilugios sonando al mismo tiempo, todos ejecutados y entrelazados perfectamente por nadie más que el propio artista, de modo que su música, lejos de ser simple, es, en cambio, del todo compleja. Habida cuenta de lo expresado, sus producciones, pese a la metódica maraña que a la fuerza les da vida, no dejan de ser, en ningún momento, simpáticas y candorosas a más no dar, pues de ordinario tienen la facultad de despertar la niñez interior de quien las escucha…
Rum Hee toma su nombre del tema homónimo, el cual no sólo inicia la reseña por medio de su cándida versión original, sino que la cierra con dos excelentes remixes; el primero en plan totalmente psicodélico de la mano de Oorutaichi (Taichi Moriguchi), y el segundo, de trazas ciertamente ensoñadoras, por el trío Deerhoof. Pero la novedad no se constituye únicamente de la referida pista, pues se suman Alaska, una canción que roza la pureza de las mejores ediciones de Morr, e Inatemessa, un tema de neto corte experimental. A las primicias, cabe sumar las reinterpretaciones de Vista, Typewriter y Parachute, las tres hilvanadas por Alt. (Morita Kazuyoshi). Sin que en absoluto nos pesen los vocales en japonés, de seguro que las ocho piezas lograrán llevarnos a vagar ingenuamente en las reconditeces de alguna inédita e inexplorada floresta imaginaria; enganchándonos de los ramajes de los árboles, embelesados de tanto viajar por entre las espesuras de sus copas, retozando sin saber por qué, el prodigioso recorrido por este bosque llamado Rum Hee tiene por todo propósito el que consigamos retroceder a la niñez aunque sólo sea por un instante…


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Patrick Watson - Wooden Arms

El canadiense Patrick Watson, es compositor, pianista, cantante y conductor de su propia banda, la cual se despliega bajo su mismo nombre. De alineación estrictamente clásica, Patrick arrancó sus estudios de piano a los 7 años, y poco más tarde ya tocaba en diversas iglesias, apelando a referentes de la altura de Claude Debussy o Eric Satie. Mientras cursaba la secundaria, fundó su propia banda, Gangster Politics, la cual extendía sus dominios sonoros entre el ska, la música clásica moderna y la electrónica. A la postre se decantó en solista, desenvolviéndose así en fiestas universitarias, o confeccionando música para proyectos audiovisuales de sus compañeros. En el 2001 lanzó su primer trabajo en solitario, Waterproof9, y luego de éste, formó un cuarteto uniéndose a Simon Angell, Robbie Kuster y Mishka Stein. Juntos los cuatro, en el 2003 publicaron su álbum debut, Just Another Ordinary Day, al cual siguieron Close To Paradise en el 2006 y, finalmente, el reciente Wooden Arms.
El nuevo álbum me ha dejado sin palabras, y es que en verdad no esperaba toparme con semejante derroche de virtuosismo… ¿Qué decir cuando estos hombres, hartos ya de guardar las formas, llegaron hasta procurarse una bicicleta y diferentes ollas como medios de percusión, o cajones, ramas, émbolos y megáfonos para crear ambientes manifiestos? De forma radicalmente excéntrica, el cuarteto Patrick Watson ha decidido recorrer todos los sonidos, con pistas que van desde el neofolk de Firewood, Man Like You y Big Bird In A Small Cage, atravesando el modern classical de Tracy's Waters y Beijing, el vals europeo que da nombre al disco, el complejo sonido bristol de Traveling Salesman y Down At The Beach, para finalmente llegar al sonido indie rock de Machinery Of The Heavens. Sin escatimar en talento, con orquestaciones refinadas en grado sumo, percusiones señaladas a la vanguardia y la voz de Patrick siempre recorriendo de forma excelsa todos los registros, Wooden Arms se nos hace una obra onírica, regia y hasta por momentos desmedida en su grandeza…
Aquellos que gustan de la música de Antony and the Johnson, Andrew Bird o Final Fantasy, tienen cita obligada con Patrick Watson…
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