Cake On Cake - Sun-Chairs EP

Mientras esperamos que mañana salga su nuevo disco, que se llamará "Hymns|Remember" les dejo el Ep Sun-Chairs que editaran en el año 2006.
Para quien no los conoce, Cake on Cake es la banda que formara Helena Sundin a los 27 años de edad y que hoy cuenta con tres integrantes, Helena, Andreas Gabrielsson y Kristina Sundin. Nacida en Estocolmo, Helena fue desde muy pequeña una aficionada a tocar diferentes instrumentos, hasta que en el año 2004 grabara su primer disco de neto corte pop. Un disco intimista, bellísimo cargado de dulzura e inocencia, la ternura que despide la voz de Helena junto con el metallophone exquisitamente tocado por Kristina, hacen de este álbum, una dulce canción de cuna.

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Río En Medio - Frontier

Frontier es el nuevo y extraño disco de Danielle Stech-Homsy, nacida en Nueva México pero radicada desde muy pequeña en California, hija de una diseñadora y con un padre de origen sirio, gay, pintor y escenográfo; Danielle como era de esperarse, fue artista.
Grabó su primer disco, The Bride Of Dynamite, mientras ejercía como profesora de Literatura en la ciudad de Brooklyn.
Apasionada por la poesía, hace notar su influencia en los dos discos. Frontier, comienza siendo poesía y posteriormente es por ella misma convertido en música, podría resultarle a algunos una especie de moderna Laurie Anderson y creo que sin duda podríamos trazar un paralelo entre estas 2 grandes artistas. El disco fluye en una especie de cuento, un viaje imaginativo por el cosmos, la exploración del espacio y la conquista de la naturaleza, como ella misma lo define. Su cristalina voz se mezcla en un intricado collage de estilos, folk, ambient y electrónico. Disfruten de la escucha.

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Freshly Composted Vol. 3 - Compost Dreihundert

El ilustre sello con sede en Munich, Compost Records, hace más de quince años que se viene dedicando por completo a la edición de blacktrónica de la más selecta; sea de la más groveera orientada a las pistas de baile, sea de la más seleccionada para el goce de un público exigente. Su hacedor y amo, Michael Reinboth, fundó la firma en 1993, con el simple objetivo de alentar la música del dúo actualmente conocido como A Forest Mighty Black; no obstante, pronto su bienhechora intención se le escapó de las manos…, al punto de convertirse en un verdadero sello discográfico destinado a revelar y ayudar a no pocos talentos. En nuestros días, y amén de lo dicho, la firma alemana también se ha ganado su debido respeto por la publicación de unas cuantas series de compilaciones excelentes como Glücklich, The future sound of jazz o la que aquí les aporto: Freshly Composted.
En este caso, la recién aparecida tercera parte, llamada Compost Dreihundert, nos vuelve a proponer, al igual que en las anteriores entregas, temas de artistas de la casa como Marbert Rocel, Sepalot, Ben Mono o Alex Attias, remixados por otros amparados por el mismo techo o ajenos a él, como lo son Ripperton, Innocent Sorcerers, Charles Webster y demás. Por ende, podemos imaginar este compilado como una invitación evidentemente ecléctica, ya que a lo largo del cd disfrutaremos de pistas en plan house, a la par que lo haremos de otras en clave downtempo o future jazz; todo esto por supuesto, enteramente impregnado del buen sabor con el que sólo sabe dotar Compost Records a la música; el siempre invariable e infalible gusto a música negra… Y paren la oreja, pues muchos de los temas no habían formado parte de reseña alguna del sello alemán sino hasta ahora, de modo que el cd se torna doblemente especial.

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Mógil - Ró

La agrupación Mógil nació en el 2006, a partir de la conjunción de los islandeses Hilmar Jensson (guitarrista) y Heida Arnadóttir (voz), más los belgas Joachim Badenhorst (clarinetista y saxofonista) y Ananta Roosens (violinista y corista); aunque para la grabación de su debut, contaron además con la participación de la violoncellista danesa Nina Hitz, y el pianista islandés Peter Nilsen. Ni bien integrado el cuarteto, el mismo año comenzó una pequeña gira dentro de Islandia presentándose en diferentes iglesias, y al año siguiente grabó su álbum inicial también en una iglesia, pero en Bélgica. De todos modos, tuvieron que esperar hasta este 2008 para que Ró viera la luz, cosa que fue posible gracias al sello belga Radical Duke Entertainment.
Difícil de definir, si bien con claros trasfondos folklóricos y religiosos, la música de este curioso cuarteto es, ante todo, experimental. Aunque todos los integrantes se revelan de formación clásica, musicalmente hablando gustan de jugar con los sonidos, por momentos deformándolos, ensuciándolos o sumándoles ruidos extraños que parecen no venir a cuento; no obstante, después de escuchar el disco algunas veces podríamos catalogar su música como ópera-experimental, o directamente como clásica moderna. Más allá de cómo precisemos su sonido, Ró es un álbum encantador de principio a fin; tan suave como melancólico, cuando no desgarrador, es exquisito a través de sus doce canciones… Seguramente, se convertirá en una agradable proposición para los oídos más ilustrados, pero una de ésas que no se pueden, ni se deben, rechazar.

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Forteba - For Some Time Past

El húngaro Krisztian Dobrocsi, a quien conocemos simplemente como un tal que produce bajo el seudónimo Forteba, es un artista que, al igual que tantos otros, comenzó su producción encarando la música electrónica desde la perspectiva del sonido chill y lounge. Pasó por diferentes y cuantiosos proyectos antes de independizarse por completo y empezar a grabar para el sello alemán Plastic City en el 2006, tiempo en el cual abordó de lleno y con todo el impulso el 4x4. Un año más tarde, y por la misma vía, publicó su ópera prima, Space Between Us, trabajo que le valió una buena crítica y lo que es más significativo aún, tuvo una buena acogida del público. Así, después de la publicación de su debut, se lanzó de gira por el mundo e inició la composición de su segundo álbum.
For Some Time Past no es ni más ni menos de lo que todos esperábamos, ya que Dobrocsi retoma la construcción justo donde la había dejado la última vez, por lo que, debe deducirse, que se trata de una obra continuista…, pero que nos llevará, casualmente, de paseo a través de los que serán, sin dudas, los paisajes más conspicuos correspondientes al viaje dirigido por este artista. Tanto las panorámicas más admirables como las más insondables, se ciñen comprimidas en este disco, y es aquí entonces donde debemos agudizar más el ojo para no perdernos parte alguna del trayecto. En esta ocasión, y de la misma manera en que lo hiciera el año pasado, Forteba dibuja piezas tech house serenas y profundas con la misma desenvoltura que traza algunas animadas e intensas, sin que el álbum deje de ser un todo en sí en ningún momento... De este modo y en tanto todo siga así, el puntaje de este artista no decae, sino a la inversa… Reciban, por tanto, con una caballerosa cortesía esta propuesta, pues ella los tratará en consecuencia y será reverente con ustedes… En otras palabras: NO LO DESAPROBECHEN.

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Daedelus - Live At Low End Theory

El estadounidense Alfred Weisberg-Roberts, de quien anteriormente colgué Daedelus-Love to make music to, continúa trabajando con firmeza en lo suyo y por primera vez nos ofrece un cd live, formado enteramente a partir de temas propios ejecutados y reconstruidos en vivo y en directo.
Sí, se acaba de presentar, grabación de por medio, en el reputado club nocturno Low End Theory de Los Angeles, el cual además tiene distintas “sucursales” en otros puntos de Estados Unidos, luciéndose con una grandilocuente sesión que supo cautivar de igual manera tanto a las masas urbanas más inclinadas por los sonidos del hip hop como a las elites vanguardistas partidarias de la electrónica más audaz. Bien sabemos que la música de este señor tiene la particularidad de atraer gente de partidos opuestos por antonomasia, logrando romper barreras que bajo otras circunstancias parecerían solidamente consistentes e inviolables. Su victoria, señalada claramente en la superación de diversos prejuicios y demás manías en uso, es tan sólo el paso primero que no a mucho es dado también por todos sus simpatizantes…, lo que nos lleva a observar el fenómeno planteado en Live At Low End Theory con ojos tamaños... Pero, más allá de que el club se haya convertido por una noche en un bonito parque zoológico, ávido de reconciliación como si todos hubiesen sido domesticados por la música misma, es necesario referir cómo se desenvolvió este idóneo artista electrónico en el evento aludido…
Apelando a sonidos acústicos de jazz, soul, funk o música latina; ruidos generados por la The Box o el Tinkly Synth, sean de pop, sean de IDM, clicks & cut, o música altamente experimental, Daedelus logró elaborar un set de sonidos ininteligibles que si bien en un principio parecen no tener orden ni lógica aparentes, con el suceder del tiempo cobran progresivamente el sentido totalmente para bien… Tal vez, hasta se pueda afirmar que la belleza de esta performance se encuentre justamente en la falta de lógica o mejor dicho en el rechazo absoluto a ésta, lo que nos indica la necesidad de un escape ensoñador tanto por parte de su autor como de su público. Obviamente que esta habilidosa elucubración puede llegar a ser estrictamente inadmisible por los más ortodoxos y sin embargo, para nosotros, puede significar uno de los viajes más deliciosos de lo que va del año, y no por precisar imperiosamente una evasión justamente, sino más bien porque comprenderemos a las claras el bello idioma con el que “canta” Daedelus y a partir de entonces, disfrutaremos ya con ganas durante todo el recorrido...

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The Cinematic Orchestra - Live At The Roundhouse 10/10/2008

Parece que The Cinematic Orchestra se sigue negando a concedernos un nuevo álbum, pero se debe decir en su favor, que mientras así se resiste, al menos, nos ofrece algo como para aplacar los ánimos… No se trata, claro está, de lo que nosotros esperamos y, no obstante, igual lo recibimos de muy buena gana. El hecho de que podamos acceder por medio de un paquete de 3 cds a algo que otros tuvieron la suerte de presenciar en vivo no es mucho…, pero sí algo que debe bastar para contentarnos...
De la misma manera en que lo hizo a finales del 2007 en el The Royal Albert Hall en compañía de la The Heritage Orchestra of London Town, el mes pasado The Cinematic Orchestra se presentó en el The Roundhouse de Londres pero junto a los vocalistas LD Brown (Grey Reverend), Lou Rhodes y Heidi Vogel; una vez más para hacer todo el gasto imaginable de virtuosismo y buen gusto. La agrupación se desenvolvió en vivo tocando A Man with a Movie Camera, el cual fue la banda de sonido realizada en 1999 para un documental de 1929 dirigido por el ruso Dziga Vertov, con el mismo film de fondo y cerró el espectáculo ejecutando también íntegramente su último trabajo, que no es otro que Ma Fleur. Una primorosa presentación audiovisual de más de dos horas, las que probablemente a los presentes se les hayan escapado en un mero abrir y cerrar de ojos…
Aparte de lo precisado, The Cinematic Orchestra ofreció una velada esplendorosa que no sólo sirvió para echar en cara sobre numerosos espectadores su habitual destreza y maestría, sino que además valió para anunciar la liberación del video-cortometraje hecho para To Build a Home (tema que inicia el álbum Ma fleur), el cual fue realizado por el director Andrew Griffin. La empresa cinematográfica, consecuencia de la unión creadora que suponen el cineasta, The Cinematic Orchestra y el invariable apoyo de Ninja Tune, intenta dar vida a un segmento artístico visual a la vez que musical, fundiendo en un solo y único acto la magia de las imágenes capturadas por la cámara del director con la soberbia belleza de To Build a Home. Protagonizado por los prestigiosos actores Peter Mullan y Julia Ford, pero más que nada por la música misma de The Cinematic Orchestra, el fragmento 35mm en cuestión promete convertirse en pieza cardinal y de culto tanto de cinéfilos como de los propios seguidores de la exhibicionista agrupación inglesa liderada por Jason Swinscoe.

Part 1
Part 2
Part 3

Tahiti 80 - Activity Center

Tahití 80 es una agrupación francesa formada en 1995 por Xavier Boyer, Sylvain Marchand, Médéric Gontier y Pedro Resende. Tomando el nombre del proyecto de una camiseta que habían regalado a Boyer, la que enseñaba la palabra “Tahití” en grandes letras, no a mucho de constituida la banda se auto publicó un EP y recién en el 98 firmó contrato con el pequeño sello francés Atmosphériques, el cual ha editado sus cuatro álbumes de estudio: Puzzle (1998), Wallpaper For The Soul (2002), Fosbury (2005) y el reciente Activity Center (liberado apenas el mes pasado), que es el mismo que aquí les traigo.
Un generoso surtido de júbilo y candor, expresado de la manera más llana posible, inunda el ambiente de pureza cuando una canción de este nuevo álbum se deja oír... Guitarras encantadoras y cálidas melodías preñadas de soul, se convienen de manera perfecta con la dulce voz de Xavier Boyer para dar forma a un pop altamente atractivo que no hace más que seguir la línea propuesta en los anteriores trabajos... Pareciera que estos franceses cantan lo que quieren y justo en el momento en el que lo desean; tal y como lo sienten... Sobre seguro que esa simplicidad y naturalidad a la hora de crear es el quid de todo el asunto, la fuente misma del éxito de la agrupación. Por lo demás, sobradas razones existen para que Tahití 80 sea en la actualidad una de las bandas más agradables del panorama pop.
No se pierdan este Activity Center.

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B. Fleischmann - Angst Is Not A Weltanschauung

Hace poco, en el sitio oficial de Morr Music se disculpaban ingenuamente por la simple razón de que su página se había visto reducida estéticamente, aparentemente por cuestiones de presupuesto, y se lamentaban por tener que discurrir de tal manera... ¡Como si a nosotros nos importara cómo luce su página! ¿Qué interés puede tener que su sitio se venga a menos cuando no así lo hacen sus reseñas?
Morr nos sigue concediendo música excelente a diestra y siniestra, como si no se cansara nunca de hacerlo… Ahora tocó el turno a un nuevo trabajo del austríaco Bernhard Fleischmann, quien con esta nueva entrega logra sumar ocho álbumes de estudio en su haber, de los cuales seis fueron editados por el sello alemán.
Pianista y baterista, Fleischmann desfiló por unas cuantas bandas de rock antes de convertirse en músico electrónico, cosa que no sucedió sino hasta finales del siglo pasado. En 1998 se montó su propio estudio casero y comenzó a trabajar en su música, la cual un año más tarde obtuvo merecidamente dos firmas patrocinadoras: Charhizma y Morr Music. A partir de entonces, el austríaco ya no pudo dominarse y continuó produciendo así como también dio apertura a una serie de exitosas giras por Europa, junto a otros artistas como Lali Puna o la agrupación ISO 68... Pasada ya una década desde sus inicios, actualmente Fleischmann no sólo produce como solista, sino que además crea bandas de sonido para el cine y trabaja junto a Herbert Weixelbaum bajo el alias Duo505.
El nuevo álbum, Angst Is Not A Weltanschauung, cuenta con la colaboración de Christian Dolezal a la guitarra y “Sweet William Van Ghost”, Marilies Jagsch, Daniel Johnston y el propio Fleischmann como vocalistas; y aunque les pueda llegar a parecer un poco raro oír cantar al mismísimo Bernhard, lo hace por motivos personales y no sin propiedad. El caso es que el hombre, del mismo modo que sucede con numerosos artistas, se decidió por hablar de sí mismo…, de modo que el ego se adueñó de su persona y escribió de manera tradicional nueve grandiosas canciones y cantó dos con propia voz. No viene a cuento si nos interesa o no lo que este artista quiera contarnos de sí, sino que realmente importa la dulce y plácida forma que adopta para hacerlo y tanto más aún, los maravillosos sonidos que elabora para asentar sus narraciones. Estamos hablando de música que si bien es puramente artificial, Fleischmann sabe dotarla de vida, y no me refiero a por cómo suena al oído sino por la emotividad y el mundo de sensaciones que es capaz de comunicar con ella… Angst Is Not A Weltanschauung me ha gustado incluso más que The Humbucking Coil, y tal vez ustedes cuando descubran esas suaves voces sobre las sonoridades corpóreas y soporíferas, aunque divagadoras, tan propias del señor B. Fleischmann, piensen lo mismo; y hasta puede que se les haga demasiado breve el álbum, como pasó conmigo...

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Surf City - Surf City EP

Por mi parte, como uno que tiene fe ciega en Morr, recién acabo de descubrir a esta banda, y es una verdadera lástima que no lo haya hecho antes, pues todos los temas presentados en la reseña en cuestión, fueron grabados hace dos años… Este EP, que es el que hace a toda la discografía de Surf City, fue editado originalmente a principios del año pasado por el sello neozelandés Arch Hill Recordings, una firma consagrada completamente a la publicación de música indie. No obstante, y como bien se sabe, el señor Thomas Morr es egoísta por naturaleza y codicia todo aquello que brilla incluso desde lejos, y lo que es más interesante aún, es que sus ojos hasta ahora jamás lo han traicionado, de manera que siempre lo que cree que ver…, tal es.
Integrada en Nueva Zelanda en el año 2004 por Josh Kennedy (guitarra), Davin Stoddard (guitarra y vocales), Jamie Kennedy (bajo y vocales) y Logan Collins (batería), la banda primero se llamó The Fibs, luego Kill Surf City y por último Surf City. Se inspiraron en agrupaciones como Velvet Undergound, Animal Collective, The Jesus and Mary Chain o The Beach Boys entre otras, creando música que bien nos puede recordar a Joy Division o sonar a Clap Your Hands Say Yeah, por decir lo primero que me viene a la mente… Lo cierto es que estos neozelandeses saben crear una música grácil y ligera, ya para pasearnos por la pista dando saltitos, ya para estarnos parados a un costado como plantados al piso, pero moviendo la cabeza alocadamente. Sea como sea, es una lástima que se trate de la única reseña en circulación, y con mayor razón aún teniendo en cuenta que el EP sólo cuenta con seis canciones. Sin dudas, van a querer más…

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Carl Craig & Moritz Von Oswald - ReComposed

Tanto el norteamericano Carl Craig como el alemán Moritz Von Oswald, son prestigiosos precursores de la música electrónica; el primero surgido del circuito techno de Detroit y el segundo resultado de la fértil escena electrónica vigente desde hace más de medio siglo en Alemania. El trabajo que han forjado uno y otro a lo largo de estos últimos años, ya como solistas o formando parte de diferentes agrupaciones, es enteramente exuberante y ecléctico, y demás decir que habla con sinceridad de los artistas. Sería inútil ponerme a enumerar las excelencias de la música de estos hombres…, baste sólo con decir que lo que llevan de vida ya está salvado.
Sin conocerse personalmente, Carl Craig y Moritz Von Oswald se unieron por vez primera para dar forma a la que actualmente se ha convertido en la tercera entrega de la serie ReComposed. Esta se cuenta entre los tantos emprendimientos del sello alemán Deutsche Grammophon, y se propone, esencialmente, invitar a eminentes artistas electrónicos para que “recompongan”, arreglen y modernicen diferentes piezas de música académica o clásica (según quieran denominarla), que es al fin y al cabo donde nació originalmente la música electrónica… La primera presentación de ReComposed fue llevada a cabo por el alemán Matthias Arfmann, y la segunda por el finlandés Jimi Tenor.
Para la nueva emisión de ReComposed los artistas de turno disponían de Bolero y Rapsodie Espagnole de Maurice Ravel más el fragmento Bilder einer Ausstellung de Modest Petrowitsch Mussorgski, las tres piezas extraídas de un concierto ejecutado en 1987 por la Filarmónica de Berlín bajo la dirección de Herbert von Karajan. De este excelente material se instruyeron Craig y Oswald, examinando y repasando una y mil veces las diferentes posibilidades de mixtura ofrecidas por la música. Desmontaron y volvieron a ensamblar los componentes cadenciosos y armónicos como si de un rompe cabeza se tratara, agregando según correspondiese bombos, chasquidos y estridencias ruidosas para terminar de hilvanar una nueva y radical pieza de poco más de una hora de duración; un gran y único tema fragmentado en una introducción y seis movimientos espaciados apenas por un interludio. Música que renuncia a ser clásica para trocarse en espacial, adecuada para perpetrar, con nuestra imaginación, una fuga al infinito...

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Nitin Sawhney - London Undersound

Nitin Sawhney es escritor, guionista y contribuyente aplicado de diversos e importantes periódicos ingleses; actor de teatro, conocido también por sus habituales participaciones en diferentes programas televisivos versados en política, arte y cultura en general; suerte de sociólogo destinado a salvaguardar los aparatos educativos y los dedicados a la construcción de comunidades de Inglaterra y…, como si faltara más, es un músico que trabaja como solista, compone música para eminentes orquestas sinfónicas (dirigida al cine o al teatro) y también ocupa su tiempo trabajando en diferentes proyectos para Playstation 3... No sin razón el The Guardian de Londres había dicho de él: “Sería más fácil apuntar lo que este hombre no puede hacer, que lo que hace”. Efectivamente, Sawhney es una auténtica reafirmación de la vida misma, en el más elevado de los sentidos.
Por supuesto… nosotros lo conocemos, estrictamente, como un excelso artista de música electrónica; un hombre consagrado a fusionar la cultura oriental y la occidental en un solo y magistral sonido: un viaje étnico, que recoge lo mejor de diversas culturas para mezclarlo con la electrónica, jazz, soul, funk, flamenco y un largo etcétera. Patentemente identificable, la música de este inglés es un reclamo de alianza social que va más allá que mis meras palabras; un intento de disminuir las distancias, históricas, entre diferentes culturas. Una tentativa en la que se han aventurado innumerables artistas, pero no de manera tan determinada como Nitin Sawhney. Y esto se debe a que él mismo sufrió en carne propia, cuando joven, diversas persecuciones raciales debido a sus orígenes asiáticos. A pesar de todo, su triunfo ha quedado plasmado a lo largo de los años en innumerables premios recibidos, y me refiero a premios legítimos, no a los que podría otorgar por ejemplo, la cadena MTV.
London Undersound es el octavo álbum de Sawhney, liberado apenas este 13 de octubre pasado. En él el artista se propone analizar los hechos acaecidos en Londres el 7/7/05, cuando la capital inglesa sufrió un ataque terrorista que aún perdura, como una mancha sucia e imborrable, en el recuerdo colectivo de Inglaterra. La primera canción llamada “Días de fuego”, fue cantada y escrita por el vocalista Natty, quien fue un testigo fidedigno del bombardeo. Un poco después encontramos la abstraída “Mi alma”, co escrita y cantada por Paul McCartney..., y así, con incontables y notables colaboraciones, continúa todo el álbum. La música de Sawhney tan brillante como siempre sino más, embelesada de sus especiales toques étnicos, se convierte en London Undersound en un triste sollozo de lamentación por lo sucedido, un clamor que sólo se ahogará con el cesar del disco.
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Nicola Conte - Rituals

Anteriormente había posteado el disco Bossa per due o Jet sounds (como quieran llamarle), que no fue otro que el debut de este talentoso italiano. Aquel era a mi parecer, su mejor trabajo, al menos hasta la aparición de Rituals.
A principios de año ya nos había entregado su Nicola Conte presents viagem, una exquisita compilación en la que el italiano había seleccionado música brasileña fusionada con jazz de la década del sesenta; tal vez a modo de advertencia de lo que se proponía concedernos más tarde, lo cierto es que en este 2008 Conte se ha mostrado pródigo en regalos: un compendio maravilloso y su tercer álbum de estudio, ambos, aparecidos a diferencia de algunos meses, no es poca cosa.
No existe un cambio substancial en Rituals, ya que su sonido sigue siendo igual de agraciado que en Bossa per Due y Other Directions; sin embargo, en su último trabajo cuenta con la colaboración de un cúmulo de cantantes, y es que Conte ya se ha ganado su buena reputación y actualmente no hay quien se niegue a formar parte de una empresa suya. De esta manera, las 13 maravillas que componen esta nueva entrega son todas piezas cantadas, algo que no había ocurrido en su trabajo sino hasta ahora. Refinadas canciones de nu jazz que bien podrían formar parte del mejor jazz de otros tiempos, velan una vez más por el decoro y la elegancia siempre presente en la obra de Nicola Conte. Un disco easy listenning para abandonarse por completo a su escucha; relajante y placentero, por espacio de 79 gloriosos minutos nos trasladará a un universo de serena y tranquilizadora paz, del que hasta más jóvenes, tal vez, regresaremos...
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Cokiyu - Mirror Flake

Prosiguiendo con estas nuevas voces japonesas, repletas de experimentación, delicadeza y sabiduría a la hora de arreglar y mezclar los sonidos, es que no puedo dejar pasar el primer trabajo como solista de la cantante de Aus. Cokiyu es una jovencita nacida en Ehime y estudiante de la carrera de Musicología en Tokio, ella compone, arregla y mezcla sus propios trabajos utilizando por lo general pianos de juguete y algún que otro infantil instrumento. Esto provoca ese aire de ingenuidad e inocencia, que combinados a la voz de Cokiyu logran esa perfecta armonía, que los hará escuchar repetidas veces su Mirror Flake.

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Piana - Eternal Castle

Su verdadero nombre es Naoko Sasaki, tiene 32 años, y a mediados del 2007 editó su tercer disco y hasta ahora último disco; esperemos que no lo sea, porque esta chica ha ido en crecimiento y Eternal castle nos muestra un trabajo cuidado en todos los aspectos, y de un grado de intimidad que sólo Piana y su voz puede lograr. Aunque en sus discos participan otros músicos, ella produce y escribe todos sus temas. Déjense llevar por la música de Piana, que más que seguro estoy que los va a emocionar.

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Nature And Organisation - Death In A Snow Leopard Winter

Hace unos días después de volver a escuchar el disco solista de Michael Cashmore, recordé que debía publicar algún disco de la agrupación que formara Cashmore en la década del 90, elegí el último que editara, exactamente en el año 1998 con Dan Bradley en Cello, Hannah Walker en Viola y Elizabeth Toney en Violín, casi la banda de sonido de una película dramática pero de un grado tal de sublimación que el oyente se pierde entre momentos de felicidad y agonía. Larga vida a la música de Cashmore y que el mundo nos de más discos bellos como este.

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Motorcitysoul - Technique

El compositor, arreglista, pianista y dj alemán Matthias Vogt, a quien conocemos como líder de [Re:Jazz] y el Matthias Vogt Trio, es además un artista de música electrónica que desde el año 2001 viene produciendo bajo diferentes alias. Primero lanzó algunas reseñas como Dj Matt, pero más tarde se unió a Christian Rindermann (hombre que también factura música con diversos seudónimos y participa en otras agrupaciones) y ambos formaron el dúo conocido como Motorcitysoul. En el año 2004 apareció su debut llamado Did you expect that?, una entrega de desapasionado nu jazz que supo decepcionar a muchos de sus seguidores. Pero pese a eso, el dúo continuó produciendo su música y remixando la de otros, aunque inclinándose gradualmente, sin que muchos lo noten, por otros derroteros...
Luego de numerosos 12" aparecidos después del debut, el sonido de Motorcitysoul se terminó de definir y ahora se puede precisar como tech house y deep house; en su segundo álbum recientemente aparecido, Technique, el dúo no deja lugar para suposiciones inopinadas. Ya con anteriores EPS habían obtenido un éxito incuestionable en la escena tech, siendo que sus pistas habían empezado a ser tocadas por grandes como Terry Lee Brown Juniors o The Timewriter, por lo que decidieron continuar por la misma senda. Con la participación de unos cuantos vocalistas que cantan de manera excelente sobre delicadas y sensuales piezas tech y deep, a veces con un poco de percusiones tribales pero siempre cargadas de soul, Technique es una agradable propuesta más para los entusiastas del tech house y deep house tan en boga en estos días.

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Jazzanova - Of All The Things

Actualmente poseedores de su propio sello, Sonar Kollective, parece mentira que en 13 largos años de vida, el reciente Of All The Things sea el segundo álbum de estudio del colectivo Jazzanova; en el 2002 había llegado su debut llamado In Between y 6 años más tarde, su segundo trabajo... Pero… ¿es tan pobre la discografía de este sexteto alemán? La verdad es más bien todo lo contrario; su producción es totalmente profusa, ya que no sólo se limita a las dos mencionadas reseñas, sino que han trabajado incansablemente todo este tiempo como remixers, compiladores e incluso sus djs han hecho lo propio entregando algunas sesiones para nada despreciables. Entre sus compilaciones más destacadas se cuentan: la serie Secret Love, Paz e futebol, The kings of jazz, Focus Jazz, Broadcasting y compendios varios para la firma Blue Note; todas las reseñas… igual de recomendables.
Es innegable que a pesar de los incontables trabajos de Jazzanova, todo el mundo quería ver, tocar y disfrutar de su segundo álbum propiamente dicho; y la espera ha valido la pena… De la misma manera que sucedió en In Between, las canciones de Of All The Things cuentan con la cooperación de un cúmulo de vocalistas y músicos, entre los que destacan Paul Randolph, Jose James, Ben Westbeech, Sascha Gottschalk (Thief) y Joe Dukie, entre otros. El sonido de Jazzanova se ha embellecido con el paso del tiempo, como si éste le hubiese venido más que bien al colectivo berlinés... Sigue firme en su impronta, haciendo un gran gasto de buen gusto nos vuelven a presentar nu jazz, acid jazz, downtempo, lounge y música en general exquisita que nos sonará más orgánica que nunca... En esta ocasión, con predominio del jazz y el soul, también encontraremos por supuesto, muchos toques de bossa nova y de gospel. En conclusión, me animo a decir que siempre ha sido excelente el sonido de Jazzanova, pero esta vez hasta se podría agregar que se les ha ido un poco la mano; realmente inmejorable...
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Catz 'n dogz - Stars of zoo

Entre tanta música excelsa, sea para la mente, el corazón o el alma, ya se empezaba a extrañar el 4x4, ése que nos aleja un poco de la espiritualidad e intelectualidad y nos alienta a bailar despreocupadamente… Sí, sea house o techno se echaba en falta el ritmo frívolo pero indispensable para liberarnos, de vez en vez, de las pesadas cargas de la vida…, para dejar de tomarnos todo tan en serio y disfrutar al menos por un momento...
El dúo polaco formado por Wojciech Tarañczuk y Grzegorz Demiañczuk viene produciendo desde finales del 2003 con el alias 3 Channels, bajo el cual grabó innumerables reseñas para sellos tan conocidos como Flumo, Trapez, Trenton o Crosstown. Su música como 3 Channels, se podría simplificar como una propuesta pistera de techno minimalista con asaltos electro. Si bien así trabajando han gozado de un notable éxito, el que los llevó a que fundaran hasta su propio sello el año pasado, Channels Records, actualmente han querido ensanchar sus horizontes musicales, abriéndose camino hacia otros sonidos casi inexplorados por ellos.
Para ello han elegido el nuevo nombre artístico Catz 'n dogz, y con él liberaron recientemente su debut llamado Stars of zoo. Este álbum es el que nos llevará de recorrida por los nuevos sonidos que han dado en elaborar estos polacos; un camino que se desarrollará a través de 12 grooveros tracks. Con alguna que otra colaboración que ya nos revela las intenciones proyectadas en esta nueva empresa (como por ejemplo el aporte de Mathias kaden en una pista), Wojciech Tarañczuk y Grzegorz Demiañczuk nos ofrecen tech house, minimalista por momentos, cargado de abundantes percusiones tribales... El álbum es, en definitiva, una invitación a introducirnos en la espesa selva que su música esboza para nosotros; una selva en la que la única premisa a seguir será mezclarnos con los ejemplares que en ella moran, y bailar hasta que nuestros cuerpos ya no respondan o la música deje de sonar…
Altamente recomendado.

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Hector Zazou & Swara - In the house of mirrors

Tal y como había mencionado anteriormente cuando colgué Hector Zazou & KatieJane Garside-Corps Electriques, sólo era cuestión de tiempo para que apareciera In The House Of Mirrors. En realidad se liberó el mes pasado, por lo que no me explico cómo se me pudo pasar... Igualmente, ya mismo lo dispongo para ustedes, para de esta manera poder reparar mi falta.
He aquí, las esperadas armonías y melodías que jamás se han escuchado antes…, sin una sola voz que las arruinen, puesto que si así fuese, cualquier vocal sobre este concierto ensoñador se nos antojaría un chillido inoportuno, que no haría más que estropear la radiante música orquestada por Hector Zazou y Swara. Estos dos hombres dirigieron prodigiosamente a los hindúes Milind Raykar al violín, Ronu Majumdar la flauta y Manish Pingle con su guitarra india, más el músico de Uzbekistán Toir Kuziyev con tambor y laúd; además, participaron de esta empresa el trompetista noruego Nils Petter Molvaer, el violinista húngaro Zoltan Lantos, el baterista norteamericano Bill Rieflin y los españoles Carlos Núñez y Diego Amador, flautista y pianista respectivamente... Antes de morir Zazou dijo con respecto a este álbum: Los sonidos de los músicos son llevados a una especie de “salón de los espejos”, donde, al igual que Orson Welles en la película “La dama de Shanghai”, el sonido se refleja de una nota a otra formando una especie de duna que empuja a los músicos de buceo bajo la superficie, directamente hacia el corazón del sonido.
El ya no está pero sí nos dejó esta maravilla conmovedora llamada In The House Of Mirrors, la cual se convierte a la fuerza en el álbum con el que Zazou nos dijo adiós, sin saberlo siquiera... A pesar de su trasfondo trágico, es indecible la grandeza que exhala este portento de la música; no hay manera de reseñar lo inenarrable y es que tal vez se trate del “hasta luego” más digno de los últimos tiempos... Una obra de antología que me cortó la respiración desde el principio, y les aseguro que a causa de ella hasta puede uno perder el sueño por algunos días... No hay dudas. Un trabajo preñado de vida, sensibilidad espiritual y sabiduría; una recapitulación de la belleza en sólo diez canciones que despiden con gran esplendor a su hacedor... Y tanta perfección, quizás simplemente porque fue grabado íntegramente en un terreno en el cual la divinidad gusta de dispensar favores, donde deposita toda su gracia; un lugar santo, henchido de amor y esperanza por la existencia, que no es otro que la cuna misma de la humanidad, la veterana India.

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The Matthew Herbert Big Band - There's Me And There's You

Imposible pasar por alto el creciente descontento que domina a numerosos artistas, el cual es fácilmente identificable mayormente en cineastas y músicos. Se trata de un malestar producto del corrupto estado de las cosas (derívese de hipocresías propias de la política o religión e incluso del vínculo entre ambas), lo que supone que muchos viven acorralados por falacias y engaños que terminan siendo, a la postre, algo totalmente nocivo para todos. Cuantiosos disfraces astutamente confeccionados y enredos perspicaces valen de biombo encubridor de embustes, despropósitos y otros dobleces maliciosos que no sirven más que para favorecer al poder; y esto fastidia a muchos... No habrá ejemplo más acabado que el de EE.UU., que por medio de la unión de los republicanos y los evangelistas fundamentalistas logró convencer a su gente de que su país había sido elegido por el propio Dios para extirpar el mal en el mundo, debido lo cual preciso fue que el imperio atacara cuanto país tercer mundista se le ocurriese, sirviéndose de enrevesados argumentos penosamente articulados y en el mayor de los casos, sin ser éstos siquiera necesarios. Este tema es uno de los que ha decidido abordar el señor inglés Matthew Herbert; puntualmente la enorme iniquidad que supone la invasión y ocupación de Iraq por parte de la coalición liderada por los Estados Unidos.
There's Me And There's You es la segunda y nueva entrega de Herbert junto a su big band de jazz vanguardista. El título de este valiente álbum desde el vamos es más que claro, y es que en verdad toda la temática tratada en él no es ajena a nadie. No sólo arremete contra el citado caso, sino que se atreve a criticar el patriotismo, capitalismo, consumismo y demás males terminados en “ismo”. Escuchen ustedes mismos los sonidos que se disimulan bajo el avant-jazz preciosista del inglés, resonancias casi imperceptibles de grabaciones ambiente de sonidos bélicos, preservativos restregados en el museo británico, tijeras cortando tarjetas de crédito, clavos siendo martillados para cerrar ataúdes y los sonidos de una máquina que salvó a su propio hijo nacido prematuramente. Pero aquél que no distinga estos sonidos alegóricos pero entienda correctamente el inglés de la vocalista Eska (a la que Herbert llama “the beating heart of the record”) no necesitará de más, ya que las letras de crítica y denuncia son inequívocas, como si se tratara de un gran dedo que señala hiriendo del sólo acto a su acusado...
Es bien sabido por todos que el arte adquiere su máxima expresión cuando la temática comunicada alcanza la universalidad…, esto es, cuando la materia tratada concierne a todos y cada uno, sin importar nacionalidad, raza, etnia, clase social y demás. De ordinario, un mensaje de tales proporciones es posible encarando, con la seriedad y hombría suficientes, las humanidades y, seguramente, atacando no sin razón alguna que otra entidad poderosa… ¿Y qué más humano y arrojado que la tentativa de Herbert? Sin embargo, cuando aún el disco ni siquiera se ha puesto a la venta, ya enamoró en demasía a la crítica con tan sólo su mensaje, dejando éste totalmente eclipsada a la música en sí de este artista. En todo caso, a mí sí que me gustó esta nueva entrega en su conjunto, porque por lo demás, no es la primera vez que Matthew Herbert utiliza su música para plantarle cara a ciertas cuestiones un tanto embarazosas…, no para él sino para otras personas… Ahora les toca a ustedes sacar sus propias conclusiones...

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No-Man - Schoolyard Ghosts

Una de mis voces favoritas de toda la vida, pasan los años y sigue cantando increíblemente bien, y la verdad es que me sorprendió gratamente la salida de este nuevo disco de Tim Bowness, que venía reservándome para publicar. Para quienes no lo conocen él es junto con Steve Wilson el fundador de la legendaria banda Porcupine Tree y la de esta ocasión No-Man.
Creadores de una de las mejores canciones que haya podido escuchar, Days In The Trees. Schoolyard Ghosts conserva intacto el espíritu de sus primeros discos, canciones simples, bellas, melancólicas y la voz de Tim, imposible de explicar con palabras. Todavía no comprendo como No-Man no tiene un reconocimiento más popular. Imperdible.

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Isol y Zypce - Sima

Isol y Zypce es el nuevo proyecto personal de Marisol Misenta, conocida cantante de la banda argentina Entre Ríos, su dulce voz y su cálida personalidad nos cautivó a todos. Luego de la disolución de la banda, ella se dedicó a su otra gran pasión, quizás la mayor de todas, que es la ilustración de libros para chicos. A principios de este año vuelve a incursionar en la música cantando para una banda neoyorquina llamada Alsace Lorraine con quien canto seis temas, y a muy poco tiempo de editado les presento este disco bajo el nombre de Isol y Zypce (hermano de Isol), también músico pero de formato mas abstracto y experimental, en este disco y por primera vez en su carrera Isol compone íntegramente música y letra.

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Lulu Rouge - Bless You

Un dúo integrado por dos dinamarqueses, Thomas Bertelsen y Torsten Bo Jacobsen. Torsten es conocido en la escena electrónica como Buda, afamado remixer de artistas muy respetados como Trentemoller. Bless You es un discazo que fusiona el dub con los sonidos más modernos del House, imperdible para amantes del sonido de Anders Trentemoller o de Swayzak. Discazo.

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Mari Boine - It Ain't Necessarily Evil: Mari Boine Remixed Vol II

Dueña de una voz cautivante, esta noruega de 52 años comenzó cantando salmos religiosos de la religión Sami. Los Sami son los originarios habitantes de la región de Laponia, la cual hoy, es parte de Suecia, Noruega y Finlandia. Mari logra el éxito gracias a Peter Gabriel quien le publicaría lo que seria su segundo disco llamado Gula Gula.
Su estilo es netamente Sami, aunque utiliza para la composición instrumentación de otros orígenes, como flauta, charango, violín, teclado; y su particular estilo de cantar proviene también de una antigua tradición Sami llamada Joik. Quizás hoy sea la mayor figura musical noruega y que la ha llevado a cantar con músicos de jazz como Jan Garbarek, y en este caso, el que nos atañe, es un maravilloso disco de remixes con versiones de eminencias de la talla de Kohib, Schwartz, The Knife entre otros. Cautívense.

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Henrik Schwarz - DJ-Kicks

Henrik Schwartz es un músico alemán, conocido por sus sets de gran eclecticismo, donde fusiona algunos clásicos del jazz y soul con música house, y lo hace estupendamente. Por ese motivo es que he elegido hoy este disco, que editara Studio K7 en el año 2006 para la famosa serie Dj kicks.
Henrik se ha convertido en uno de los mayores baluartes del Deep House en Alemania, reflotando el viejo sonido de Chicago y produciendo junto con Dixon y Ame varios de los mejores tracks que escuchamos estos últimos años.

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Björk - Dull Flame Of Desire (promo EP)

Existencia objeto de intensos estados de enajenamiento y arrebato tanto así como de sublimación etérea; de frágil cuerpo y espíritu sutil aunque animoso, envuelta invariablemente por un radiante fulgor de misticismo; dama excéntrica e introvertida pero jamás vulgar, acaso sí, beldad insuperable sin par…, Björk es una excepción a toda concepción estética posible. Para algunos puede ser una bruja oscurantista y lasciva, igual que para otros lo es regia emperatriz de algún ignoto imperio de fantasía, uno hinchado de una sempiterna musicalidad hecha de pura ilusión; y en cualquier caso, su voz puede pertenecer a una arpía lo mismo que a una reina. No podemos siquiera, contrastar artista alguna con la islandesa…, y es que siempre la báscula se inclinará unilateralmente en favor de la última... ¿Qué más decir de esta mujer que parece ser ajena a la Tierra?..
La conjunción de la islandesa con el inglés Antony Hegarty (Antony and the Johnsons) para cantar a dúo Dull Flame Of Desire, que no es otra cosa que una bella adaptación de un poema de Fyodor Ivanovich Tyutchev, no puede ser desatendida ni por aquel que se atribuya a sí mismo el distintivo “despreciador por excelencia”. Sí, Björk nos acaba de obsequiar un nuevo EP con versiones de los tracks 3 y 4 de Volta, a cual más encantadora y fascinante... Una vez más extrayendo material de su sexto álbum de estudio para arreglarlo y renovarlo hasta alcanzar casi la perfección, la cuestión es que no podemos ni forzadamente cansarnos de todo aquello de lo que Björk tiene a bien otorgarnos... Una entrega más para ubicar religiosamente en el pequeño altar casero, que no pocos le hemos consagrado…

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El Columpio Asesino - La Gallina

Integrada a finales de los noventa, El Columpio Asesino es una de esas tantas agrupaciones anónimas que se hacen prácticamente a partir de la nada, creciendo a fuerza de arduo trabajo, combinado con un poco de suerte, y fe ciega en el absurdo. Desde sus principios su música bien les hubiese significado un billete gratuito válido para atravesar las mismísimas puertas del éxito, sin embargo, no les fue fácil, ya que los enemigos de las excelencias proliferan en todos lados. Asimismo, aunque en menor medida, los hay también amigos de todo lo que es bueno, y éstos no dudan en reconocer y premiar la virtud cuando ésta es inequívoca.
Con un simple demo primigenio fueron premiados en diferentes concursos de talentos, hasta que finalmente fue el reconocimiento en un evento organizado por Astro Discos, Sol Música y Terra (España), por medio del que lograron editar su homónimo álbum debut en el 2003, y es que tal era el premio. Seguidamente hicieron numerosas presentaciones en diversas penitenciarías, y así trabajando, en el año 2006 llegó su segundo álbum, llamado De mi sangre a tus cuchillas, presentado una vez más por Astro Discos, sello que también hizo lo suyo con el reciente, La gallina.
Tan críticos como poetas, son cinco los españoles que hacen arte bajo el curioso nombre El Columpio Asesino: los hermanos Raúl y Albaro Arizaleta, Iñigo Sola, Markos Tantos y Xabier “Txibe” Ibero. Usan guitarras, bajos, banjos, trompeta, sintetizadores, batería y otras percusiones para crear su música, la que se traduce en forma de una propuesta totalmente ecléctica. Rock, punk, pop y música electrónica, como por ejemplo trip hop, les vale a estos excelsos artistas como vía de expresión. De igual modo, nunca dudan en llevar su fusión aún más lejos, concibiendo finalmente un sonido muy personal y fácilmente reconocible.
Inspirado en Radiohead, New Order, The Clash, Mecano, Moby y Jean Michel Jarre entre otros tantos, La gallina es un álbum más serio que sus antecesores, pero no por eso debe entenderse que pueda a llegar a ser pedante. Musicalmente excelente, además, ocupan gran protagonismo las letras en este tercer trabajo, ya que son íntegramente reveladoras y significativas en demasía, por lo que se podría decir que en este apartado El Columpio Asesino llega, seguramente, a su máxima expresión. Por lo demás, no podría yo explicarles lo interesante y atrayente que es la música de estos españoles..., antes bien, deben hacer ustedes sus propias valoraciones y les doy mi palabra de que no se han de arrepentir.

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Stereolab - Chemical Chords

Según se dice por ahí, tal vez Stereolab haya sido una de las primeras agrupaciones en producir música catalogada como post-rock, y puede que así sea… En todo caso, pecar de ignorancia en cuanto a saber o no cuál es el estilo puntual que toca esta gente no es del todo una falta, sino que sólo basta con que dispongamos de la curiosidad despierta y la sensibilidad necesaria para saborear y apreciar su música. Como con todo, sea literatura, cine o música, la belleza del arte corre por mano de quien se entrega a ella, para más tarde concederle su valor.
Así, Stereolab, con casi veinte años de historia, sino más, ha gozado siempre de la buena aprobación de la crítica pero…, no obstante, apenas si nunca tuvo un gran número de seguidores. Momentos de altibajos y otros de mayor fortuna para los integrantes de este proyecto formado en Inglaterra, Tim Gane y Laetitia Sadier, fueron superados a través de los años, acaso, innumeras veces. Por tanto, tal parece que la perseverancia es una gran cosa, de la que como muestra les facilito, he aquí, el décimo y más reciente álbum de Stereolab.
Rock experimental de los 60 (kosmische musik), lounge, easy-listening y pop también de aquellos tiempos, más guitarras, teclados y sintetizadores analógicos y algún que otro artificio se presentan a disposición del dúo, para que éste de vida a su música. Canciones alegres, en inglés y francés, son cantadas por Laetitia Sadier de manera muy cándida y simpática, pero no sin incluir mensajes ciertamente serios... Sí, este dúo ha creído y aún lo sigue haciendo, como tantas otras personas, en ideales de índole marxistas, y no desperdicia oportunidad de señalar lo que siente y piensa. Y en tiempos en los que el capitalismo bien se puede confundir con maquiavelismo, Stereolab continúa manifestándose más aún en su estupendo Chemical Chords.
Si bien la crítica ha favorecido en más de una ocasión a este dúo sólo por la profundidad del mensaje que siempre intentó plasmar en su obra, se debe decir que su música en general siempre ha sido, y ahora más que nunca, excelente. En Chemical Chords aparecen con aires renovados y nos atrapan de principio a fin con una propuesta en plan synth-pop; mucha vivacidad, alegría y calidez para decir que los años no le fastidian en lo absoluto; un disco para no parar de escuchar bajo ningún concepto. En suma, sin importar dónde hayan fijado sus más altos y dignos ideales, Chemical Chords será el punto exacto en el que todos los prejuicios se esfumarán sin más...

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