Marsmobil - (Why Don't You Take) The Other Side

A distancia de cuatro años desde que lanzara su álbum Minx, el celebrado proyecto de Roberto Di Gioia acaba de regresar con una nueva obra bajo el brazo. Marsmobil lanzó recientemente su tercer esfuerzo en formalo largo, el cual se titula (Why Don't You Take) The Other Side.
La música de Marsmobil ha evolucionado con el pasar de los años, y su tercer largo es viva prueba de ello. Si en Minx daba placer escuchar sus temas electro-pop de corte ambiental, en (Why Don't You Take) The Other Side la satisfacción aumenta dado que de ambiental ya no queda casi nada, pues ahora se debe hablar de electro-pop sin más. Roberto se ha impuesto nuevos nortes y, afirmándose en su pericia como compositor, arreglista y multiinstrumentista, ha creado un magnífico álbum pop de dimensiones clásicas. Tal es así que el vínculo con las raíces del pop, el rock y la psicodelia de los sesenta, se vuelve tanto más evidente en su nuevo trabajo, pues continúa siendo el punto cardinal a partil del cual Marsmobil confecciona su música.
Dieciséis maravillosas canciones a cuál más pegadiza. Pop en toda regla, sin edulcorantes de naturaleza alguna. (Why Don't You Take) The Other Side es, en definitiva, un álbum sin desperdicios, que se volverá objeto de delectación de un público más que amplio.
Link in comment.

Koop - Coup De Grâce (Best of 1997-2007)

Koop es una dupla sueca formada por Magnus Zingmark y Oscar Simonsson, ambos amantes de la música negra, el house y el techno Detroit. Se habían presentado como dúo en el año 1997, con el lanzamiento de su ópera prima, la cual se tituló Sons of Koop. Cuatro años más tarde liberaron su segundo álbum, Waltz for Koop, y a éste le siguió Koop islands en 2006. Luego de su tercer largo, Koop quedó en stand by, motivo por el cual no ofreció nuevo material sino hasta los inicios de este año.
Coup De Grâce es el título de la nueva reseña de Koop, que en este caso no es un álbum de estudio, sino que, por el contrario, es algo por el estilo de un grandes éxitos. Se trata de un recopilata en el que Magnus Zingmark y Oscar Simonsson han metido los once tracks que, a fe de ellos, son los más trascententes de la andadura de su proyecto en conjunto. Clásicos mayúsculos de la escena nu jazz como Waltz For Koop, Come To Me, Forces? Darling, Summer Sun, Strange Love o Baby, entre otros, se encuntran agrupados en Coup De Grâce para deleite de todos.
Se puede pensar que, tras cuatros años de inactividad, los de Koop lanzaron el compilado como preludio de su cuarto formato largo, a modo de ir activando así a sus incondicionales; sin embargo, nada de ello se puede confirmar de momento. En cualquier caso, si bien para los seguidores de Koop este compendio no constituye novedad alguna, es claro que es un verdadero placer redescubrir tan maravillosa música. Por lo demás, quienes no estaban enterados de la existencia del preclaro combo sueco, pueden introducirse a su obra Coup De Grâce mediante.
Link in comment.

Kevin Yost - Fundamentals (Best Of The Early Years)

Su anticipada afición por el jazz y su buena noción del ritmo, en tiempos en que se empezaba a gestar la cultura clubbing, lo habían movido a realizar sus primeras incursiones como dj a la edad de once años. De este modo, haciendo las veces de dj en fiestas colegiales y demás, tres años más tarde Kevin Yost contó con el dinero necesario para montarse un modesto estudio casero, en el cual al punto comenzó a realizar sus primeras tentativas de producción. Más tarde, a modo de reforzar su buen sentido musical, llevó adelante diversos estudios en conservatorios tales como el Berkley College of Music y el Shenandoah Conservatory.
Mediando los noventa comenzó a enviar demos a diferentes sellos discográficos, lo cual le deparó un primer contacto con i! Records. La referida casa de New Jersey fue la que resolvió editar sus primeras manufacturas, para luego convertirse en su benefactora amparándolo durante toda su carrera. Y es que el sonido de este artista yanqui, por entonces ya tan talentoso, fue uno de los primeros en ostentar una clara fusión de deep house, jazz y percusión, fórmula a la cual enseguida se adherirían, a su manera, numerosos artífices como Matthew Herbert o St Germain. Así, con arreglo a lo apuntado, es posible afirmar que Kevin Yost es uno de los grandes referente del jazz house, por lo que sondear su obra se vuelve, sin género de dudas, del todo interesante.
Recientemente i! Records publicó Fundamentals (Best Of The Early Years), que no es otra cosa que una compilación exclusiva que abrevia los mejores momentos habidos en la extensa y pródiga carrera de Kevin Yost. Según reza el título, se trata de un compendio en el que, a manera de retrospectiva, aparecen algunos de los temas más significativos que el artista ha despachado durante sus primeros años de andadura. Algunos de la segunda mitad de los noventa y otros de los primeros años del corriente siglo, se cuentan en Fundamentals tracks tales One Starry Night, Dreams Of You, Stronger Love, Another World o Hip On You, entre otros tantos. En suma, esta suerte de antología, fundamental para todo aquel que se valúe auténtico amante de la música electrónica, no sólo da cuentas de quién es Kevin Yost, sino que también condensa a lo largo de doce temas lo que es, en definitiva, la esencia misma del jazz house.
Link in comment.

Slacker – Start A New Life

Slacker es el seudónimo artístico de Shem McCauley, un artista inglés que décadas atrás se adjudicara cierta reputación incursionando el circuito progressive house. Si bien la música orientada a la pista de baile se le daba bien, a comienzos del siglo XXI comenzó a desentenderse poco a poco de ella y en 2007 decidió abandonarla por completo...
Según refiere el propio artista, reunió sus enseres básicos en dos valijas y se marchó hacia Bangkok, donde se reinstaló y no a mucho comenzó a enseñar yoga. Tras un par de años de llevar una vida al margen de todo hedonismo, empezó a cobrar nuevo interés por su vieja pasión, lo que lo movió a enfrascarse nuevamente en la producción. No obstante, en esta ocasión, tal vez llevado de una concepción más espiritualizada de la música y ya sin vestigios de ínfulas de fama, decidió dejar atrás el progressive house en beneficio de abrazar un sonido que se ajustara mejor a su nueva vida. El resultado de ello: Start A New Life.
Antes que nueva vida, más se antoja una recapitulación de carácter introspectivo. El caso es que Slacker, sumido en una sincera nostalgia, resolvió rendir una suerte de homenaje a la escena chill out de los noventa. Ello se debe a que siempre había admirado a diversos artistas tales como The Sabres Of Paradise, The KLF, Aphex Twin, The Orb, Boards Of Canada, Coldcut o Future Sound Of London, pero circulando las sendas del progressive no se permitía a sí mismo incursionar otro circuito. De hecho, Start A New Life marca para él el principio de una nueva vida en la que decide hacer, de una vez por todas, lo que tiempo atrás quería llevar adelante. Dando oídos al álbum se advierte, por ejemplo, que Hymn To Her es un tributo a un clásico de The Orb, al igual que A Million Dreams lo es de viejo tema de Aphex Twin. Y es en este relajante marco, marcadamente cálido y preciosista, que se mueven los doce temas que conforman la obra, lo cual sume al oyente en una especie de viaje regresivo la mar de sugerente…
Link in comment.

Funki Porcini – On

Luego de ocho años en la antecámara, finalmente James Bradell decidió volver al ruedo con su celebrado proyecto Funki Porcini. Este artista inglés, desde siempre amparado por Ninja Tune, acaba de retornar a la peliaguda escena electrónica con la que es, pues, su quinta puesta en largo.
Titulado On, este nuevo álbum es una obra totalmente introspectiva, a través de la cual se consigue entrever quién es el hombre tras los sonidos. Por medio de diez tracks el inglés consigue esbozar un magnífico diagrama de su andadura, en el que incluso rinde homenaje a algunas de las figuras que han influenciado su enfoque artístico. Resuenan, por ejemplo, nombres como Robert Moog –quien concibiera junto a otros inventores el sintetizador, y se dedicara a fabricar theremines buena parte de su vida–, Henry Mancini –preclaro músico de jazz que elaborara, entre otras cosas, la banda de sonido de la Pantera Rosa–, Robert Crumb –excéntrico historietista e ilustrador estadounidense– y Lionel Hampton –célebre y talentoso multiinstrumentista de jazz.
Nada más arrancar On se encuentra Moog River –tributo por partida doble: Moog y Mancini en un mismo tema–, un delicado y jazzero track en el que las cálidas melodías de un theremín se amalgaman con las del sintetizador emulando con su resultante a las cadencias inolvidables de Moon river, un viejo tema que Henry Mancini confeccionara alguna vez para la banda sonora de la película Breakfast at Tiffany's. De camino sigue This Ain't The Way To Live, una pieza trip hop la mar de misteriosa que recuerda a viejas producciones de Kid Loco, y detrás Belisha beacon, un psicodélico y jazzero track cuya luminosidad remite a la que suelen ofrecer los auténticos faros Belisha. Y ya luego los temas continúan su marcha forjando coloridas y variadas atmósferas, de entre las cuales cabría destacar la conformada por la sucesión de Bright Little Things, Robert Crumb's Natural Gait –homenaje a Robert Crumb y su viejo grupo de blues Cheap Suit Serenaders– y The Magic Hands Of Fernando Del Rey –dedicado al jazzman Lionel Hampton–; tres psicodélicos tracks sobrados de jazz y blues, en los que no es posible distinguir si fueron obra de una auténtica banda o el resultado de un excelente bricolage de sampleos.
Exhibicionista como el que más, Funki Porcini desplegó todo su bagaje melómano a lo largo y ancho de diez tracks, formando así una banda de sonido sin igual. On es, en definitiva, el corolario de la longeva y exitosa carrera del inglés; un álbum a todas luces excelente en el que el artista dio cuentas, una vez más, de su buen hacer...
Link in comment.

Seabear - We Built A Fire

Luego de publicar exitosamente su debut como solista a fines del 2008, tal parece que Sindri Már Sigfússon estuvo regresando al proyecto que, si bien lo había iniciado en solitario él mismo, al día de hoy es una banda de siete integrantes. Con la reincorporación de Sindri a principios del año pasado, Seabear se consagró a la composición y en los estrenos de este 2010 tuvo a punto su segundo largo, el cual lleva por título We Built A Fire. Y aunque la nueva ópera de la consolidada agrupación islandesa será publicada el mes entrante vía Morr Music, es claro que, como es acostumbrado, ya se puede acceder a ella.
El segundo largo de Seabear es su primer trabajo orquestado íntegramente por una banda, dado que, tanto la escritura de las canciones como su composición, fue obra de sus siete integrantes. De este modo, ahora todo se aprecia como si se tratase de una fogata en torno a la cual se han reunido a trabajar la totalidad de artistas que hacen a la agrupación, aunque no por ello se deba pensar que el sabor lo-fi tan característico que Sindri había impreso en su debut como Seabear se haya perdido. Y es que si bien la banda ha recabado cierta notoriedad, es bien cierto que continúa manteniendo la humildad de sus inicios, pues sus componentes grabaron We Built A Fire íntegramente en un sótano y luego pergeñaron de mano propia las artísticas y videos del disco, además de encargarse de la posterior promoción.
En lo que respecta a lo estrictamente musical, es claro que la vena folktrónica de Seabear sigue omnipresente lo mismo que antes, principalmente en tracks deliciosos como Lion Face Boy, Wooden Teeth e In Winters Eyes. Por otra parte, también hay lugar para ensanchar los horizontes encarando otros registros; el rock en piezas como Fire Dies Down, I'll Build You A Fire, Softship y Wolfboy, o la balada en temas como Cold Summer, Leafmask, We Fell Of The Roof y Warm Blood. En el apartado vocal la voz de Sindri sigue brillando, como siempre, con su particular inflexión de pesar, aunque en esta fogata especial los demás participantes se unen en forma de coro, las más de las veces deparando estribillos sensacionales y, por supuesto, totalmente pegadizos.
Sin dudas que este nuevo álbum le vale a Seabear una escalada tan importante que incluso se la podría situar a la altura de otras agrupaciones como Sigur Rós, Múm, Fredrik o The Album Leaf, de suerte que más conviene no perderle pisada…
Link in comment.

Massive Attack - Heligoland

Bueno... aparezco y vuelvo a desaparecer con este pequeño aporte. Como siempre, no voy a explayarme mucho en la descripción. Este tan esperado quinto disco de esta legendaria banda pionera del “Bristol Trip-Hop” llega a nosotros exactamente siete años después de aquel 100th window del 2003; desde hace un tiempo se habían filtrado los temas como para armar el disco pero en versiones pobres de calidad, por lo que decidí esperar ya que la release del disco fue el 4 de febrero pero a las tiendas llegó el 8 de febrero y como caído del cielo se los dejo. Sólo puedo decir que lo disfruten y júzguenlo ustedes. See ya =)

Fredrik - Trilogi

El año pasado habíamos degustado el álbum debut de la agrupación sueca Fredrik, por lo que ahora, en vistas de que estos artistas no han renunciado a lo suyo, tocó el turno de apreciar las bondades de su segundo largo: Trilogi.

Por mi parte, ya había anunciado que el sello sueco Jezebel Recordings se encontraba publicando unos EPS de Fredrik, si bien, por entonces no sabía que aquéllos habrían de conformar Trilogi. Por tanto, es claro que estamos ante un álbum conceptual que se derivó de la conjunción de tres EPS que según su orden de liberación fueron titulados respectivamente Holm, Ava y Ner, o en su interpretación en inglés, Frozen forest island, Water through sound y The inside underground.
Respecto a las impresiones talladas en Trilogi, la crítica vio a los miembros de Fredrik ahondando sobre ciertas teorías que el literato estadounidense Howard Philips Lovecraft había desarrollado a través de sus obras. Esta revisión subjetiva por parte de los suecos no ha sobrellevado cambios significativos en su impronta artística, pero en función de la naturaleza de los puntos tratados, sí movió a que su música se volviera más melancólica que de ordinario, a punto tal que, de la psicodelia o alegría que antes se evidenciaran en ella, apenas si ha quedado nada. Y es que abordando cuestiones tales como los enormes embates que produciría el que el hombre fuese capaz de unir todos los conocimientos que se hallan disgregados en su cerebro*, no se podía esperar menos que encontrar a la música de Fredrik totalmente abatida…
En relación a lo estrictamente musical entra en razón decir que, a diferencia del material ofrecido en Na Na Ni, la propuesta de Trilogi no brinda ninguna tentativa orientada a mostrarse en clave indie rock, sino que se desdobla enteramente en plan folk. Pero el modus operandi de la agrupación sigue siendo el mismo de siempre, de forma que la intensa carga instrumental sigue primando por sobre cualquier intervención electrónica que sea posible hallar, e igualmente, los vocales de índole operística continúan dando cuentas de sutileza infinita y buenas cuotas de carga emocional. Y es que la inflexión de sentido pesar que adopta el voz principal se aviene perfectamente con esas melodías hoscas que despuntan entre los exuberantes entretejidos instrumentales, de lo cual sólo se desprenden lánguidas y peliagudas texturas sonoras que, sin embargo, no se oponen a lo que es, en esencia, estrictamente bello… En definitiva, se podría decir que el contraste que subyace entre Na Na Ni y Trilogi se revela sólo a los sentidos, pues lo que antes se podía antojar rebosante de luminosidad y optimismo, se puede advertir ahora pletórico de oscuridad y misticismo…

*No hay en el mundo fortuna mayor, creo, que la incapacidad de la mente humana para relacionar entre sí todo lo que hay en ella. Vivimos en una isla de plácida ignorancia, rodeados por los negros mares de lo infinito, y no es nuestro destino emprender largos viajes. Las ciencias, que siguen sus caminos propios, no han causado mucho daño hasta ahora; pero algún día la unión de esos disociados conocimientos nos abrirá a la realidad, y a la endeble posición que en ella ocupamos, perspectivas tan terribles que enloqueceremos ante la revelación, o huiremos de esa funesta luz, refugiándonos en la seguridad y la paz de una nueva edad de las tinieblas. (Howard Phillips Lovecraft - La llamada de Cthulhu - 1926)

Link in comment.

Jaga Jazzist - One-Armed Bandit

A distancia de cinco años desde que publicara su último álbum de estudio, el colectivo noruego Jaga Jazzist acaba de regresar con otro largo de antología a cuestas. One-Armed Bandit es la ópera por medio de la cual Jaga Jazzist pretende dar nuevas y múltiples formas a todas las bondades ya exhibidas en What we must, de modo que más conviene volcarse de lleno a su exploración...
Como bien es sabido, los de Jaga Jazzist traen desde sus principios la costumbre de mostrar nuevas aristas cada vez que sacan a la calle un trabajo, razón por la cual, ya con quince años de andadura, es de creer que aún no han perdido la maña, pues su nueva entrega no es la excepción. A este respeto, meses atrás el propio Lars Horntveth –uno de los cabezas de la formación– había referido que One-Armed Bandit habría de mostrarse como si de un cruce entre Richard Wagner y Fela Cuti se tratara, dicho lo cual, no pocos empezaron a extraviarse aspirando a dilucidar cómo podría sonar semejante enlace sin precedentes en los anales de la música.
A diferencia de What we must, en One-Armed Bandit se advierte un marcado alejamiento del post-rock que tan bien había exhibido aquél, y esto se deja ver en el hecho de que las guitarras ya no se presentan en un primer plano sino que se racionalizan en pequeñas apariciones efectivitas a lo largo de todo el álbum, dando así lugar a que el apartado académico adquiera mayor relevancia. Y es que, si bien tanto el trasfondo jazzístico con base en las dos baterías sincrónicas y las exquisitas orquestaciones siguen omnipresentes lo mismo que antes, vale aclarar que éstas últimas han sido llevadas a su máxima expresión, y de manera tal, que por momentos semejan ganarse todo el protagonismo. No obstante, de lo dicho se desprende que a priori no se evidencian cambios significativos en lo tocante a las estructuras de las composiciones, y en consecuencia conviene preguntarse: ¿a qué se refería puntualmente el artista al hablar de un cruce entre Wagner y Cuti?
Lars Horntveth no intentó darse traza de hombre grandilocuente o simplemente interesante con su frase, sino que puso a contraluz el meollo de la cuestión de forma clara y concisa. Jaga Jazzist ha recogido el dramatismo wagneriano y la exuberancia rítmica de Cuti en un mismo álbum, asentando todo ello bajo su propia impronta vanguardista. Las inmensas orquestaciones, que las más de las veces se antojan retro por el estilo de las bandas sonaras de viejas películas policiales, dan cuenta de un dramatismo rico en matices y contrapuntos de toda idiosincrasia; las secciones rítmicas, pletóricas de jazz y funk, se antojan trepidantes lo mismo que aquellas que deparara Fela Cuti, y el resto se desdobla por sí solo con la adición de los variados destellos ofrecidos por los sintetizadores y otros toques correspondientes a las programaciones electrónicas que de ordinario suelen ultimar las obras de Jaga Jazzist. De este modo, conjugando su personal visión con la inspiración brindada por los inmortales Wagner y Cuti, esta suerte de big band contemporánea ha actuado como sinergia entre sonidos en principio inconexos, los cuales sólo a partir de sus diestras manos se devinieron en forma de una nueva y única representación. Por medio de este sutil giro de tuerca, los noruegos ponen de manifiesto una vez más la razón por la cual el proyecto que llevan adelante hace quince años todavía es considerado uno de los más reveladores de los últimos tiempos, pues los años pasan y Jaga Jazzist sigue entregando material fresco como si en verdad su fuente de inspiración fuese inagotable. En definitiva, dejando ya de lado mis retraídos intentos de exaltar lo que por naturaleza ha de sobresalir por sí mismo, sólo resta decir que, desde el vamos, One-Armed Bandit debería contarse dentro de los discos más maravillosos de este 2010, incluso más allá de las siempre inadecuadas etiquetas y la perpetua disparidad de gustos…
Link in comment.

The Album Leaf - A Chorus of Storytellers

Nada más arrancar este 2010 se estuvo filtrando en la red el quinto largo de The Album Leaf, que no es otro que el celebrado proyecto unipersonal del multiinstrumentista yanqui Jimmy LaValle. Titulado A Chorus of Storytellers, el nuevo disco de Jimmy es el trabajo de tres arduos años, los cuales incluso fueron fraccionados en diversas etapas de gestación que a su vez tuvieron lugar en distintos puntos del globo. Y en vistas del gran empeño puesto en este álbum, entra en razón aclarar que ello se debe a que este año The Album Leaf se encuentra arribando a su primera década de andadura, razón por la cual desde tiempo atrás Jimmy venía urdiendo la trama de un larga duración que, llegado el momento de presentarlo, habría de estar a la altura de los acontecimientos.
En principio, Jimmy empezó a delinear todo por propia cuenta, bajo el mismo modus operandi del cual se ha resultado la totalidad de su discografía como The Album Leaf. No obstante, a la postre el artista citó a otros músicos de la escena indie norteamericana con ánimos de continuar trabajando en su empresa, de suerte que, por vez primera, estaríamos ante un álbum de The Album Leaf confeccionado por una banda propiamente dicha. Pero la cosa no acabó ahí, pues una vez el material hubo adquirido forma, los responsables de él se trasladaron a Islandia, donde con ánimos de echar una mano en los arreglos finales se encontraba esperándolos nada más ni nada menos que Birgir Jón Birgisson, es decir, el hombre que ha estado tras encomiables proyectos tales como Sigur Rós, Mugison, Amiina y tantos otros.
Con arreglo a lo apuntado, es ahora posible comprender cómo es que The Album Leaf dio con un álbum tan singular en belleza y profundo en emociones... Y es que si bien A Chorus of Storytellers puede ostentar las mismas características que siempre han descollado en la música de Jimmy, es claro también que en él se percibe cierto cariz de bagaje islandés, cosa que no puede menos que embellecer la totalidad de sus canciones. A este respecto, se podría decir que piezas no exentas de desenfado como There Is A Wind, Until The Last o We Are dan cuentas de lo que podría haber sido pergeñado en Estados Unidos bajo las tendencias predominantes en tal país, al tiempo que otras pesarosas pero delicadas como Within Dreams, Falling From The Sun, Stand Still o Summer Fog se antojan procedidas de un sentir esencialmente islandés. En definitiva, sea dicho que A Chorus of Storytellers lo tiene todo y bajo la mayor de las expresiones en cuanto a lo cualitativo se refiere; algunos de sus tracks son capaces de invitar al baile más desembarazado sin por esto perder en refinamiento, mientras que otros se adjudican traza intimista y preciosista incitando así a la contemplación más pletórica en coloridos…
Link in comment.

Electric President - The Violent Blue

Ya habíamos tenido la oportunidad de escuchar a Electric President, pues mediando el año pasado habíamos prestado oídos a Sleep Well, el que fuera su segundo álbum de estudio. Por entonces, la dupla yanqui había ofrecido un trabajo que, bajo una traza en apariencia pueril pero exquisita en su simplicidad, supo girar en torno a diversos devaneos engendrados por un infausto desvelo. Ahora, pasados ya unos cuantos meses desde aquél disco, Ben Cooper y Alex Kane acaban de regresar con The Violent Blue, que no es otro que su tercer esfuerzo en formato largo.
En The Violent Blue la dupla ha vuelto a introducirse en terrenos farragosos, ni más ni menos que en la misma medida en que lo hiciera en su ópera anterior, pues una vez más su música se devino de las alucinaciones deparadas por los azarosos tiempos que corren. Sin ir más lejos, baste con decir que gran parte de los tracks incluidos en el nuevo álbum son originalmente caras B resultadas de Sleep Well, y por lo mismo, los asuntos que fueran abordados en los temas de aquél una vez más vuelven a cuento. Sin embargo, tanto las piezas que ya habían sido confeccionadas como las que luego fueron trazadas en miras de ultimar el tracklist de The Violent Blue, se muestran perfectamente relacionadas entre sí e incluso coinciden en revelar a la dupla en un plan más orgánico que de ordinario, dado que si antes la improvisación acústica descollaba por sobre la presencia electrónica, ahora esto se ha vuelto tanto más evidente aún. Por lo demás, no se puede menos que decir que los de Electric President siguen inalterables en su impronta, pues si bien a priori sus canciones siguen semejando ser simples sobremanera, no por ello dejan de contagiar los ánimos con el enorme despliegue de profundidad emocional del que hacen gala…
Link in comment.

Intima - Revolver Club (Full album)

Mediando el 2009 habíamos despachado en calidad de adelanto la pieza homónima de Revolver Club, el tercer esfuerzo en formato largo de Intima. Ahora, a distancia de unos cuantos meses de la publicación oficial del álbum de la banda argentina, desde esta Suite creemos que, salvado ya el revuelo que generó, ya es el momento de compartirlo con todos aquellos que aún no han tenido la oportunidad de prestarle oídos…
Revolver Club no sólo conquistó los sentidos de los clubbers todos, sino que además supo avivar a la prensa argentina; diversos periodistas nacionales pararon sus antenas e hicieron inverosímiles gastos de elocuencia hablando de él, exhibiendo incluso nuevas cotas en sus cansinas prosas. Y es que, registrados ya diez años en la andadura de Intima, finalmente la maquinaria periodística parece haber caído en la cuenta de que la de Carlos Solá, Sebastián Cohn y Salvador Reynoso es una de las pocas bandas nacionales que, con toda tranquilidad, podría estar desenvolviéndose en cualquier punto del globo como si tal cosa; por tanto, de tarde en tarde merece que toda la atención recaiga en ella.
Los inestimables aportes realizados por artistas ajenos a la vanguardia musical como Diego Baus, Christian Aldana, Richard Coleman, Daniel Melero o Ignacio De Lamadrid, entre otros, dieron inspiración a los chicos de Intima abriéndoles nuevas perspectivas de cara a la producción, pues esto quedó a todas luces evidenciado en el álbum. Por otra parte, huelga decir que la batuta de un Diego Vainer inédito no pasó desapercibida, tanto más cuanto que llevados de ella fue como los de Intima consiguieron pergeñar la ópera de electrónica nacional cardinal del 2009; una florida colección de doce tracks que en su itinerario tuvieron franquear todas las atmósferas requeridas por los sentidos habidos en las naturalezas más exigentes: breakbeat de espíritu rockero, drum and bass de tintes ensoñadoras, house conducente al baile y electro ácido y desenfadado, todo ello y más en un mismo álbum, una vez más a medio camino entre la artificialidad electrónica y la impronta orgánica que supone una banda. Sin dudas que, una vez descubiertas las profusas bondades de Revolver Club, no se puede destacar ni tan siquiera un solo tema en particular, ya que todos se muestran en diferentes registros, si bien, siempre bajo la traza que sólo Intima puede delinear.
Por todo lo dicho y otras razones que quedan en el tintero, no se puede apuntar otra cosa que el tercer largo de Intima fue EL DISCO argentino del 2009… Por lo demás, sólo resta esperar que estos inquietos chicos sigan firmes en lo suyo y, de un momento a otro, vuelvan a las correrías con otra obra avasallante entre manos…

PD: Para más información respecto de Revolver Club, leer la reseña que escribí para Mixside aquí.

http://www.megaupload.com/?d=BSIRYENA

Owen Pallett - Heartland

Como es sabido, de cara a la publicación de su nuevo álbum Owen Pallett había decidido abandonar su distintivo Final Fantasy, por lo que Heartland aparecería registrado bajo su propio nombre. Es claro que los del popular juego intimaron al artista a que renunciara a distinguirse a costas del nombre de su obra, de modo que el cambio no es sólo un síntoma de madurez artística, sino que de por medio hubo una gruesa demanda judicial. Con todo, desatendiendo esas minucias semánticas que rodean al nuevo trabajo de Pallett, el caso que si bien el álbum sale a la venta oficialmente el próximo 12 de enero, ya se ha filtrado en la red, de suerte que más conviene comenzar a degustarlo ya mismo.
Los doce tracks de Heartland exhiben el mismo sonido que siempre caracterizó a Pallett, es decir, una agraciada y personalísima conjunción entre pop de autor y música académica moderna de la más delicada. No obstante, en esta ocasión todo se percibe más minucioso que de ordinario, y, en consecuencia, de mejor acabado estético. Tal vez todo se deba a que este señorito ya se encuentra en una faceta artística más elevada, y en parte también, a la mano que le han echado la Czech Symphony Orchestra y su amigo Nico Muhly, otro gran artista de alineación clásica que, por su parte, se adjudica colaboraciones con artífices tales como Antony and the Johnsons, Björk y Grizzly Bear, entre otros tantos.
Heartland es un álbum temático que gira en torno a las peripecias de un peculiar personaje llamado Lewis; básicamente, el héroe de la historia decide plantarle cara al Todopoderoso. Y si bien hay muchas narrativas musicales que se nutren del tópico de excéntricos personajes que se figuran luchar contra fantasmas, la de Pallett no es especial sólo porque su estrella se enfrenta al fantasma más popular de todos los tiempos, sino porque su música evidencia belleza por los cuatro costados, aunque por otro lado, su característico histrionismo sigue latente como siempre.
La odisea de Lewis es narrada elocuentemente por el propio Pallett, quien una vez más hace todo el gasto de sus virtudes vocales, por momentos incluso sobresaliendo por sobre las delicadas construcciones sonoras dejando así más florido todo el asunto; a veces bajo un marcado halo de oscuridad y otras difundiendo notoria luminosidad, las piezas se suceden como si del pasar las hojas de un mágico cuento de hadas se tratara. No caben dudas de que el exhibir cierto atractivo homérico es algo que siempre se le dio bien a Pallett, pero en Heartland ello aparece perfectamente cohesionado, a punto tal que nadie se atrevería a saltearse ni tan siquiera un solo track. Asimismo, otro fuerte del álbum es que, como invención músico-literaria sin par, para disfrutarla no hacen falta de por medio imágenes que hagan alarde de grandes efectos especiales, pues a éstas las generan nuestros cerebros sugestionados de la enorme grandilocuencia sonora. Tal vez temas como Midnight Directives, The Great Elsewhere, Lewis Takes Off His Shirt, E Is for Estranged o Tryst With Mephistopheles sobresalgan un tanto por encima del resto, pero en cualquier caso, lo cierto es que en general no hay desperdicio alguno…
Link in comment.

Nils Frahm - The Bells

Continuando con la línea de músicos de formación académica, hoy quiero que conozcan a un talento emergente al que no se le debería perder pisada de ahora en más.
Nils Frahm es un pianista alemán que se dio a conocer en 2008 tras muchos intentos fallidos por contactar a Peter Broderick, que no es otro que el encargado de la serie Solo Piano que edita el sello sueco Kning Disk. Resulta ser que Nils había intentado enviar su material musical a Peter más de una vez, pero por una u otra razón éste no recibía nada. Finalmente, ambos se encontraron en un concierto que llevara adelante Peter, y fue ahí donde trabaron relación; esa misma noche Broderick escuchó unas demos del pianista novicio y quedó prendado de su música.
La totalidad de las improvisaciones de piano de The Bells se grabaron en la iglesia berlinesa Grunewaldkirche, la cual en la actualidad se reserva cierto prestigio debido a que en otros tiempos la Berlin Radio Symphony Orchestra o la Berlin Philharmonic Orchestra la visitaban y grababan en ella piezas de Bach, Strauss, Beethoven y demás. El caso es que, bajo consejo de Peter y sugestionado también por la magnificencia del templo, Nils se dio a lo suyo e improvisó música durante poco más de cinco horas. A la postre, se recogieron en The Bells los mejores momentos habidos en el profuso material registrado, de modo que, es de entender, alguna que otra pieza ha quedado afuera. Con todo, el álbum cuenta de once fragmentos pasmosos lo infinito, que ponen a Nils Frahm en la mira de todo melómano que se precie de tal.
Quienes disfruten con los solos de piano de artistas como Yann Tiersen, Ryuichi Sakamoto, Wim Mertens y demás, tienen la obligación de dedicarle un tiempo a Nils Frahm y sus sonidos.
Link in comment.

Ólafur Arnalds - Dyad 1909

Aunque Ólafur Arnalds semeje ser un artista presuntuoso –tanto más después de aquél proyecto exhibicionista que llevara a cabo bajo el título Found Songs–, lo cierto es que se lo puede permitir. Con sólo 18 años, en 2007 había dado plena muestra de su talento con su Eulogy For Evolution, y ahora, luego de liberar alguna que otra fastuosa reseña menor, acaba de regresar con ánimos de revalidar su nombradía. Dyad 1909 es el nombre que ha escogido para denominar al que es, pues, su segundo esfuerzo en formato largo.
Si bien las siete piezas que hacen a Dyad 1909 fueron compuestas para una obra de danza contemporánea, ello no debe mover a pensar que Ólafur se ha decantado por otros derroteros; por el contrario, de cara a la elaboración de su nuevo álbum el islandés siguió el mismo camino que transitara en Eulogy For Evolution, a punto tal que resolvió manipular fragmentos de temas de éste y, asimismo, reversionar otros. Musicalmente hablando, Dyad 1909 se podría abreviar como un viaje etéreo a más no dar, en el que los picos emocionales despuntan rayando los extremos con marcada exaltación; a veces con furor indómito, y otras, con arrebatadora pasión. Las sutiles melodías de piano en perfecta conjunción con las cadencias de los violines van hilando las sonoridades que delinean el trayecto, dejando entrever de vez en vez la intervención de la electrónica, la cual por fuerza y peso depara los mejores momentos, cosa que se evidencia a las claras en esos tracks de antología que son Brotsjor y Til Enda. Por lo demás, aquellos temas exentos de intervención electrónica consiguen igualmente encantar los sentidos, además de dar al álbum esos toques gráciles que sólo puede brindar el virtuosismo humano…
Link in comment.

Elizabeth Fraser - Moses

Luego de su tentativa frustrada de 2007, finalmente Elizabeth Fraser retornó a la palestra musical con un track dedicado a Jake Drake-Brockman, el ex teclista de Echo & The Bunnymen que, poco después de que sufriera un accidente vial, falleció el pasado 1 de septiembre. Titulado Moses, el single en cuestión fue íntegramente elaborado por Elizabeth y su compañero sentimental Damon Reece, quienes luego de ultimarlo lo terminaron publicando a principios de este mes vía Rouge Trade Records, de forma limitada hasta las novecientas copias.
La reseña cuenta de tres versiones a cuál más sugestiva. El tema original abre el single presentándose en clave trip hop exhibiendo delicadas resonancias étnicas propias de Oriente Medio, pero lo más destacable en él es, por supuesto, la voz de Elizabeth, a quien la herrumbre del tiempo parece no haberle infringido menoscabo alguno en sus cuerdas vocales. En la versión Thighpaulsandra se advierten ciertas tintes de cine, pero igualmente relucen por todo lo alto los vocales de la sueca, lo mismo que en el Spaceland Remix, adaptación en la cual el track original se deviene en orquestal, tornándose así ciertamente más orgánico aunque, por otra parte, también más etéreo y ensoñador.
Si bien a priori Moses puede parecer no ser demasiado para quienes llevan más de diez años esperando que esta náyade vuelva a prodigar sus canciones, lo cierto es que un par de escuchas y, marinos míos, ya pueden volver a extraviarse para el resto del viaje… En cualquier caso, la propia Elizabeth dejó abierta la posibilidad de que, de un momento a otro, se encuentre despachando un álbum de estudio bajo su propio nombre, por lo que no queda más que esperar dando oídos a este single…
Link in comment.

Kings Of Convenience - Declaration of Dependence

Si bien el tercer álbum en largo de The Whitest Boy Alive había aplacado bastante los ánimos de los admiradores de Erlend Øye, lo cierto es que todos siguieron esperando novedades de Kings Of Convenience, que no es otro que el celebrado proyecto que el noruego comparte con su compatriota Eirik Glambek Bøe… Finalmente, pasados ya cinco años desde Riot on an Empty Street, la dupla acaba de regresar con su tercer larga duración, el mismísimo Declaration of Dependence.
Erlend Øye supo aprovechar el nuevo álbum para plasmar su punto de vista respecto de las significaciones que se le pueden dar a la palabra dependencia, dejando en claro que, después de todo, no puede ser tan malo el depender de alguien, tanto más cuanto últimamente percibió su capacidad creativa ligada estrechamente a la de su compañero de equipo, lo cual avivó la llama artística de la dupla… De este modo, es claro que a través de Declaration of Dependence se sigue dejando oír el indie pop tan característico del dúo, ya que su esqueleto es la voz de Erlend, la cual se ha vuelto a posar sobre las dulces melodías que él y Erik roban a las guitarras, siempre con la adición de algún que otro pequeño y sutil arreglo orquestal… Por otra parte, al igual que sucedió con el álbum de The Whitest Boy Alive, el de Kings Of Convenience también tuvo algo de su inspiración en Méjico, por lo que rezuma calidez y desenfado por los cuatros costados, algo que siempre fue impronta propia de la dupla... Por lo demás, sobra decir que a Declaration of Dependence no hay nada que objetarle, pues su maravilloso sonido es todo lo que los seguidores de Kings Of Convenience esperaban, de modo que el binomio lo ha logrado de nuevo…
Link in comment.

Wet Cookies - Soul Protection

Wet Cookies es un colectivo vienés que se formó en el año 2006 bajo la dirección de los productores Axel Hirn y Björn Klein, en principio, como un pequeño grupo de músicos unidos por el amor que profesaban a la música negra y electrónica. No a mucho de los inicios del proyecto comenzaron a allegarse más músicos al grupo, de modo que al día de hoy, se puede decir que Wet Cookies es la conjunción de casi una veintena de artistas, todos ellos diestros en fusionar los géneros musicales negroides obteniendo por todo resultado un sonido totalmente personal, cuya traza es fácilmente reconocible. Su álbum debut, titulado Earthling, llegó en el 2007, y dos años más tarde, en el pasado mes de agoto, Wet Cookies presentó su segundo larga duración: Soul Protection.
A diferencia de su primer álbum en largo, la nueva obra de Wet Cookies abraza con mayor pasión el soul, aunque sin desestimar el funky, el jazz ni el dub que tan bien habían sido ahondados y conjugados en Earthling. Una vez más el predominio de lo orgánico es patente, dejando de este modo a la intervención de la electrónica como mero acompañamiento, a punto tal, que apenas si deja entrever su presencia. Las performances de vocalistas de primer nivel tales como Hubert Tubbs, Ola Egbowon, Ken Boothe, Abisara, Rufina Frontin y Betty Semper, han enriquecido sobremanera las trece piezas de Soul Protection, aportando las dosis de energía justas a cada una. El groove conducente al baile descuella en temas como I got reasons, 1,4,3, When I fall in love, Something's changing (en sus dos versiones), Inspired y Word up (un clásico de los ochenta), mientras que el sosiego y la delicadeza sobresalen en Is it really possible, Will you be good, Unwind (en sus dos versiones) y Personal stereo (original de Flunk), de tal suerte que el viaje ofrecido por Soul Protection se vuelve reconfortante a varios niveles. Sin dudas, se trata de una propuesta plenamente sugerente que los amantes de la música negra no pueden desatender…
Link in comment.

Ross Couch - Night and day

Ya han pasado unos cuantos días sin que esta Suite depare primicias, de modo que finalmente decidimos regresar, en este caso, con un poco de deep house preciosista, del que hacía mucho tiempo que no se escuchaba por estos lares...
Ross Couch es un dj y productor escosés que venía amenazando con lanzar su álbum debut desde principios de este siglo, cosa que ha terminado por prorrogar innumerables veces por una u otra razón. Finalmente, por cuenta de su propio sello, Body Rhythm, el pasado mes de agosto estuvo liberando su tan esperado larga duración, que no es otro que Night and day.
La obra prima de este escosés contiene un total de doce piezas que se desplazan al son de un sonido deep house delicado en grado sumo, de una fuerte carga de soul, jazz y funk. Acaso piezas como Lost Without You, People Of The Night, Use Your Loaf o Spaced Out, se podrían destacar por sobre el resto, pero el caso es que, al fin y al cabo, haciendo un balance general al final de la escucha caemos en la cuenta de que todas brillan por igual, puesto que de los visos melódicos, la traza soulful y la honda calidez, no escapa ninguna... Otro de sus puntos fuertes es que, al contrario de la mayoría de los álbumes de la misma índole, entre sus temas no se cuentan introducciones ni interludios de ninguna naturaleza, sino que todos abordan de lleno el 4x4 sin bajar el bpm en ningún momento, además decir que todos fueron confeccionados de forma especial para el álbum, de modo que no es posible encontrar fragmentos liberados anteriormente. Por tanto, se puede apreciar Night and day como un trabajo totalmente parejo, en el que, por supuesto, no se percibe desperdicio alguno...
Link in comment.

Bent - Best Of

Luego de un buen tiempo sin ofrecer novedades, recientemente la dupla Bent acaba de regresar con una suerte de antología, la cual recopila los mejores tracks aparecidos en sus cuatro álbumes de estudio. Y ya que un compilado de estas características puede no despertar el interés que debería, entra en razón decir que no sólo contiene las joyas clásicas del dúo, sino que además suma siete tracks enteramente frescos.
En vistas de que Bent se encontraba cumpliendo su primera década de vida, Simon Mills y Nail Tolliday decidieron celebrar el acontecimiento con su Best Of, al cual además colgaron en su myspace para su descarga gratuita. Pero puesto que de una celebración se trataba, el dúo no podía dejar de presentar material nuevo, de suerte que resolvió hacer doble el compilado a modo de incluir sus temas más representativos y manufacturas totalmente recientes. Al tiempo que en el CD 1 es posible redescubrir piezas magníficas como Swollen, Magic Love, As You Fall, I Can’t Believe It’s Over, Always y tantas más, en el CD 2 encontramos una revisión de K.I.S.S.E.S. y siete exquisitas pistas a estrenar. No Perrier!, Terry, Exercise 6, Far Behind, Star Of Loneliness, Harlequin Bitch y Bone Idol, no son más que los títulos que han elegido los integrantes de Bent para decirnos que, para alegría de todos, siguen por los mismos derroteros que abordaran corriendo el año 1999. De este modo, Best Of constituye, al fin y al cabo, una novedad para los seguidores de Bent, de tal suerte que hasta incluso da cuenta de lo que viene maquinando, es decir, su quinto álbum de estudio...
Link in comment.

Hope Sandoval & The Warm Inventions - Through The Devil Softly

A finales del año pasado les había servido el álbum Bavarian Fruit Bread de Hope Sandoval & The Warm Inventions, dando plenamente por sentado que el disco era imprescindible puesto que la dupla había desaparecido por completo. No obstante, tengo el indecible placer de decir que entonces había incurrido en un craso desacierto, ya que recientemente se acaba de filtrar en la red Through The Devil Softly, lo nuevo del dúo conformado por Hope Sandoval y Colm O’Ciosoig.
Al igual que lo hicieran en ese compendio sobrado de sutileza y ternura que fue Bavarian Fruit Bread, a distancia de ocho años estos artistas han vuelto a conjugar sus talentos con el solo fin de hilvanar nuevas canciones pletóricas de belleza y dulzura. Through The Devil Softly suma un total de once temas delicados lo indecible, en los que Hope vuelve a cantar como los mismísimos ángeles, y Colm dispone nuevas amalgamas acústicas, sin lugar a dudas que de ensueño. Y el mayor acierto en este álbum es que, muy al contrario de lo que solemos esperar de los trabajos de otros artistas, no hay cambio, ni evolución ni nada que se le parezca, sino que sólo encontramos nuevas canciones... Tal vez sea posible advertir mayor presencia del jazz en algunos temas, lo que, en cualquier caso, es del todo bienvenido… Por lo demás, la propuesta sigue siendo música folk preciosista de marcados aires poperos…
La cuestión se inicia con Blanchard, un fragmento deliberadamente fino que al punto logra retrotraernos a Bavarian Fruit Bread, de modo que ya no se puede dejar de poner cuidado en el álbum ni por un solo segundo... Wild Roses se abre con unas delicadas melodías de guitarra que a poco se opacan con la dulce voz de Hope, y cuando menos lo esperamos, el tema se embellece por todo lo alto cuando se dejan oír unas sutiles intervenciones de la armónica, instrumento que ha engalanado gran parte de las manufacturas de Hope Sandoval & The Warm Inventions y en el nuevo álbum hace otro tanto. El enigmático For The Rest Of Your Life se arrastra al ritmo que delinean las escobillas, y en Lady Jessica And Sam la cantante nos hunde en una melancolía totalmente placentera, lo mismo que en Sets The Blaze, en el cual todo se vuelve más profundo gracias a unas orquestaciones sumamente apesadumbradas… Mientras que en Thinking Like That los violines siguen brillando pero sobre una estructura netamente jazzera, There's A Willow se vuelve una pieza casi del todo atmosférica e infaliblemente dulce. A poco llega el soft rock por cuenta de Trouble, pero de mano de las tres últimas piezas, Fall Aside, Blue Bird y Satellite, nos volvemos a sumergir en el maravilloso mundo hopeano, un dominio onírico anegado de melancolía y ternura...
Dado que Through The Devil Softly no se editará de manera oficial sino hasta septiembre, les recomiendo que no tarden en descargarlo, pues el link no va a tardar demasiado en caerse.
Link in comment.

Jónsi & Alex – Riceboy Sleeps

Riceboy Sleeps es el álbum primero del proyecto que conforman Jón Þór Birgisson, guitarrista y voz principal de Sigur Rós, y Alex Somers, su compañero afectivo además miembro de la agrupación Parachutes. Su emprendimiento había nacido tiempo atrás, en principio, con ánimos de abordar sólo las artes visuales, pero no a mucho decidieron encarar la producción musical, cosa que hicieron consiguiendo incluir su tema Happiness en el excelente compendio doble Dark was the night, donde se exhibió junto a producciones de eminentes artistas como Andrew Bird, Stuart Murdoch, Anthony Hegarty y demás. De este modo, la dupla continuó trabajando y finalmente, el pasado mes de julio, tuvo listo su álbum debut, el cual se publicó vía Parlophone.
El larga duración cuenta con nueve tracks netamente instrumentales –a este respecto los compañeros amorosos contaron con el soporte de Amiina, el cuarteto de cuerdas oficial de Sigur Rós–, ambientales y la mar de preciosistas, que se resultaron de un depurado tratamiento sonoro con ordenadores solares, lo que proporcionó a todos los temas un inequívoco aire orgánico que se respira a cada paso... La cuestión se inicia con Happiness, un viaje ambiental no exento de melancolía que incluso parece ensombrecer a la propia “felicidad”, aunque bien apreciado deja entrever cierta placidez que, en efecto, raya con la felicidad, o cuanto menos con una pequeña felicidad. Atlas Song continúa de camino, en este caso, despuntando como si del sol se tratara, acaso brillando con su ingenuidad y la voz de Jónsi, quien no canta en absoluto, sino que sus murmullos se confunden con los del coro Kópavogsdætur, cosa que se repite a lo largo y ancho de todo el álbum. Indian Summer se antoja nostálgico pero bello lo indecible, y Stokkseyri se inicia con unas melodías de piano de una fineza en desuso, que a poco tardar desaparecen con la entrada de los colchones de cuerdas y los ambientes sobrecogedores que proporcionan los pads, cristianizándose en forma de una pieza onírica a más no dar. Boy 1904, All the Big Trees y Danell in the Sea, comparten la intensa carga tanto religiosa como emocional, y si bien Howl no difiere mucho en este sentido, ostenta, por su parte, unos sonidos étnicos realmente embriagadores… En último lugar se deja oír Sleeping Giant, tal vez el corte más profundo, insondable y apagado de todo el álbum, seguramente capaz de dormir incluso a un gigante, tal y como indica su nombre...
Link in comment.

Es - Kesämaan Lapset

Es es el proyecto en solitario del finlandés Sami Sanpakkila, quien no es sólo músico, sino también dueño de su propio sello, Fonal Records, además de un acreditado cineasta. Kesämaan Lapset es su quinto larga duración, recientemente aparecido luego de Sateenkaarisuudelma, álbum doble publicado en 2005 que le valiera diversos reconocimientos a nivel internacional.
En su nuevo trabajo Es ha reunido cinco pistas que, pese a ser tan pocas, suman un total de 45 minutos. Como artista finlandés, es claro que en Kesämaan Lapset el espíritu nórdico descuella, recordándonos, en todo momento, a esa música tan exquisita que suele prodigar Islandia. Esto lo notamos apenas arrancar el álbum, pues Ennen oli huonommin es un segmento onírico de poco más de cuatro minutos, en el que la psicodelia despunta como hilo conductor, confiriendo fascinación por los cuatro costados. En Kesä ja hymyilevät huulet prevalece la experimentación más acérrima, y Säteet sun sielusta es una delicada pieza anegada en belleza y melancolía nórdica, once minutos que van in crescendo, de la tristeza más sobrecogedora a la felicidad más incauta. Kesämaan lapset es un dechado de ingenuidad y una gran muestra de hasta dónde se puede llegar por los derroteros de la experimentación, pues sobrepasando por poco los veintiún minutos, el tema parece estar compuesto de varios segmentos sonoros a cuál más sutil y agraciado... El cierre de mano de Haamut sun sydämestä es sencillamente de otro planeta; su intensa carga emocional, sus resonancias kosmische y unos corales exquisitos embrollados en un todo delicado lo indecible, nos hacen volver a él una y otra vez…
Link in comment.

Lynx and Kemo - The Raw Truth

Lynx and Kemo es el incipiente proyecto del productor británico Lynx y el MC alemán Kemo, quienes actualmente tienen su base de operaciones en Inglaterra. Artistas unidos debido a sus afinidades ideológicas y musicales, comenzaron a despachar sus primeras producciones el año pasado, y este 2009, más exactamente el primero de junio que se nos acaba de pasar, liberaron de mano de SoulR su álbum debut, al cual decidieron titular, de manera poco más que curiosa, The Raw Truth.
Según indica el título del álbum, es claro que el dúo no sólo se propuso descubrirnos su música, sino también su ideología. Estos hombres se niegan a ser cómplices de “un mundo de mentiras y superficialidad”, y es por esto mismo que se autodefinen como unos rebeldes. A esto lo notamos sobre todo en Global Enemies, un track netamente oscuro en el que Kemo aprovecha para despotricar contra Dios y medio mundo, cosa que se repite en alguna que otra pista. Sin embargo, lo más importante es la música que han trazado para cantar sus verdades, pues, sin dudas, a este respecto han sabido encontrar el sonido perfecto.
Estos artistas lograron conjugar a la perfección sonoridades de la década de los noventas con otras totalmente actuales. Si bien el ritmo que predomina corresponde al de un dum and bass totalmente oscuro, éste se ve enriquecido sobremanera con toques hip hop, dupstep y pequeñas dosis de soul y funky, resultándose de esta manera en una infraestructura sonora compuesta de quince pistas a cuál más distinguida. La guitarra funky que logra resonar de fondo en medio de la sordidez mística de Hotriders, el suave soulful de The Real Thing, el apagado dub al más puro estilo Massive Attack de Raw Truth, o el retorno a la vieja escuela en Dangerous, son algunas de las peculiaridades que se ganan nuestra atención durante el primer tramo del disco. Luego nos deleitamos con otro pequeño fragmento dub titulado Broken Glass, disfrutamos de más oscuridad y más soulful de mano de All You Own y la experimentación servida en bandeja de plata con Semitones nos depara sólo parabienes, de modo que mediando The Raw Truth aún estamos totalmente expectantes. El resto se despliega por sí solo, repitiendo algunas fórmulas e incluso doblando la apuesta, consiguiendo así completar un cuadro general a todas luces sugerente, que sin dudas se ve exaltado por las diversas colaboraciones de vocalistas como Bango Collective, Dennis Jones, Kate Whitmarsh, Mika Doo, Malibu Rhodes, Spoonface, Alix Perez, Master X, Simon Wiggins y tantos más que, sin embargo, no logran opacar al propio Kemo. The Raw Truth es una propuesta sin dudas reveladora para el panorama drum and bass, y siendo que esta escena no ofrece grandes ejemplares habitualmente, no se puede desantender…
Link in comment.