School Of Seven Bells - Alpinisms (promo album)

En el año 2006, el guitarrista estadounidense Benjamin Curtis de la banda The Secret Machines decidió abandonar a ésta, y comenzar un nuevo emprendimiento. Para ser más veraz, el caso es que un tiempo atrás Curtis había descubierto lo que podía lograr sin otra cosa que su guitarra y una buena laptop, lo que sin dudas lo dejó encantado desde la primera vez... Igualmente, estuvo un tiempo sin sentirse lo suficientemente complacido por los resultados obtenidos, y es que sólo le faltaban los vocales perfectos para que todas sus ideas terminaran por cerrar de buen grado.
Las gemelas Claudia y Alejandra Deheza llegaron a Benjamin Curtis como concedidas por la mismísima Divina Providencia, al igual que si dos ángeles cayeran del cielo; ciertamente, Curtis no opuso resistencia alguna. De tal modo, las hermanas se unieron al proyecto y con ellas se consumó el asunto...
No sólo dotadas de voces angélicas, sino también de apariencia olímpica, estas chicas proporcionan el toque superlativo al ya acabado proyecto School Of Seven Bells, y se yerguen encima de la complicada música de Curtis confiriéndole su propia razón de ser. Las intensas atmósferas enriquecidas por beats dinámicos y colmados de vida artificial, no son más que el soporte, como pretexto, de las voces de Claudia y Alejandra. Ligeras y traviesas, las chicas se entretienen armónicamente con sus voces, cantando en forma de perpetua invocación a la concordia...
Alpinisms, el álbum primero de School Of Seven Bells, no hace referencia más que a la peligrosa disciplina deportiva mediante la cual lograríamos situarnos más cerca del lugar donde yacen las hermanas; que es el cielo claro está. En los mejores momentos del disco creeremos advertir en nuestras mentes nada más ni nada menos que la imagen de Elizabeth Fraser más la de una gemela suya, pero esto será producto de la satisfacción que conlleva oír a dos mujeres que cantan tan bien como preciosas son... Un encanto dar oídos a esta propuesta incluso para el sexo femenino, ya que éste no podrá sentir menos que orgullo de que en sus filas se cuenten semejantes ejemplares. ¡Para el goce de todo el mundo, y salud!

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The Miserable Rich - 12 Ways To Count

The Miserable Rich es un proyecto inglés cuyas bases se formaron en el año 2006, cuando el pianista y violonchelista Will Calderbank decidió unirse a una banda encabezada en aquel momento por el cantante James de Malplaquet. El encuentro de estos dos hombres, resultó en una amistad basada, primeramente, en sus gustos musicales…, debido lo cual comenzaron a ensayar por su cuenta, deambulando entre la música electrónica, indie y folk. Así, poco más tarde, creyeron oportuno sumar artistas a su empresa, de manera que integraron a los músicos Jim Briffet (guitarra), Rhys Lovell (contrabajo) y Mike Siddell (violín).
Formaron, como ya habrán reparado, un quinteto de cuerdas un tanto peculiar, una suerte de orquesta de cámara más que moderna. Crearon sus temas propios, y no a mucho se lanzaron a tocar donde se les daba oportunidad; y fue en una presentación especial que tuvo lugar en Roma, en un casamiento entre dos “ultra-ricos aristócratas” (según ellos mismos refieren en su myspace), que decidieron auto bautizarse con el distintivo, por supuesto alegórico, The Miserable Rich… Y saquen ustedes sus propias conclusiones sobre el posible motivo, de tal elección…
Actualmente poseen dos reseñas en circulación; un single 7" que sólo salió editado en versión limitada en el Reino Unido, llamado Pisshead / Boat Song, y su magnífico álbum debut publicado para toda Europa, 12 ways to count, que es el mismo que aquí les presento, para deleite de aplicados asiduos y peregrinos errantes...
Los ingleses ven su sonido influenciado por la música del viejo Colin Blunstone y los covers de Krafwerk del cuarteto Balanescu; por otro lado, también los clásicos encuentran en 12 ways to count su propio legado: un poco de música clásica, folk y electrónica desembocan de manera indudable en una propuesta encantadora de indie pop... Violín, violonchelo y contrabajo, todos de fantasía, aportan la exquisitez del clasicismo mientras que los excelentes vocales de James de Malplaquet, más las guitarras y percusiones electrónicas contribuyen dando el cálido toque pop que termina por definir esta elegante invitación... Imperdible para todo oído que se estime delicado...

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Akira Kosemura - It’s On Everything

Akira Kosemura es un joven pianista japonés, que comienza su carrera en el año 2005 y ya cuenta con 3 discos editados. No sólo es un destacado músico sino también, es director de un pequeño pero exitoso sello discográfico llamado Schole, con el cual ayuda a difundir los nuevos talentos de la música en Japón. En cuanto al disco que nos atañe, su segundo disco, fue editado en Australia por el sello Someone Good, minimalista y experimental con mucha instrumentación acústica como el piano, donde Akira se desenvuelve de maravillas. Monumental álbum, para momentos de soledad y relax.

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Agnés - Dumbles Debuts

Agnés es un joven productor de origen suizo, que regentea su propio sello discográfico residente en Ginebra y que lleva por nombre sthlmaudio. Gracias a su sello, podemos disfrutar no sólo de las producciones de Agnés sino también de otros artistas del mismo nivel como Apoll, Cabanne, Luka & Lazo, Tom Demac & Duckett y otros. Para la ocasión he elegido su hasta ahora único álbum Dumbles Debuts, editado por el sello Resopal Red, un disco cargado de groove, muy ecléctico, que oscila entre el minimal house y el dub.

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The Notwist - Neon Golden

Desde Alemania nos llega este cuarteto de melodías pop, cálidas, llenas de matices y dulzura. Liderada por dos hermanos Markus Acher y Micha Acher, comenzaron como grupo Punk hasta que en el año 1998 editaron Shrink, disco que significó un gran cambio con respecto a los anteriores, pero recién en el año 2002 editan Neon Golden, el cual sería su disco consagración y ya considerado como uno de los grandes discos dentro de la indietronica global. Un disco imperdible que los dejará sedientos de más Notwist.

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Halou - We Only Love You

Halou es un trío integrado por Rebecca Coseboom, Ryan Coseboom y Count. Con 11 años de carrera musical, Halou sufrió algunas transformaciones desde su primer disco, el cual es objeto de presentación en esta ocasión, por considerarlo el más importante y electrónico de su carrera. Algunos conocedores seguro encontraran varias cosas en común con Olive, incluso en la calidad de su vocalista Rebecca Coseboom, que nada tiene que envidiarle a Ruth-Ann Boyle.
We Only Love You, es un disco sutil, con excelentes arreglos y potentes bases drum and bass, un disco cálido, sensible, y por sobre todo perfectamente cantado por Rebecca.

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Deadbeat - Roots and Wire

El canadiense Scott Monteith comenzó en 1999 trabajando en una compañía de Montreal llamada Applied Acoustics Systems, una dedicada a la elaboración de softwares de audio profesional. De esta manera un año después, debido a la experiencia adquirida en su trabajo, arrancó bajo el seudónimo Deadbeat con sus propias producciones musicales, las que se mueven entre el techno y el dub, incursionando también el IDM, ambient o downtempo.
Para el año 2003 ya contaba con un buen número de reseñas editadas por diferentes sellos como Wagon Repair, Cynosure o Scape, por lo que decidió formar paralelamente un proyecto junto a su compatriota Steve Beaupré, llamado Crackhaus. Igualmente, no a mucho abandonó Canadá y se trasladó e instaló en Berlín, el paraíso de los artistas electrónicos… En Alemania continuó con su producción más a gusto, y al día de hoy ya suma 7 álbumes de estudio.
En su reciente y último trabajo llamado Roots and Wire, editado por el sello de su país Wagon Repair, Deadbeat nos ofrece esencialmente dub-techno. Por un lado, en sus temas más dub que techno, cuenta con la colaboración de Paul St. Hilaire, hombre nacido en la isla Dominica, quien contribuye con sus vocales en 2 ocasiones; por otro, en sus producciones visiblemente orientadas hacia las pistas de baile, encontramos techno y tech house grooveros, cargados de percusiones tribales. Todo esto, con un estilo muy firme y personal; como el mismo Monteith afirma en su myspace, se trata de su propia búsqueda a través de los unos y los ceros, la que en Roots and Wire se extiende a lo largo de 8 determinados tracks…

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Tba - Tba

Sin duda uno de los sellos referentes en cuanto a música electrónica en sus variantes más experimentales, Max Ernst, el sello de Thomas Brinkmann, editando también acá a una de las integrantes del colectivo "Goslab", también de la republica de Georgia, Natalie Beridze es más conocida como Tba.
He preferido darle prioridad al que considero su mejor disco de nombre homónimo a la agrupación. Este brillante trabajo, de cualidades muy experimentales, es a pesar de ello, muy escuchable con cálidas atmósferas como el track 7 Intr.-detec.sys, un viaje inmensamente bello. Un disco emocional que cala hondo y que con luz propia nos transporta a parajes surrealistas. Imperdible.

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Bang Gang - Ghosts From The Past

Disco 2008 de Bardi Johannsson, alias Bang Gang, este grandioso Islandés, como casi todo lo que proviene de la isla, no pasa inadvertido, después de su disco "Something wrong", Bardi ataca de nuevo con Ghosts From The Past. Para quienes conocen sus anteriores trabajos no descubrirán nada nuevo, pero eso no quita calidad a un disco plagado de tristes melodías y una delicada melancolía que conmueve desde el principio. En el disco participa nada menos que Keren Ann con quien forma Lady & Bird y también Anthony González de M83.

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Dean & Britta - Back Numbers

Para los que no conocen a Dean Wareham, uno de los dos integrantes de Dean and Britta, el es el creador de la agrupación Luna y de los archi-famosos Galaxie 500, en este caso se une a Britta Philipps. Dos enamorados que encajan perfectamente, sobretodo en el plano musical, pop elegante y muy intimista, para quienes prefieren las melodías relajadas, tirado en un sofá, con los ojos cerrados, dejando el tiempo pasar.

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Post Industrial Boys - Trauma

Desde Georgia, exactamente su capital Tbilisi, a orillas del Mar Negro, nos llega este excelente álbum de George Dzodzuashvili, más conocido como Gogi Ge.Org.
El es el fundador de este proyecto llamado Post Industrial Boys, un colectivo artístico formado por poetas, pintores, perfomers, cineastas y músicos. Trauma, es un disco del año 2006 y es para mí, sin desmerecer sus otros trabajos lo mejor de Post Industrial.
Pop electrónico vibrante, sutil, con climas muy intimistas y vocales que suenan al synth pop de los 80. Larga vida al sello de Thomas Brinkmann, Max Ernst, para que siga editando maravillas como esta. Presten especial atención al cover del clásico de Lou Reed, Take A Walk On The Wild Side, simplemente delicioso.

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Max Richter - 24 Postcards In Full Colour

Un alemán residente en UK, Max Richter es un pianista moderno, que gusta de combinar la música clásica con música electrónica, logrando pasajes ensoñadores y exquisitos. En este caso elegí su ultimo disco 24 Postcards In Full Colour, un disco compuesto íntegramente para teléfonos politonos. Con la idea de sonar cada vez que uno reciba una llamada, estas 24 piezas serán las encargadas de darle vida y calidez a los móviles del planeta.
La música de Max Richter no tiene desperdicios y podría recomendarles todos sus discos, incluida su participación en la banda de sonido de la ultima película de Isabel Coixet, Elegy.

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Populous With Short Stories - Drawn In Basic

El italiano Andrea Mangia comenzó su producción para Morr Music, bajo el seudónimo Populous, en el año 2002 con el LP Quipo, al que le siguió Queue for Love en el 2005 y actualmente, el vecino 5 de octubre, saldrá a la venta su tercer álbum de estudio llamado Drawn in basic, con la colaboración de Short Stories.
El sonido de este artista italiano ha cambiado un poco desde sus inicios, en los que como sabrán, sus producciones se percibían cargadas de folk, jazz y soul, aunque igual de frías y enmarañadas que ahora. En Drawn in basic recurre a un método que está siendo usado por muchos artistas en la actualidad, el que se reduce a una especie de proceso “feedback”, que consiste en usar viejos procedimientos, en desuso, para la creación musical. Así, Mangia retornó al uso de máquinas analógicas en combinación con herramientas digitales, buscando de esta manera el efecto que no consiste en otra cosa que sonar como los primeros músicos electrónicos…
En consecuencia, lo logra y más… Sin embargo, su sonido sigue siendo el de Populous, aunque precisamente en Drawn in basic lo podríamos puntualizar como un electro-pop difícil y flemático; tan frío como cálido, al igual que en sus anteriores producciones; de una estética a medio camino entre las primeras producciones electrónicas alemanas y las más recientes, en balance perfecto entre lo básico a lo que hace referencia el título del álbum (esto es, la simplicidad a la hora de crear) y el complicado enredo propio de las producciones más actuales… De esta manera, los ritmos y melodías robados de las máquinas por Mangia, podrán mostrar cierta insensibilidad en un principio, y es que en esta ocasión la calidez juega de la mano del cantante y guitarrista Mike McGuire de Gregory and The Hawk, quien favorece los temas del italiano con sus vocales, narrando dignamente sus correspondientes Historias Cortas (como indica su alias)… Las canciones sonarán oscuras o radiantes, pero en ambos casos serán excelentes, y de la mano de ellas percibiremos un álbum encantador en su totalidad…

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It's a Musical - The Music Makes Me Sick

En el mes de abril pasado, el dúo formado por la sueca Ellinor Brixt y el alemán Frank Schultge Blumm nos entregó Bobby and Blumm-Everybody Loves, un álbum presentado por Morr Music; y ahora, el 10 de octubre próximo por cortesía también del sello alemán, saldrá a la venta un nuevo álbum del dúo que en este caso, ha integrado la sueca Brixt junto con el alemán Robert Kretzschmar.
The Music Makes Me Sick es entonces, el debut de este dúo llamado It's a Musical, un disco grabado íntegramente en Berlín. En este caso, Ellinor Brixt se aleja notoriamente de la música que había concebido anteriormente con Blumm, la que era un pop acústico más que sutil, para crear en unión a Kretzschmar, también música pop indie. Las 12 canciones aquí presentadas, fueron primeramente escritas con el simple acompañamiento de un pequeño órgano, aunque Kretzschmar ya sabía en su cabeza, durante el proceso, cómo debía sonar posteriormente la propuesta…
Sumaron, además de sus propias voces, coros, guitarras, vibráfonos, trompetas, pianos, sintetizadores y demás, para plasmar en su obra prima música más que alegre y entretenida. Los dos integrantes del dúo relatan que ambos crecieron en pequeñas ciudades; Brixt en Hultsfred (Suecia), y Kretzschmar en Weissenborn (Alemania), amabas ciudades nostálgicas y aburridas, en las que no hacían más que evadir la realidad escapando, por medio de la imaginación, a sitios mejores... Estos lugares de ensueño, indudablemente, son los que toman la palabra y dan forma al discurso en The Music Makes Me Sick, título irónico para su primer álbum, puesto que la música fue siempre el refugio de estos jóvenes que después de descubrir las afinidades del alma que les acabo de expresar, decidieron grabar su debut como compensación de otros tiempos no muy agradables en sus vidas... Su merecida indemnización, presentada, una vez más, por Morr Music.

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Gregory and The Hawk - Moenie And Kitchi

La norteamericana Meredith, quien forjó por sí sola el proyecto Gregory and The Hawk, de pequeña ya cantaba, tocaba el piano y el violín... Pero en su adolescencia abandonó aquellos instrumentos eligiendo en su lugar la guitarra, con la que comenzó a componer canciones de manera tradicional y a presentarlas en diferentes clubes de Nueva Inglaterra, Estados Unidos. De esta manera, Meredith logró hacerse bastante popular dentro de un pequeño y selecto círculo, por lo que lanzó unos cds promo como solista y éstos ayudaron a reforzar su creciente notoriedad.
En el año 2003 optó por el distintivo Gregory and The Hawk para desenvolverse en calidad de artista, y poco más tarde conoció al guitarrista Mike McGuire, junto con quien decidió lanzarse a hacer algunas cuantas presentaciones como dúo. Posteriormente se unieron el baterista Adam Christgau y al bajista Jeff Ratner de la banda de Nueva York Paper And Sand, y los cuatro grabaron en el año 2006 el auto-publicado EP Boats And Birds. Al año siguiente Meredith, junto a Jeff Ratner, Mike McGuire y Susan Ambrose, grabó su álbum debut llamado In Your Dreams, también puesto en circulación de manera independiente. Pero al contrario que los primeros trabajos, el segundo disco de estudio recientemente aparecido, Moenie And Kitchi, fue producido por Adam Pierce (también conocido por medio de su alias Mice Parade) y publicado sólo en el Reino Unido por el sello FatCat Records; grabado por la banda finalmente compuesta por Mike McGuire con guitarra y rhodes, a la batería Adam Christgau, Doro Tachler en violín y contrabajo y por supuesto, Meredith cantando y tocando su guitarra.
Moenie And Kitchi es una propuesta indie, con fuerte predominio de la música folk y el rock alternativo. Cabe destacar, la inocente voz de Meredith que hace que todos los temas suenen de manera tierna e ingenua. Un halo de candidez y pureza flota de manera inequívoca por sobre las canciones, como si éstas exhalaran bondad en todo momento. En el dulce Oats We Sow, primer track, ya se traza la pauta que regirá condicionando a todo el álbum, a lo largo de sus agraciados 11 tracks. Un disco casi invariable, pero encantador; recomendado a los que tengan ganas de redescubrir música como la que hacía Nick Drake por ejemplo, pero en una versión ingenuamente tierna, sensible y fresca.


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Eine Kleine Nacht Musik x 2

Antes de postear el siguiente material no es válido siquiera un punto y aparte; iniciar un nuevo capítulo en nuestro sitio igualmente sería poca cosa; sería más factible abrir un nuevo blog, el que debería consagrarse enteramente a la devoción por Eine Kleine Nacht Musik, correspondiéndole con versos pletóricos en adulaciones a su música, diariamente por supuesto... Pero no…, la verdad es que andamos escasos de poetas y no hay ganas de construir una nueva página, ya que ésta navega por buenas aguas y además, disfruta de un buen nombre, La Suite.
Eine Kleine Nacht Musik es el nuevo proyecto del inglés Henry Smithson (a quien más valdría llamarlo alemán que inglés), hombre que venía produciendo desde finales de los noventa bajo el alias Rito, y en este siglo había lanzado unos cuantos temas firmados con su propio nombre, además de trabajar junto a Ben Rymer, formando el dúo Gucci Soundsystem. En su nuevo emprendimiento, Smithson toma por préstamo el título de la famosa opereta de Wolfgang Amadeus Mozart (una que ha sonado en películas, series de dibujos animados y hasta en publicidades), para bautizarlo y crear el álbum homónimo. El disco es en esencia, un auténtico homenaje artificial a los primeros y más excelsos músicos electrónicos alemanes, aunque no por tal motivo debe entenderse que este artista se vio desprovisto de ideas propias, puesto que no es así.
Se advierten claramente dos influjos indudables en la música de Smithson, a saber, el electro por un lado, y por otro, la música clásica; igualmente, su sonido es inclasificable, por la virtud, si bien otros dirían defecto, de ser único. El inglés se ocupa de su música trabajando con sintetizadores analógicos, orquestaciones y viejos instrumentos como la lira (o glockenspiel), el xilófono y el sitar, herramienta esta última, portadora de una especie de aire asiático... De esta manera, logra concebir una música indecible, en el mejor de los sentidos claro está, ya que no existe manera de referir a terceros cómo suena y tanto menos, modo de trasmitir las sensaciones que de ella se desprenden; queda mejor decir, como lo hacía Carl Sagan (hombre que no viene a cuento, por supuesto), que se trata de “Un viaje personal”. Smithson nos transborda en su propio navío de fantasía, uno repleto de cadencias, armonías y melodías inventadas, improbables o más bien, quiméricas; de tal nave utópica, una vez arriba, ya ni el más necio querrá bajarse jamás…
Les dejo su reciente álbum y un EP aparecido seguidamente del debut. Recorran ustedes mismos los trayectos delineados, delicadamente, por este inglés, y no duden ni un instante, en darse al sueño mientras viajan, que los mejores viajes son, naturalmente, los que se hacen a ojos cerrados...


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Louie Vega - House Masters

Más abajo colgué los estupendos compilados de Strictly Rhythm Records, Strictly MAW y Strictly Todd Terry, y ahora les dejo uno más con las mismas características, con todos los temas seleccionados nada más ni nada menos que por uno de los componentes de los Masters at Work.
Luis Fernando Vager, alias Louie Vega, nació a mediados de la década del sesenta, en el condado Bronx de Nueva York, Estados Unidos. Como seguramente han de estar al corriente, el Bronx es un lugar muy conocido, principalmente, por la gran diversidad étnica que lo mora, la que en su mayoría es de origen latino, hispano o de raza negra. En esta esfera, el pequeño Vega creció inmerso en un ambiente colmado de música latina, centroamericana y africana, aparte de que su propio padre era un conocido saxofonista de jazz latino y su tío un cantante de salsa.
De joven deambulaba hechizado, por todos los clubes nocturnos de la zona…, por lo que poco después, a la edad de 20 años, logró conseguir una residencia como dj (tiempo en el que también comienza a trabajar en sus propias producciones) en un importante club en el que, no a mucho, conoce a alguien que le abriría las puertas de su propio futuro. Esta persona no es otra que Todd Terry, hombre con el cual Vega comienza una amistad intercambiando música y contactos de la escena… Al poco tiempo Terry decide presentarle, debido a la afinidad que entreveía, a otro dj, que en aquel momento desplegaba sus sesiones en Brooklyn, llamado Kenny Gonzalez. Se conocen y enseguida ellos mismos descubren la razón por la cual Terry había decidido presentarlos, y se resuelven en formar un dúo que llevaría por nombre el mismo que venía usando anteriormente Gonzalez como solista, Masters at Work. Más tarde, estos dos hombres también llevarían a cabo otra empresa llamada Nuyorican Soul, paralelamente con su glorioso proyecto.
Fusionando la música latina, africana y negra en general, con la electrónica, para crear acid jazz, hip hop pero más que nada, house, los Masters at Work hicieron historia en la música electrónica. Formaron parte del mejor período del house grabando muchos años para el gran Strictly Rhythm Records, tiempo en el que forjaron un gran e importante número no tanto de hits, sino de joyas de la música house. En el año 2004 Louie Vega decidió seguir su carrera en solitario, lo mismo que Gonzalez, no porque el dúo se llevara mal, sino porque estos dos hombres ya lo habían logrado todo, y no les quedaba nada más por conseguir juntos.
De este modo Louie Vega lanzó unos cuantos álbumes en solitario así como también compiló varios cds. Entre las más destacadas de sus compilaciones se pueden nombrar la que hizo el año pasado junto a su viejo compañero, Strictly MAW (Unmixed DJ Format), y la que cuelgo aquí, llamada Louie Vega-House Masters (2 cds). Es bien claro que en este compilado Vega nos ofrece temas de los que verdaderamente fueron los maestros del house, artistas como Hardrive, Barbara Tucker, King of Tomorrow, Ultra Naté, Erick Morrillo y por supuesto, Masters at Work.
Inaceptable que lo dejen pasar, tanto más aún todos los apasionados nostálgicos de lo que fue el verdadero house music.

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Mr. Scruff - Ninja Tuna

Después de liberar en lo que va del año tres cds promo, ahora Mr. Scruff nos presenta su cuarto álbum de estudio llamado Ninja Tuna... Su nombre hace referencia como ya sabrán, a su sello en colaboración con Ninja Tune, y es que el disco en cuestión no sólo es lo nuevo de Scruff, sino que también es el primer álbum full presentado por su propio sello. Por tal razón, Ninja Tuna es un trabajo muy significativo para el dj y productor inglés Andy Carthy, además de ser más que esperado por todos nosotros.
Una vez más, Scruff repite el mismo procedimiento de creación que usó a lo largo de toda su discografía, el cual si bien ha variado un tanto desde sus inicios en 1997, en esencia sigue siendo el mismo. Una fórmula que fusiona principalmente el soul, funk, jazz y hip hop con la electrónica, para crear piezas breaks, house, downtempo, trip hop, nu jazz y future jazz que por momentos se pueden mostrar alegres y efusivas, propias para la pista de baile, y en otros más bien relajantes en plan chill out... Así, aunque sobresalen muchos temas, principalmente los que cuentan con la colaboración de Alice Russell, Quantic, Roots Manuva, Danny Breaks o Andreya Triana, Ninja Tuna es más de lo mismo y tal vez a más de uno deje con una sensación de vacío luego de su escucha… Sigue siendo el mismo Mr. Scruff de siempre, y tal vez ése sea el problema que lleva a que su último trabajo genere la desilusión de algunos cuantos…
Igualmente, en mi caso, he separado de este álbum algunos temas interesantes para armarme un playlist de escucha doméstica. De la misma manera, puede que ustedes también sepan apreciar algunos tracks y puedan hacer lo propio…, así que acá les dejo Ninja Tuna para que hagan con él, lo que quieran.

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Gelka - Less is more

En medio de una crisis en la que miles de ciudadanos húngaros descontentos, primero con la política del gobierno de Hungría y más tarde puntualmente con su primer ministro, expresaban su disgusto de maneras varias, entre ellas intentando hacer renunciar de sus respectivos cargos tanto al nombrado funcionario como a todo su gabinete, Kürti Csaba y Dömötör Sándor intentaban, desde principios del conflicto, dar vida a su música y además, pretendían que ésta fuese posteriormente conocida en el resto del mundo. Muchos de los amigos y allegados del que luego sería el dúo Gelka intentaron convencerlos durante un buen tiempo acerca de las imposibilidades que suponía su empresa, tanto más teniendo en cuenta los tiempos difíciles que corrían en Hungría. Sin embargo, los muchachos hicieron oídos sordos de todos aquellos reclamos que pedían que abandonaran sus sueños y pusieran pié en tierra, de modo que continuaron trabajando en sus producciones tomado el nombre para su proyecto de un electro-servicio muy popular en Budapest, llamado justamente, Servicios Gelka.
En el año 2003 lograron incluir un tema en uno de los tantos respetables compilados Café del Mar, y a continuación siguieron colando algún que otro tema, año a año, en diferentes series de aquellos, así como también en otros compendios lounge y chill out. A finales del 2007, un año después de que Hungría sufriera una de las peores crisis conocidas desde la caída del comunismo, Gelka negociaba nada más ni nada menos que con George Evelyn (Nightmares On Wax), propietario de la firma Wax On, en vistas de la posibilidad de editar su álbum debut en el sello del afamado inglés. Evelyn accedió y de esta manera, recientemente salió a la venta vía Wax On para toda Europa el disco primero de los húngaros, llamado Less is more.
Se trata de un álbum que como bien afirman sus propios autores, está fuertemente influenciado por artistas americanos y europeos, los más representativos de la música downtempo actual, aunque también en él se distinguen muchos sonidos que hablan de Hungría. Kürti Csaba y Dömötör Sándor refieren que todos aquellos toques tristones en Less is more, los que se manifiestan de la mano de los evidentes toques de música blues, son fruto de la melancolía que por momentos se deja ver en su país, producto de su pasado abundante en infortunios; aunque actualmente, ellos mismos ven a Hungría maravillosamente cargada de nuevos aires y resplandeciente en su nueva confianza, de ahí que en el álbum los sonidos tristes tengan su contrapartida, más fuerte aún, en otros patentemente optimistas. Música downtempo más que atractiva (la que gustará también a los que tengan ganas de escuchar lounge o chill out), con mucho de blues y soul más la colaboración de los vocalistas ingleses Ricky Ranking y Ella May, y la húngara Sena.
Recomendado el tema 4, “Burlesk”.

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Digitonal - Save Your Light For Darker Days

El proyecto Digitonal fue creado hacia 1997 por el inglés Andy Dobson, quien se inspiró en artistas como Orbital, Steve Reich, This Mortal Coil y otros tantos. Dobson es un músico de formación clásica, clarinetista y tecladista pero apasionado por la electrónica, cuyo objetivo es el de crear música ambiental (o como él la define, “electrónica cinematográfica”) trabajando con orquestaciones reales y dispositivos electrónicos al mismo tiempo. Pero la intención de este inglés recién se concretó en los albores del siglo XXI, tiempo en el que se unió al violinista saudita Samy Bishai, con quien le terminó de dar forma a su empresa. Estos dos hombres cuentan con numerosas asistencias tanto para concebir su música como para sus funciones en vivo, las que según dicen, son únicas.
En el año 2002 lanzaron su álbum debut llamado 23 Things Fall Apart, y el primero de septiembre de este año, hace algunas semanas atrás, su segundo trabajo, Save Your Light For Darker Days. Este es un disco que, al igual que el primero, incursiona géneros como el modern classical, IDM, trip hop y ambient, de manera muy exquisita y elegante. De tacha clásica pero con arranques ruidosos, Save Your Light For Darker Days es melancólico y angustiante; todos los nombres de sus temas hacen referencia al deseo, la pérdida o la tristeza, y suenan de manera oscura pero conmovedora. Una verdadera banda de sonido para una película inconcebible por su excelsitud… Excelente álbum.

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The Coral Sea - Firelight

The Coral Sea (que no se debe enredar con el nuevo álbum de Kevin Shields y Patti Smith) es una banda norteamericana constituida por cinco integrantes. Creada por voluntad del músico, compositor y cantante Rey Villalobos en el año 2005, al año siguiente liberó de manera independiente su álbum debut llamado Volcano and Heart, el cual tuvo una muy buena acogida en el circuito indie y llevó a que la agrupación se ganara un buen número de simpatizantes. Debido a esto, en el 2007 dieron una gran gira por Estados Unidos y el Reino Unido, lo que los terminó de consolidar en el ambiente musical, de modo que enseguida comenzaron a trabajar en el que sería su segundo disco de estudio.
Cuentan por ahí que luego de la gira, Rey Villalobos empezó a llevar su guitarra a todos lados por si se le ocurrían ideas para el nuevo álbum; mayormente la llevaba siempre en su auto, y en él fue compuesta gran parte de Firelight. Luego de tener listas las diez canciones que hacen al segundo álbum, Villalobos convocó al resto de la banda y en pocos días grabaron su reciente disco... Se trata de una maravilla conmovedora de indie rock atmosférico, que por momentos nos hará recordar a Sigur Rós e incluso encontraremos reminiscencias de Cocteau Twin, David Bowie o John Lennon, entre otros grandes.... Con delicados arreglos orquestales, guitarras sutiles y unos vocales más que agraciados y tiernos, los norteamericanos de The Coral Sea nos regalan un álbum emotivo, ensoñador y sobre todo, profundo.

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Quantic presenta Flowering Inferno - Death of the revolution

Viajamos un poco por Centroamérica y Sudamérica para cambiar un tanto los aires y los ritmos… ¿Qué les parece un poco de dub y reggae de sabor latino? Sí, señor.
Will Holland es un dj y músico inglés, aunque no lo parezca en lo absoluto… Con tan sólo 20 años se presentó por sí solo en las mismísimas puertas de la firma Tru Thoughts generando el desconcierto de muchos, los que seguramente se preguntaron si el muchacho andaría buscando trabajo en la institución, pero no; su intención era que escuchen un demo suyo, y así fue… El sello inglés quedó prendado y no a mucho editó su primer 12" firmado como Quantic en el año 2001, y luego todo lo que siguió creando este talentoso artista… Además de su proyecto como solista, simultáneamente Holland trabaja con la The Quantic Soul Orchestra, una auténtica banda de músicos fundada por él mismo, y es integrante del dúo The Limp Twins, el que se completa con Russ Porter. Con todo, su proyecto más notorio es como solista, con el que en menos de siete años ha creado nada más ni nada menos que 5 álbumes de estudio.
Aunque su música es electrónica, antes bien, es más definible como blacktrónica, puesto que fusiona el jazz, soul, funk, afro-beat, música latina y centroamericana con hip hop, downtempo, breaks, house y demás estilos comprendidos dentro de la electrónica. En su reciente álbum, nos ofrece, sin lugar a discusión, dub y reggae; y es que el inglés creó este disco íntegramente durante su estancia en Colombia, donde, incluso, el muy pretencioso mandó a construir su propio estudio. Death of the revolution, firmado como Quantic presenta Flowering Inferno, es un álbum que gustará lo mismo a los admiradores del reggae que a los de la electrónica, ya que a los primeros les recordará a Roland Alphonso, Prince Buster o los BullWackies, mientras que a los otros les resonará a las producciones más dub de Nightmares on Wax o Aim. Un disco para aflojarse un poco, relajarse y… bueno, disfrutar.

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Hector Zazou & KatieJane Garside - Corps Electriques

Es una verdadera pena que haya fallecido el músico francés Pierre Job, conocido mundialmente como Hector Zazou… Sí, a la edad de 60 años, el mes pasado se lo terminó por llevar una delicada enfermedad que venía sobrellevando, a duras penas, desde principios de este año. Mucho se dijo sobre este hombre, quien a partir de sus inicios, en los años 70, intentó incesantemente unir todas las culturas por medio de la música. Artista excelso, amante de la pintura abstracta, la música clásica, étnica y electrónica, fue considerado en Francia un gran baluarte artístico; la revista francesa Actuel había dicho de él: “En Inglaterra tienen a Peter Gabriel, en Estados Unidos a David Byrne y en Francia tenemos a Hector Zazou”. Lo mismo que Sakamoto en Japón, Omar Sosa en Cuba o Bjork en Islandia fue, es y será Zazou en su Francia natal.
Se fue pero nos dejó una discografía más que valiosa, la que además de amplia se puede afirmar sin insultar la verdad, que es de gran calidad. Saquen ustedes sus propias conclusiones después de que les diga que Zazou fue uno de los pocos mortales que tuvo la suerte de trabajar, de igual a igual, con artistas tan ilustres como Ryuichi Sakamoto, David Sylvian, Bjork, Jane Birkin o Brian Eno... Hombre introvertido pero buen orador, fue un innovador audaz, diestro en el mestizaje musical; recordemos por ejemplo, lo que dijo cuando se publicó su álbum Lights In The Dark en 1998: “En Luces en la oscuridad quería hacer escuchar lo que podía ser música en un momento de oscurantismo. Cuando el imperio romano se hunde y parece que los bárbaros van a borrar Europa del mapa, una pequeña luz se enciende en Irlanda y algo vuelve a nacer. Hay analogías con nuestra época. Para mí, en la difusión imperialista de cierta cultura de las basuras. Lo dramático es esa nivelación por abajo. Parece que todo es desechable. Están borrando todo tipo de valores éticos, estéticos y culturales. Ahí radica el peligro. No en el mestizaje ni en la supuesta guerra ideológica entre el mundo occidental y el árabe.” / “Para esta especie de capitalismo monstruoso toda cultura es un obstáculo. Algo de lo que no se venden millones de ejemplares es un obstáculo. Y el sistema hace todo lo posible por eliminarlo. Pero hay una resistencia inconsciente. Gente obstinándose en hacer cosas que no entran en el molde, intentando expresar algo que ni corresponde a lo políticamente correcto ni a un provecho inmediato. Cuando yo era adolescente, igual que mis amigos, estaba en ruptura total con el universo cultural de mis padres. Era impensable que nos gustaran las películas o músicas que les gustaban a ellos…”
Se podría seguir hablando mucho sobre Hector Zazou, y también citándolo, pero mejor corto el palabrerío acá... Mientras esperamos hasta el mes próximo, que es cuando se liberará el último álbum del francés, llamado In the house of mirrors, el cual fue grabado con músicos de Uzbekistán e India, les dejo un disco suyo en colaboración con la cantante inglesa KatieJane Garside, la que actualmente se cuenta en las filas de la banda independiente también de su país, QueenAdreena. Recientemente liberado, Corps Electriques es un álbum experimental de toques jazzeros, rockeros y poperos siempre en clave electrónica. Con los vocales de KatieJane Garside y los arreglos en las máquinas por parte de Zazou, es un uno de los tantos trabajos de éste, y por tanto, un disco excelente…

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Bonnie "Prince" Billy - Lie Down In the Light

El estadounidense Will Oldham, quien desde 1999 viene produciendo bajo el distintivo artístico Bonnie "Prince" Billy, luego de haber usado diversos alias como Palace Songs, Palace Brothers, Palace Music o simplemente Will Oldham, es definido por muchos como un “hombre raro”. Tal vez por ser reacio a conceder entrevistas a la prensa, por no aparecer muy seguido en los medios de comunicación o por lo que sea, lo cierto es que se ganó su reputación de “anacoreta” probablemente por no haber querido enredarse jamás en el juego de la fama, cosa que a más de uno molestó... Al tiempo de llevar una carrera como actor, desde 1993 viene produciendo su música sin detenerse a dar explicaciones a nadie, y al día de hoy cuenta con 16 álbumes de estudio.
La música de Will Oldham es un cruce entre aquel country característico de los Estados Unidos, folk, gospel y algún toque de electrónica, más como acompañamiento rítmico que otra cosa. Ahora bien…, más allá de que su música es excelente, la mayor virtud de este artista reside en la escritura de sus canciones, las que por supuesto también canta de manera intachable. Entre todas las razones, quizás lo recién dicho sea un motivo por el cual nunca nadie se animó a clasificar su música directamente como pop sin más vueltas, y esto porque las canciones de Oldham son poéticas y lucen sus justos méritos literarios, por lo que no son accesibles para todo el mundo. Siendo así, su nuevo trabajo no es la excepción, Oldham vuelve con sus estupendas canciones y en este caso, se propone exteriorizar sus batallas internas…
Bonnie "Prince" Billy ha dicho, en alguna que otra entrevista que le han robado luego de mucho insistir, que todos sus trabajos deben ser interpretados aparte, cada uno por su lado, puesto que constantemente se encuentra ocupando distintos papeles. Lie Down In The Light, su nuevo álbum, posee claros trasfondos bíblicos…, cosa que habrán notado de sólo ver en la carátula a Jacob luchando con el ángel, el que en realidad simboliza su lucha interna, contra sus miedos, tentaciones y su vida en general (aunque el propio Jacob había presumido que el “ángel” era Dios). El músico asume a lo largo de sus nuevas doce canciones, la mismísima posición del hijo de Isaac y saca a la luz todas aquellas inquietudes encarceladas en lo más profundo de su ser, de manera que al cantarlas logra manifestarlas y por ende, hacerles frente. Todo esto hace de Lie Down In The Light, un álbum frágil y delicado, para disfrutar apaciblemente…

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Kid Loco x 3

Por solicitud de un visitante hago la siguiente entrada, y espero que sea provechosa tanto para quien hizo el pedido como para los demás suiteros... Un poco más abajo colgué el excelente último trabajo del francés Kid Loco, Party Animals & Disco Biscuits, y ahora en esta entrada me propongo postear algunos de sus primeros y más importantes trabajos para que todos aquellos que gusten, consigan armarse una suerte de antología de este gran artista.
Primero encontrarán su álbum debut, A Grand Love Story (1997), mediante el cual Kid Loco se dio a conocer en todo el globo. Un disco que no le puede faltar a ningún amante confeso del trip hop, y tanto más sabiendo que esta maravilla cobra mayor valor con el paso del tiempo, como todas las grandes obras.
Seguidamente darán con el segundo álbum del francés, Jesus Life For Children Under 12 Inches (1999), un trabajo en el que su autor nos muestra sus dotes como remixer versionando temas de artistas de la talla de The Pastels, Saint Etienne, Talvin Singh, Mogwai y otras eminencias de la electrónica.
Por último les dejo uno de sus tantos trabajos como dj, una de sus sesiones más destacadas, nada más ni nada menos que para la tan conocida serie Another Late Night (2003). En este set Kid Loco toca tanto trip hop de toques jazz y soul, ése del que tanto gusta, como también algunas piezas más callejeras de resonancias hip hop. Imperdible.


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Alexander Kowalsky - Damage E.P.

E.P. que esta entre techno y minimal muy interesante por parte de este alemán, con suficiente potencia como para que les pase lo mismo a tus monitores JBL favoritos =). Damage es el nuevo y gustoso E.P de Alexander Kowalski para Different Recordings, sub-sello de PIAS, con gafas y a lo loco. No hace mucha falta, pero para aquellos cuyo dominio del inglés no sea maravilloso -cuidado que para quien escribe no lo es- el vocablo no significa otra cosa que "daño". Un título escueto para un E.P cargado de radiación techno-housera, va un punto más allá y si bien los tres cortes que componen el disco no nos harán reflexionar mientras sudamos la camiseta, por lo menos la tensión que rezuma no es la tipiquísima del genero -ja ja ja, o eso creo. Damage es bien poco sutil y la abrasión sintética llega por momentos a la molestia auditiva, pero claro, ¿quien no disfruta de vez en cuando con las chirriancias agudas y los filtrados ultra resonantes...? Su "groove" "groovy" "groovero" empaca con esto que venía diciendo antes: algo así como un nuevo sonido ácido sacado de cualquier filtro.

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Jacopo Carreras - From Bed To Couch

Empachado de tanto techno minimalista, por momentos me canso de tantear los incontables álbumes del género que aparecen día tras día. Como si todos los temas fueran formados a partir de un mismo molde, es bien cierto que los artistas no andan muy sobrados de ideas y es por esta razón que uno siempre se ve a la espera de un Jacopo Carreras. ¡Y con qué placer se recibe la música de un fulano así! No importa si después se dice que con la difusión de su obra prima lo único que queda claro es que no está del todo cuerdo, que su obra se acerca peligrosamente a la de un esquizofrénico y demás... ¡No!
Llamado Jacopo Carreras, este artista romano produce y se despliega como dj con su propio nombre. Si bien From Bed To Couch es su reciente álbum debut, Jacopo comenzó su incursión en la música a temprana edad. Niño hiperactivo, a los 6 años ya tocaba el piano y poco después intentaba sacarle sonido a todo lo que encontraba, pero fue en su juventud cuando descubrió la electrónica de la mano de un anime japonés, y éste fue el que lo llevó a sus primeras tentativas de producir música. A la vez que experimentaba por su cuenta también tocaba en agrupaciones de jazz y rock, no obstante, al poco tiempo se desligó de las bandas y comenzó a producir como solista por un lado, y por otro como integrante del dúo Punto, junto a su compatriota Donato Scaramuzzi.
Actualmente Jacopo reside, como todo preciado artista electrónico, en Alemania, y allí es donde ha publicado su álbum primero vía la escudería Kompakt. Se puede decir sin dudar, que From Bed To Couch es poco más que ecléctico, puesto que en él Jacopo se libera y recorre un cúmulo de géneros a gusto y antojo. Un álbum frenético, que oscila nerviosamente entre el techno y el IDM, house, break o downtempo, sin detenerse en ningún caso para darnos tregua. Un ejemplar único en su tipo, excelente a lo largo de sus 11 tracks; con este disco Jacopo nos muestra lo mejor de la nueva corriente electrónica romana, la que a partir de él, y algún que otro talentoso artista, se acaba de formar.
Recomendado para TODOS.

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