Carl Craig & Moritz Von Oswald - ReComposed

Tanto el norteamericano Carl Craig como el alemán Moritz Von Oswald, son prestigiosos precursores de la música electrónica; el primero surgido del circuito techno de Detroit y el segundo resultado de la fértil escena electrónica vigente desde hace más de medio siglo en Alemania. El trabajo que han forjado uno y otro a lo largo de estos últimos años, ya como solistas o formando parte de diferentes agrupaciones, es enteramente exuberante y ecléctico, y demás decir que habla con sinceridad de los artistas. Sería inútil ponerme a enumerar las excelencias de la música de estos hombres…, baste sólo con decir que lo que llevan de vida ya está salvado.
Sin conocerse personalmente, Carl Craig y Moritz Von Oswald se unieron por vez primera para dar forma a la que actualmente se ha convertido en la tercera entrega de la serie ReComposed. Esta se cuenta entre los tantos emprendimientos del sello alemán Deutsche Grammophon, y se propone, esencialmente, invitar a eminentes artistas electrónicos para que “recompongan”, arreglen y modernicen diferentes piezas de música académica o clásica (según quieran denominarla), que es al fin y al cabo donde nació originalmente la música electrónica… La primera presentación de ReComposed fue llevada a cabo por el alemán Matthias Arfmann, y la segunda por el finlandés Jimi Tenor.
Para la nueva emisión de ReComposed los artistas de turno disponían de Bolero y Rapsodie Espagnole de Maurice Ravel más el fragmento Bilder einer Ausstellung de Modest Petrowitsch Mussorgski, las tres piezas extraídas de un concierto ejecutado en 1987 por la Filarmónica de Berlín bajo la dirección de Herbert von Karajan. De este excelente material se instruyeron Craig y Oswald, examinando y repasando una y mil veces las diferentes posibilidades de mixtura ofrecidas por la música. Desmontaron y volvieron a ensamblar los componentes cadenciosos y armónicos como si de un rompe cabeza se tratara, agregando según correspondiese bombos, chasquidos y estridencias ruidosas para terminar de hilvanar una nueva y radical pieza de poco más de una hora de duración; un gran y único tema fragmentado en una introducción y seis movimientos espaciados apenas por un interludio. Música que renuncia a ser clásica para trocarse en espacial, adecuada para perpetrar, con nuestra imaginación, una fuga al infinito...

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Nitin Sawhney - London Undersound

Nitin Sawhney es escritor, guionista y contribuyente aplicado de diversos e importantes periódicos ingleses; actor de teatro, conocido también por sus habituales participaciones en diferentes programas televisivos versados en política, arte y cultura en general; suerte de sociólogo destinado a salvaguardar los aparatos educativos y los dedicados a la construcción de comunidades de Inglaterra y…, como si faltara más, es un músico que trabaja como solista, compone música para eminentes orquestas sinfónicas (dirigida al cine o al teatro) y también ocupa su tiempo trabajando en diferentes proyectos para Playstation 3... No sin razón el The Guardian de Londres había dicho de él: “Sería más fácil apuntar lo que este hombre no puede hacer, que lo que hace”. Efectivamente, Sawhney es una auténtica reafirmación de la vida misma, en el más elevado de los sentidos.
Por supuesto… nosotros lo conocemos, estrictamente, como un excelso artista de música electrónica; un hombre consagrado a fusionar la cultura oriental y la occidental en un solo y magistral sonido: un viaje étnico, que recoge lo mejor de diversas culturas para mezclarlo con la electrónica, jazz, soul, funk, flamenco y un largo etcétera. Patentemente identificable, la música de este inglés es un reclamo de alianza social que va más allá que mis meras palabras; un intento de disminuir las distancias, históricas, entre diferentes culturas. Una tentativa en la que se han aventurado innumerables artistas, pero no de manera tan determinada como Nitin Sawhney. Y esto se debe a que él mismo sufrió en carne propia, cuando joven, diversas persecuciones raciales debido a sus orígenes asiáticos. A pesar de todo, su triunfo ha quedado plasmado a lo largo de los años en innumerables premios recibidos, y me refiero a premios legítimos, no a los que podría otorgar por ejemplo, la cadena MTV.
London Undersound es el octavo álbum de Sawhney, liberado apenas este 13 de octubre pasado. En él el artista se propone analizar los hechos acaecidos en Londres el 7/7/05, cuando la capital inglesa sufrió un ataque terrorista que aún perdura, como una mancha sucia e imborrable, en el recuerdo colectivo de Inglaterra. La primera canción llamada “Días de fuego”, fue cantada y escrita por el vocalista Natty, quien fue un testigo fidedigno del bombardeo. Un poco después encontramos la abstraída “Mi alma”, co escrita y cantada por Paul McCartney..., y así, con incontables y notables colaboraciones, continúa todo el álbum. La música de Sawhney tan brillante como siempre sino más, embelesada de sus especiales toques étnicos, se convierte en London Undersound en un triste sollozo de lamentación por lo sucedido, un clamor que sólo se ahogará con el cesar del disco.
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Nicola Conte - Rituals

Anteriormente había posteado el disco Bossa per due o Jet sounds (como quieran llamarle), que no fue otro que el debut de este talentoso italiano. Aquel era a mi parecer, su mejor trabajo, al menos hasta la aparición de Rituals.
A principios de año ya nos había entregado su Nicola Conte presents viagem, una exquisita compilación en la que el italiano había seleccionado música brasileña fusionada con jazz de la década del sesenta; tal vez a modo de advertencia de lo que se proponía concedernos más tarde, lo cierto es que en este 2008 Conte se ha mostrado pródigo en regalos: un compendio maravilloso y su tercer álbum de estudio, ambos, aparecidos a diferencia de algunos meses, no es poca cosa.
No existe un cambio substancial en Rituals, ya que su sonido sigue siendo igual de agraciado que en Bossa per Due y Other Directions; sin embargo, en su último trabajo cuenta con la colaboración de un cúmulo de cantantes, y es que Conte ya se ha ganado su buena reputación y actualmente no hay quien se niegue a formar parte de una empresa suya. De esta manera, las 13 maravillas que componen esta nueva entrega son todas piezas cantadas, algo que no había ocurrido en su trabajo sino hasta ahora. Refinadas canciones de nu jazz que bien podrían formar parte del mejor jazz de otros tiempos, velan una vez más por el decoro y la elegancia siempre presente en la obra de Nicola Conte. Un disco easy listenning para abandonarse por completo a su escucha; relajante y placentero, por espacio de 79 gloriosos minutos nos trasladará a un universo de serena y tranquilizadora paz, del que hasta más jóvenes, tal vez, regresaremos...
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Cokiyu - Mirror Flake

Prosiguiendo con estas nuevas voces japonesas, repletas de experimentación, delicadeza y sabiduría a la hora de arreglar y mezclar los sonidos, es que no puedo dejar pasar el primer trabajo como solista de la cantante de Aus. Cokiyu es una jovencita nacida en Ehime y estudiante de la carrera de Musicología en Tokio, ella compone, arregla y mezcla sus propios trabajos utilizando por lo general pianos de juguete y algún que otro infantil instrumento. Esto provoca ese aire de ingenuidad e inocencia, que combinados a la voz de Cokiyu logran esa perfecta armonía, que los hará escuchar repetidas veces su Mirror Flake.

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Piana - Eternal Castle

Su verdadero nombre es Naoko Sasaki, tiene 32 años, y a mediados del 2007 editó su tercer disco y hasta ahora último disco; esperemos que no lo sea, porque esta chica ha ido en crecimiento y Eternal castle nos muestra un trabajo cuidado en todos los aspectos, y de un grado de intimidad que sólo Piana y su voz puede lograr. Aunque en sus discos participan otros músicos, ella produce y escribe todos sus temas. Déjense llevar por la música de Piana, que más que seguro estoy que los va a emocionar.

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Nature And Organisation - Death In A Snow Leopard Winter

Hace unos días después de volver a escuchar el disco solista de Michael Cashmore, recordé que debía publicar algún disco de la agrupación que formara Cashmore en la década del 90, elegí el último que editara, exactamente en el año 1998 con Dan Bradley en Cello, Hannah Walker en Viola y Elizabeth Toney en Violín, casi la banda de sonido de una película dramática pero de un grado tal de sublimación que el oyente se pierde entre momentos de felicidad y agonía. Larga vida a la música de Cashmore y que el mundo nos de más discos bellos como este.

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Motorcitysoul - Technique

El compositor, arreglista, pianista y dj alemán Matthias Vogt, a quien conocemos como líder de [Re:Jazz] y el Matthias Vogt Trio, es además un artista de música electrónica que desde el año 2001 viene produciendo bajo diferentes alias. Primero lanzó algunas reseñas como Dj Matt, pero más tarde se unió a Christian Rindermann (hombre que también factura música con diversos seudónimos y participa en otras agrupaciones) y ambos formaron el dúo conocido como Motorcitysoul. En el año 2004 apareció su debut llamado Did you expect that?, una entrega de desapasionado nu jazz que supo decepcionar a muchos de sus seguidores. Pero pese a eso, el dúo continuó produciendo su música y remixando la de otros, aunque inclinándose gradualmente, sin que muchos lo noten, por otros derroteros...
Luego de numerosos 12" aparecidos después del debut, el sonido de Motorcitysoul se terminó de definir y ahora se puede precisar como tech house y deep house; en su segundo álbum recientemente aparecido, Technique, el dúo no deja lugar para suposiciones inopinadas. Ya con anteriores EPS habían obtenido un éxito incuestionable en la escena tech, siendo que sus pistas habían empezado a ser tocadas por grandes como Terry Lee Brown Juniors o The Timewriter, por lo que decidieron continuar por la misma senda. Con la participación de unos cuantos vocalistas que cantan de manera excelente sobre delicadas y sensuales piezas tech y deep, a veces con un poco de percusiones tribales pero siempre cargadas de soul, Technique es una agradable propuesta más para los entusiastas del tech house y deep house tan en boga en estos días.

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Jazzanova - Of All The Things

Actualmente poseedores de su propio sello, Sonar Kollective, parece mentira que en 13 largos años de vida, el reciente Of All The Things sea el segundo álbum de estudio del colectivo Jazzanova; en el 2002 había llegado su debut llamado In Between y 6 años más tarde, su segundo trabajo... Pero… ¿es tan pobre la discografía de este sexteto alemán? La verdad es más bien todo lo contrario; su producción es totalmente profusa, ya que no sólo se limita a las dos mencionadas reseñas, sino que han trabajado incansablemente todo este tiempo como remixers, compiladores e incluso sus djs han hecho lo propio entregando algunas sesiones para nada despreciables. Entre sus compilaciones más destacadas se cuentan: la serie Secret Love, Paz e futebol, The kings of jazz, Focus Jazz, Broadcasting y compendios varios para la firma Blue Note; todas las reseñas… igual de recomendables.
Es innegable que a pesar de los incontables trabajos de Jazzanova, todo el mundo quería ver, tocar y disfrutar de su segundo álbum propiamente dicho; y la espera ha valido la pena… De la misma manera que sucedió en In Between, las canciones de Of All The Things cuentan con la cooperación de un cúmulo de vocalistas y músicos, entre los que destacan Paul Randolph, Jose James, Ben Westbeech, Sascha Gottschalk (Thief) y Joe Dukie, entre otros. El sonido de Jazzanova se ha embellecido con el paso del tiempo, como si éste le hubiese venido más que bien al colectivo berlinés... Sigue firme en su impronta, haciendo un gran gasto de buen gusto nos vuelven a presentar nu jazz, acid jazz, downtempo, lounge y música en general exquisita que nos sonará más orgánica que nunca... En esta ocasión, con predominio del jazz y el soul, también encontraremos por supuesto, muchos toques de bossa nova y de gospel. En conclusión, me animo a decir que siempre ha sido excelente el sonido de Jazzanova, pero esta vez hasta se podría agregar que se les ha ido un poco la mano; realmente inmejorable...
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Catz 'n dogz - Stars of zoo

Entre tanta música excelsa, sea para la mente, el corazón o el alma, ya se empezaba a extrañar el 4x4, ése que nos aleja un poco de la espiritualidad e intelectualidad y nos alienta a bailar despreocupadamente… Sí, sea house o techno se echaba en falta el ritmo frívolo pero indispensable para liberarnos, de vez en vez, de las pesadas cargas de la vida…, para dejar de tomarnos todo tan en serio y disfrutar al menos por un momento...
El dúo polaco formado por Wojciech Tarañczuk y Grzegorz Demiañczuk viene produciendo desde finales del 2003 con el alias 3 Channels, bajo el cual grabó innumerables reseñas para sellos tan conocidos como Flumo, Trapez, Trenton o Crosstown. Su música como 3 Channels, se podría simplificar como una propuesta pistera de techno minimalista con asaltos electro. Si bien así trabajando han gozado de un notable éxito, el que los llevó a que fundaran hasta su propio sello el año pasado, Channels Records, actualmente han querido ensanchar sus horizontes musicales, abriéndose camino hacia otros sonidos casi inexplorados por ellos.
Para ello han elegido el nuevo nombre artístico Catz 'n dogz, y con él liberaron recientemente su debut llamado Stars of zoo. Este álbum es el que nos llevará de recorrida por los nuevos sonidos que han dado en elaborar estos polacos; un camino que se desarrollará a través de 12 grooveros tracks. Con alguna que otra colaboración que ya nos revela las intenciones proyectadas en esta nueva empresa (como por ejemplo el aporte de Mathias kaden en una pista), Wojciech Tarañczuk y Grzegorz Demiañczuk nos ofrecen tech house, minimalista por momentos, cargado de abundantes percusiones tribales... El álbum es, en definitiva, una invitación a introducirnos en la espesa selva que su música esboza para nosotros; una selva en la que la única premisa a seguir será mezclarnos con los ejemplares que en ella moran, y bailar hasta que nuestros cuerpos ya no respondan o la música deje de sonar…
Altamente recomendado.

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Hector Zazou & Swara - In the house of mirrors

Tal y como había mencionado anteriormente cuando colgué Hector Zazou & KatieJane Garside-Corps Electriques, sólo era cuestión de tiempo para que apareciera In The House Of Mirrors. En realidad se liberó el mes pasado, por lo que no me explico cómo se me pudo pasar... Igualmente, ya mismo lo dispongo para ustedes, para de esta manera poder reparar mi falta.
He aquí, las esperadas armonías y melodías que jamás se han escuchado antes…, sin una sola voz que las arruinen, puesto que si así fuese, cualquier vocal sobre este concierto ensoñador se nos antojaría un chillido inoportuno, que no haría más que estropear la radiante música orquestada por Hector Zazou y Swara. Estos dos hombres dirigieron prodigiosamente a los hindúes Milind Raykar al violín, Ronu Majumdar la flauta y Manish Pingle con su guitarra india, más el músico de Uzbekistán Toir Kuziyev con tambor y laúd; además, participaron de esta empresa el trompetista noruego Nils Petter Molvaer, el violinista húngaro Zoltan Lantos, el baterista norteamericano Bill Rieflin y los españoles Carlos Núñez y Diego Amador, flautista y pianista respectivamente... Antes de morir Zazou dijo con respecto a este álbum: Los sonidos de los músicos son llevados a una especie de “salón de los espejos”, donde, al igual que Orson Welles en la película “La dama de Shanghai”, el sonido se refleja de una nota a otra formando una especie de duna que empuja a los músicos de buceo bajo la superficie, directamente hacia el corazón del sonido.
El ya no está pero sí nos dejó esta maravilla conmovedora llamada In The House Of Mirrors, la cual se convierte a la fuerza en el álbum con el que Zazou nos dijo adiós, sin saberlo siquiera... A pesar de su trasfondo trágico, es indecible la grandeza que exhala este portento de la música; no hay manera de reseñar lo inenarrable y es que tal vez se trate del “hasta luego” más digno de los últimos tiempos... Una obra de antología que me cortó la respiración desde el principio, y les aseguro que a causa de ella hasta puede uno perder el sueño por algunos días... No hay dudas. Un trabajo preñado de vida, sensibilidad espiritual y sabiduría; una recapitulación de la belleza en sólo diez canciones que despiden con gran esplendor a su hacedor... Y tanta perfección, quizás simplemente porque fue grabado íntegramente en un terreno en el cual la divinidad gusta de dispensar favores, donde deposita toda su gracia; un lugar santo, henchido de amor y esperanza por la existencia, que no es otro que la cuna misma de la humanidad, la veterana India.

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The Matthew Herbert Big Band - There's Me And There's You

Imposible pasar por alto el creciente descontento que domina a numerosos artistas, el cual es fácilmente identificable mayormente en cineastas y músicos. Se trata de un malestar producto del corrupto estado de las cosas (derívese de hipocresías propias de la política o religión e incluso del vínculo entre ambas), lo que supone que muchos viven acorralados por falacias y engaños que terminan siendo, a la postre, algo totalmente nocivo para todos. Cuantiosos disfraces astutamente confeccionados y enredos perspicaces valen de biombo encubridor de embustes, despropósitos y otros dobleces maliciosos que no sirven más que para favorecer al poder; y esto fastidia a muchos... No habrá ejemplo más acabado que el de EE.UU., que por medio de la unión de los republicanos y los evangelistas fundamentalistas logró convencer a su gente de que su país había sido elegido por el propio Dios para extirpar el mal en el mundo, debido lo cual preciso fue que el imperio atacara cuanto país tercer mundista se le ocurriese, sirviéndose de enrevesados argumentos penosamente articulados y en el mayor de los casos, sin ser éstos siquiera necesarios. Este tema es uno de los que ha decidido abordar el señor inglés Matthew Herbert; puntualmente la enorme iniquidad que supone la invasión y ocupación de Iraq por parte de la coalición liderada por los Estados Unidos.
There's Me And There's You es la segunda y nueva entrega de Herbert junto a su big band de jazz vanguardista. El título de este valiente álbum desde el vamos es más que claro, y es que en verdad toda la temática tratada en él no es ajena a nadie. No sólo arremete contra el citado caso, sino que se atreve a criticar el patriotismo, capitalismo, consumismo y demás males terminados en “ismo”. Escuchen ustedes mismos los sonidos que se disimulan bajo el avant-jazz preciosista del inglés, resonancias casi imperceptibles de grabaciones ambiente de sonidos bélicos, preservativos restregados en el museo británico, tijeras cortando tarjetas de crédito, clavos siendo martillados para cerrar ataúdes y los sonidos de una máquina que salvó a su propio hijo nacido prematuramente. Pero aquél que no distinga estos sonidos alegóricos pero entienda correctamente el inglés de la vocalista Eska (a la que Herbert llama “the beating heart of the record”) no necesitará de más, ya que las letras de crítica y denuncia son inequívocas, como si se tratara de un gran dedo que señala hiriendo del sólo acto a su acusado...
Es bien sabido por todos que el arte adquiere su máxima expresión cuando la temática comunicada alcanza la universalidad…, esto es, cuando la materia tratada concierne a todos y cada uno, sin importar nacionalidad, raza, etnia, clase social y demás. De ordinario, un mensaje de tales proporciones es posible encarando, con la seriedad y hombría suficientes, las humanidades y, seguramente, atacando no sin razón alguna que otra entidad poderosa… ¿Y qué más humano y arrojado que la tentativa de Herbert? Sin embargo, cuando aún el disco ni siquiera se ha puesto a la venta, ya enamoró en demasía a la crítica con tan sólo su mensaje, dejando éste totalmente eclipsada a la música en sí de este artista. En todo caso, a mí sí que me gustó esta nueva entrega en su conjunto, porque por lo demás, no es la primera vez que Matthew Herbert utiliza su música para plantarle cara a ciertas cuestiones un tanto embarazosas…, no para él sino para otras personas… Ahora les toca a ustedes sacar sus propias conclusiones...

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No-Man - Schoolyard Ghosts

Una de mis voces favoritas de toda la vida, pasan los años y sigue cantando increíblemente bien, y la verdad es que me sorprendió gratamente la salida de este nuevo disco de Tim Bowness, que venía reservándome para publicar. Para quienes no lo conocen él es junto con Steve Wilson el fundador de la legendaria banda Porcupine Tree y la de esta ocasión No-Man.
Creadores de una de las mejores canciones que haya podido escuchar, Days In The Trees. Schoolyard Ghosts conserva intacto el espíritu de sus primeros discos, canciones simples, bellas, melancólicas y la voz de Tim, imposible de explicar con palabras. Todavía no comprendo como No-Man no tiene un reconocimiento más popular. Imperdible.

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Isol y Zypce - Sima

Isol y Zypce es el nuevo proyecto personal de Marisol Misenta, conocida cantante de la banda argentina Entre Ríos, su dulce voz y su cálida personalidad nos cautivó a todos. Luego de la disolución de la banda, ella se dedicó a su otra gran pasión, quizás la mayor de todas, que es la ilustración de libros para chicos. A principios de este año vuelve a incursionar en la música cantando para una banda neoyorquina llamada Alsace Lorraine con quien canto seis temas, y a muy poco tiempo de editado les presento este disco bajo el nombre de Isol y Zypce (hermano de Isol), también músico pero de formato mas abstracto y experimental, en este disco y por primera vez en su carrera Isol compone íntegramente música y letra.

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Lulu Rouge - Bless You

Un dúo integrado por dos dinamarqueses, Thomas Bertelsen y Torsten Bo Jacobsen. Torsten es conocido en la escena electrónica como Buda, afamado remixer de artistas muy respetados como Trentemoller. Bless You es un discazo que fusiona el dub con los sonidos más modernos del House, imperdible para amantes del sonido de Anders Trentemoller o de Swayzak. Discazo.

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Mari Boine - It Ain't Necessarily Evil: Mari Boine Remixed Vol II

Dueña de una voz cautivante, esta noruega de 52 años comenzó cantando salmos religiosos de la religión Sami. Los Sami son los originarios habitantes de la región de Laponia, la cual hoy, es parte de Suecia, Noruega y Finlandia. Mari logra el éxito gracias a Peter Gabriel quien le publicaría lo que seria su segundo disco llamado Gula Gula.
Su estilo es netamente Sami, aunque utiliza para la composición instrumentación de otros orígenes, como flauta, charango, violín, teclado; y su particular estilo de cantar proviene también de una antigua tradición Sami llamada Joik. Quizás hoy sea la mayor figura musical noruega y que la ha llevado a cantar con músicos de jazz como Jan Garbarek, y en este caso, el que nos atañe, es un maravilloso disco de remixes con versiones de eminencias de la talla de Kohib, Schwartz, The Knife entre otros. Cautívense.

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Henrik Schwarz - DJ-Kicks

Henrik Schwartz es un músico alemán, conocido por sus sets de gran eclecticismo, donde fusiona algunos clásicos del jazz y soul con música house, y lo hace estupendamente. Por ese motivo es que he elegido hoy este disco, que editara Studio K7 en el año 2006 para la famosa serie Dj kicks.
Henrik se ha convertido en uno de los mayores baluartes del Deep House en Alemania, reflotando el viejo sonido de Chicago y produciendo junto con Dixon y Ame varios de los mejores tracks que escuchamos estos últimos años.

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Björk - Dull Flame Of Desire (promo EP)

Existencia objeto de intensos estados de enajenamiento y arrebato tanto así como de sublimación etérea; de frágil cuerpo y espíritu sutil aunque animoso, envuelta invariablemente por un radiante fulgor de misticismo; dama excéntrica e introvertida pero jamás vulgar, acaso sí, beldad insuperable sin par…, Björk es una excepción a toda concepción estética posible. Para algunos puede ser una bruja oscurantista y lasciva, igual que para otros lo es regia emperatriz de algún ignoto imperio de fantasía, uno hinchado de una sempiterna musicalidad hecha de pura ilusión; y en cualquier caso, su voz puede pertenecer a una arpía lo mismo que a una reina. No podemos siquiera, contrastar artista alguna con la islandesa…, y es que siempre la báscula se inclinará unilateralmente en favor de la última... ¿Qué más decir de esta mujer que parece ser ajena a la Tierra?..
La conjunción de la islandesa con el inglés Antony Hegarty (Antony and the Johnsons) para cantar a dúo Dull Flame Of Desire, que no es otra cosa que una bella adaptación de un poema de Fyodor Ivanovich Tyutchev, no puede ser desatendida ni por aquel que se atribuya a sí mismo el distintivo “despreciador por excelencia”. Sí, Björk nos acaba de obsequiar un nuevo EP con versiones de los tracks 3 y 4 de Volta, a cual más encantadora y fascinante... Una vez más extrayendo material de su sexto álbum de estudio para arreglarlo y renovarlo hasta alcanzar casi la perfección, la cuestión es que no podemos ni forzadamente cansarnos de todo aquello de lo que Björk tiene a bien otorgarnos... Una entrega más para ubicar religiosamente en el pequeño altar casero, que no pocos le hemos consagrado…

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El Columpio Asesino - La Gallina

Integrada a finales de los noventa, El Columpio Asesino es una de esas tantas agrupaciones anónimas que se hacen prácticamente a partir de la nada, creciendo a fuerza de arduo trabajo, combinado con un poco de suerte, y fe ciega en el absurdo. Desde sus principios su música bien les hubiese significado un billete gratuito válido para atravesar las mismísimas puertas del éxito, sin embargo, no les fue fácil, ya que los enemigos de las excelencias proliferan en todos lados. Asimismo, aunque en menor medida, los hay también amigos de todo lo que es bueno, y éstos no dudan en reconocer y premiar la virtud cuando ésta es inequívoca.
Con un simple demo primigenio fueron premiados en diferentes concursos de talentos, hasta que finalmente fue el reconocimiento en un evento organizado por Astro Discos, Sol Música y Terra (España), por medio del que lograron editar su homónimo álbum debut en el 2003, y es que tal era el premio. Seguidamente hicieron numerosas presentaciones en diversas penitenciarías, y así trabajando, en el año 2006 llegó su segundo álbum, llamado De mi sangre a tus cuchillas, presentado una vez más por Astro Discos, sello que también hizo lo suyo con el reciente, La gallina.
Tan críticos como poetas, son cinco los españoles que hacen arte bajo el curioso nombre El Columpio Asesino: los hermanos Raúl y Albaro Arizaleta, Iñigo Sola, Markos Tantos y Xabier “Txibe” Ibero. Usan guitarras, bajos, banjos, trompeta, sintetizadores, batería y otras percusiones para crear su música, la que se traduce en forma de una propuesta totalmente ecléctica. Rock, punk, pop y música electrónica, como por ejemplo trip hop, les vale a estos excelsos artistas como vía de expresión. De igual modo, nunca dudan en llevar su fusión aún más lejos, concibiendo finalmente un sonido muy personal y fácilmente reconocible.
Inspirado en Radiohead, New Order, The Clash, Mecano, Moby y Jean Michel Jarre entre otros tantos, La gallina es un álbum más serio que sus antecesores, pero no por eso debe entenderse que pueda a llegar a ser pedante. Musicalmente excelente, además, ocupan gran protagonismo las letras en este tercer trabajo, ya que son íntegramente reveladoras y significativas en demasía, por lo que se podría decir que en este apartado El Columpio Asesino llega, seguramente, a su máxima expresión. Por lo demás, no podría yo explicarles lo interesante y atrayente que es la música de estos españoles..., antes bien, deben hacer ustedes sus propias valoraciones y les doy mi palabra de que no se han de arrepentir.

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Stereolab - Chemical Chords

Según se dice por ahí, tal vez Stereolab haya sido una de las primeras agrupaciones en producir música catalogada como post-rock, y puede que así sea… En todo caso, pecar de ignorancia en cuanto a saber o no cuál es el estilo puntual que toca esta gente no es del todo una falta, sino que sólo basta con que dispongamos de la curiosidad despierta y la sensibilidad necesaria para saborear y apreciar su música. Como con todo, sea literatura, cine o música, la belleza del arte corre por mano de quien se entrega a ella, para más tarde concederle su valor.
Así, Stereolab, con casi veinte años de historia, sino más, ha gozado siempre de la buena aprobación de la crítica pero…, no obstante, apenas si nunca tuvo un gran número de seguidores. Momentos de altibajos y otros de mayor fortuna para los integrantes de este proyecto formado en Inglaterra, Tim Gane y Laetitia Sadier, fueron superados a través de los años, acaso, innumeras veces. Por tanto, tal parece que la perseverancia es una gran cosa, de la que como muestra les facilito, he aquí, el décimo y más reciente álbum de Stereolab.
Rock experimental de los 60 (kosmische musik), lounge, easy-listening y pop también de aquellos tiempos, más guitarras, teclados y sintetizadores analógicos y algún que otro artificio se presentan a disposición del dúo, para que éste de vida a su música. Canciones alegres, en inglés y francés, son cantadas por Laetitia Sadier de manera muy cándida y simpática, pero no sin incluir mensajes ciertamente serios... Sí, este dúo ha creído y aún lo sigue haciendo, como tantas otras personas, en ideales de índole marxistas, y no desperdicia oportunidad de señalar lo que siente y piensa. Y en tiempos en los que el capitalismo bien se puede confundir con maquiavelismo, Stereolab continúa manifestándose más aún en su estupendo Chemical Chords.
Si bien la crítica ha favorecido en más de una ocasión a este dúo sólo por la profundidad del mensaje que siempre intentó plasmar en su obra, se debe decir que su música en general siempre ha sido, y ahora más que nunca, excelente. En Chemical Chords aparecen con aires renovados y nos atrapan de principio a fin con una propuesta en plan synth-pop; mucha vivacidad, alegría y calidez para decir que los años no le fastidian en lo absoluto; un disco para no parar de escuchar bajo ningún concepto. En suma, sin importar dónde hayan fijado sus más altos y dignos ideales, Chemical Chords será el punto exacto en el que todos los prejuicios se esfumarán sin más...

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School Of Seven Bells - Alpinisms (promo album)

En el año 2006, el guitarrista estadounidense Benjamin Curtis de la banda The Secret Machines decidió abandonar a ésta, y comenzar un nuevo emprendimiento. Para ser más veraz, el caso es que un tiempo atrás Curtis había descubierto lo que podía lograr sin otra cosa que su guitarra y una buena laptop, lo que sin dudas lo dejó encantado desde la primera vez... Igualmente, estuvo un tiempo sin sentirse lo suficientemente complacido por los resultados obtenidos, y es que sólo le faltaban los vocales perfectos para que todas sus ideas terminaran por cerrar de buen grado.
Las gemelas Claudia y Alejandra Deheza llegaron a Benjamin Curtis como concedidas por la mismísima Divina Providencia, al igual que si dos ángeles cayeran del cielo; ciertamente, Curtis no opuso resistencia alguna. De tal modo, las hermanas se unieron al proyecto y con ellas se consumó el asunto...
No sólo dotadas de voces angélicas, sino también de apariencia olímpica, estas chicas proporcionan el toque superlativo al ya acabado proyecto School Of Seven Bells, y se yerguen encima de la complicada música de Curtis confiriéndole su propia razón de ser. Las intensas atmósferas enriquecidas por beats dinámicos y colmados de vida artificial, no son más que el soporte, como pretexto, de las voces de Claudia y Alejandra. Ligeras y traviesas, las chicas se entretienen armónicamente con sus voces, cantando en forma de perpetua invocación a la concordia...
Alpinisms, el álbum primero de School Of Seven Bells, no hace referencia más que a la peligrosa disciplina deportiva mediante la cual lograríamos situarnos más cerca del lugar donde yacen las hermanas; que es el cielo claro está. En los mejores momentos del disco creeremos advertir en nuestras mentes nada más ni nada menos que la imagen de Elizabeth Fraser más la de una gemela suya, pero esto será producto de la satisfacción que conlleva oír a dos mujeres que cantan tan bien como preciosas son... Un encanto dar oídos a esta propuesta incluso para el sexo femenino, ya que éste no podrá sentir menos que orgullo de que en sus filas se cuenten semejantes ejemplares. ¡Para el goce de todo el mundo, y salud!

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The Miserable Rich - 12 Ways To Count

The Miserable Rich es un proyecto inglés cuyas bases se formaron en el año 2006, cuando el pianista y violonchelista Will Calderbank decidió unirse a una banda encabezada en aquel momento por el cantante James de Malplaquet. El encuentro de estos dos hombres, resultó en una amistad basada, primeramente, en sus gustos musicales…, debido lo cual comenzaron a ensayar por su cuenta, deambulando entre la música electrónica, indie y folk. Así, poco más tarde, creyeron oportuno sumar artistas a su empresa, de manera que integraron a los músicos Jim Briffet (guitarra), Rhys Lovell (contrabajo) y Mike Siddell (violín).
Formaron, como ya habrán reparado, un quinteto de cuerdas un tanto peculiar, una suerte de orquesta de cámara más que moderna. Crearon sus temas propios, y no a mucho se lanzaron a tocar donde se les daba oportunidad; y fue en una presentación especial que tuvo lugar en Roma, en un casamiento entre dos “ultra-ricos aristócratas” (según ellos mismos refieren en su myspace), que decidieron auto bautizarse con el distintivo, por supuesto alegórico, The Miserable Rich… Y saquen ustedes sus propias conclusiones sobre el posible motivo, de tal elección…
Actualmente poseen dos reseñas en circulación; un single 7" que sólo salió editado en versión limitada en el Reino Unido, llamado Pisshead / Boat Song, y su magnífico álbum debut publicado para toda Europa, 12 ways to count, que es el mismo que aquí les presento, para deleite de aplicados asiduos y peregrinos errantes...
Los ingleses ven su sonido influenciado por la música del viejo Colin Blunstone y los covers de Krafwerk del cuarteto Balanescu; por otro lado, también los clásicos encuentran en 12 ways to count su propio legado: un poco de música clásica, folk y electrónica desembocan de manera indudable en una propuesta encantadora de indie pop... Violín, violonchelo y contrabajo, todos de fantasía, aportan la exquisitez del clasicismo mientras que los excelentes vocales de James de Malplaquet, más las guitarras y percusiones electrónicas contribuyen dando el cálido toque pop que termina por definir esta elegante invitación... Imperdible para todo oído que se estime delicado...

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Akira Kosemura - It’s On Everything

Akira Kosemura es un joven pianista japonés, que comienza su carrera en el año 2005 y ya cuenta con 3 discos editados. No sólo es un destacado músico sino también, es director de un pequeño pero exitoso sello discográfico llamado Schole, con el cual ayuda a difundir los nuevos talentos de la música en Japón. En cuanto al disco que nos atañe, su segundo disco, fue editado en Australia por el sello Someone Good, minimalista y experimental con mucha instrumentación acústica como el piano, donde Akira se desenvuelve de maravillas. Monumental álbum, para momentos de soledad y relax.

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Agnés - Dumbles Debuts

Agnés es un joven productor de origen suizo, que regentea su propio sello discográfico residente en Ginebra y que lleva por nombre sthlmaudio. Gracias a su sello, podemos disfrutar no sólo de las producciones de Agnés sino también de otros artistas del mismo nivel como Apoll, Cabanne, Luka & Lazo, Tom Demac & Duckett y otros. Para la ocasión he elegido su hasta ahora único álbum Dumbles Debuts, editado por el sello Resopal Red, un disco cargado de groove, muy ecléctico, que oscila entre el minimal house y el dub.

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The Notwist - Neon Golden

Desde Alemania nos llega este cuarteto de melodías pop, cálidas, llenas de matices y dulzura. Liderada por dos hermanos Markus Acher y Micha Acher, comenzaron como grupo Punk hasta que en el año 1998 editaron Shrink, disco que significó un gran cambio con respecto a los anteriores, pero recién en el año 2002 editan Neon Golden, el cual sería su disco consagración y ya considerado como uno de los grandes discos dentro de la indietronica global. Un disco imperdible que los dejará sedientos de más Notwist.

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Halou - We Only Love You

Halou es un trío integrado por Rebecca Coseboom, Ryan Coseboom y Count. Con 11 años de carrera musical, Halou sufrió algunas transformaciones desde su primer disco, el cual es objeto de presentación en esta ocasión, por considerarlo el más importante y electrónico de su carrera. Algunos conocedores seguro encontraran varias cosas en común con Olive, incluso en la calidad de su vocalista Rebecca Coseboom, que nada tiene que envidiarle a Ruth-Ann Boyle.
We Only Love You, es un disco sutil, con excelentes arreglos y potentes bases drum and bass, un disco cálido, sensible, y por sobre todo perfectamente cantado por Rebecca.

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Deadbeat - Roots and Wire

El canadiense Scott Monteith comenzó en 1999 trabajando en una compañía de Montreal llamada Applied Acoustics Systems, una dedicada a la elaboración de softwares de audio profesional. De esta manera un año después, debido a la experiencia adquirida en su trabajo, arrancó bajo el seudónimo Deadbeat con sus propias producciones musicales, las que se mueven entre el techno y el dub, incursionando también el IDM, ambient o downtempo.
Para el año 2003 ya contaba con un buen número de reseñas editadas por diferentes sellos como Wagon Repair, Cynosure o Scape, por lo que decidió formar paralelamente un proyecto junto a su compatriota Steve Beaupré, llamado Crackhaus. Igualmente, no a mucho abandonó Canadá y se trasladó e instaló en Berlín, el paraíso de los artistas electrónicos… En Alemania continuó con su producción más a gusto, y al día de hoy ya suma 7 álbumes de estudio.
En su reciente y último trabajo llamado Roots and Wire, editado por el sello de su país Wagon Repair, Deadbeat nos ofrece esencialmente dub-techno. Por un lado, en sus temas más dub que techno, cuenta con la colaboración de Paul St. Hilaire, hombre nacido en la isla Dominica, quien contribuye con sus vocales en 2 ocasiones; por otro, en sus producciones visiblemente orientadas hacia las pistas de baile, encontramos techno y tech house grooveros, cargados de percusiones tribales. Todo esto, con un estilo muy firme y personal; como el mismo Monteith afirma en su myspace, se trata de su propia búsqueda a través de los unos y los ceros, la que en Roots and Wire se extiende a lo largo de 8 determinados tracks…

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Tba - Tba

Sin duda uno de los sellos referentes en cuanto a música electrónica en sus variantes más experimentales, Max Ernst, el sello de Thomas Brinkmann, editando también acá a una de las integrantes del colectivo "Goslab", también de la republica de Georgia, Natalie Beridze es más conocida como Tba.
He preferido darle prioridad al que considero su mejor disco de nombre homónimo a la agrupación. Este brillante trabajo, de cualidades muy experimentales, es a pesar de ello, muy escuchable con cálidas atmósferas como el track 7 Intr.-detec.sys, un viaje inmensamente bello. Un disco emocional que cala hondo y que con luz propia nos transporta a parajes surrealistas. Imperdible.

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Bang Gang - Ghosts From The Past

Disco 2008 de Bardi Johannsson, alias Bang Gang, este grandioso Islandés, como casi todo lo que proviene de la isla, no pasa inadvertido, después de su disco "Something wrong", Bardi ataca de nuevo con Ghosts From The Past. Para quienes conocen sus anteriores trabajos no descubrirán nada nuevo, pero eso no quita calidad a un disco plagado de tristes melodías y una delicada melancolía que conmueve desde el principio. En el disco participa nada menos que Keren Ann con quien forma Lady & Bird y también Anthony González de M83.

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Dean & Britta - Back Numbers

Para los que no conocen a Dean Wareham, uno de los dos integrantes de Dean and Britta, el es el creador de la agrupación Luna y de los archi-famosos Galaxie 500, en este caso se une a Britta Philipps. Dos enamorados que encajan perfectamente, sobretodo en el plano musical, pop elegante y muy intimista, para quienes prefieren las melodías relajadas, tirado en un sofá, con los ojos cerrados, dejando el tiempo pasar.

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Post Industrial Boys - Trauma

Desde Georgia, exactamente su capital Tbilisi, a orillas del Mar Negro, nos llega este excelente álbum de George Dzodzuashvili, más conocido como Gogi Ge.Org.
El es el fundador de este proyecto llamado Post Industrial Boys, un colectivo artístico formado por poetas, pintores, perfomers, cineastas y músicos. Trauma, es un disco del año 2006 y es para mí, sin desmerecer sus otros trabajos lo mejor de Post Industrial.
Pop electrónico vibrante, sutil, con climas muy intimistas y vocales que suenan al synth pop de los 80. Larga vida al sello de Thomas Brinkmann, Max Ernst, para que siga editando maravillas como esta. Presten especial atención al cover del clásico de Lou Reed, Take A Walk On The Wild Side, simplemente delicioso.

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Max Richter - 24 Postcards In Full Colour

Un alemán residente en UK, Max Richter es un pianista moderno, que gusta de combinar la música clásica con música electrónica, logrando pasajes ensoñadores y exquisitos. En este caso elegí su ultimo disco 24 Postcards In Full Colour, un disco compuesto íntegramente para teléfonos politonos. Con la idea de sonar cada vez que uno reciba una llamada, estas 24 piezas serán las encargadas de darle vida y calidez a los móviles del planeta.
La música de Max Richter no tiene desperdicios y podría recomendarles todos sus discos, incluida su participación en la banda de sonido de la ultima película de Isabel Coixet, Elegy.

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Populous With Short Stories - Drawn In Basic

El italiano Andrea Mangia comenzó su producción para Morr Music, bajo el seudónimo Populous, en el año 2002 con el LP Quipo, al que le siguió Queue for Love en el 2005 y actualmente, el vecino 5 de octubre, saldrá a la venta su tercer álbum de estudio llamado Drawn in basic, con la colaboración de Short Stories.
El sonido de este artista italiano ha cambiado un poco desde sus inicios, en los que como sabrán, sus producciones se percibían cargadas de folk, jazz y soul, aunque igual de frías y enmarañadas que ahora. En Drawn in basic recurre a un método que está siendo usado por muchos artistas en la actualidad, el que se reduce a una especie de proceso “feedback”, que consiste en usar viejos procedimientos, en desuso, para la creación musical. Así, Mangia retornó al uso de máquinas analógicas en combinación con herramientas digitales, buscando de esta manera el efecto que no consiste en otra cosa que sonar como los primeros músicos electrónicos…
En consecuencia, lo logra y más… Sin embargo, su sonido sigue siendo el de Populous, aunque precisamente en Drawn in basic lo podríamos puntualizar como un electro-pop difícil y flemático; tan frío como cálido, al igual que en sus anteriores producciones; de una estética a medio camino entre las primeras producciones electrónicas alemanas y las más recientes, en balance perfecto entre lo básico a lo que hace referencia el título del álbum (esto es, la simplicidad a la hora de crear) y el complicado enredo propio de las producciones más actuales… De esta manera, los ritmos y melodías robados de las máquinas por Mangia, podrán mostrar cierta insensibilidad en un principio, y es que en esta ocasión la calidez juega de la mano del cantante y guitarrista Mike McGuire de Gregory and The Hawk, quien favorece los temas del italiano con sus vocales, narrando dignamente sus correspondientes Historias Cortas (como indica su alias)… Las canciones sonarán oscuras o radiantes, pero en ambos casos serán excelentes, y de la mano de ellas percibiremos un álbum encantador en su totalidad…

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It's a Musical - The Music Makes Me Sick

En el mes de abril pasado, el dúo formado por la sueca Ellinor Brixt y el alemán Frank Schultge Blumm nos entregó Bobby and Blumm-Everybody Loves, un álbum presentado por Morr Music; y ahora, el 10 de octubre próximo por cortesía también del sello alemán, saldrá a la venta un nuevo álbum del dúo que en este caso, ha integrado la sueca Brixt junto con el alemán Robert Kretzschmar.
The Music Makes Me Sick es entonces, el debut de este dúo llamado It's a Musical, un disco grabado íntegramente en Berlín. En este caso, Ellinor Brixt se aleja notoriamente de la música que había concebido anteriormente con Blumm, la que era un pop acústico más que sutil, para crear en unión a Kretzschmar, también música pop indie. Las 12 canciones aquí presentadas, fueron primeramente escritas con el simple acompañamiento de un pequeño órgano, aunque Kretzschmar ya sabía en su cabeza, durante el proceso, cómo debía sonar posteriormente la propuesta…
Sumaron, además de sus propias voces, coros, guitarras, vibráfonos, trompetas, pianos, sintetizadores y demás, para plasmar en su obra prima música más que alegre y entretenida. Los dos integrantes del dúo relatan que ambos crecieron en pequeñas ciudades; Brixt en Hultsfred (Suecia), y Kretzschmar en Weissenborn (Alemania), amabas ciudades nostálgicas y aburridas, en las que no hacían más que evadir la realidad escapando, por medio de la imaginación, a sitios mejores... Estos lugares de ensueño, indudablemente, son los que toman la palabra y dan forma al discurso en The Music Makes Me Sick, título irónico para su primer álbum, puesto que la música fue siempre el refugio de estos jóvenes que después de descubrir las afinidades del alma que les acabo de expresar, decidieron grabar su debut como compensación de otros tiempos no muy agradables en sus vidas... Su merecida indemnización, presentada, una vez más, por Morr Music.

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